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TEMA 24 La pintura italiana del trecento Siena
y Florencia
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La pintura gótica, implica un gran cambio
respecto a la pintura románica, debido a la
progresiva reducción de los muros y su
sustitución por vidrieras, lo que supone la
búsqueda de otros soportes, desarrollándose la
pintura sobre la tabla.             Aunque en
pintura gótica es más difícil hablar de
características generales, ya que se suele
analizar las diversas escuelas y tendencias,
podemos señalar las siguientes -         Las
técnicas empleadas son variadas según los
soportes temple y óleo, en pintura sobre tabla, 
y el fresco en las pinturas murales. -         El
dibujo tiene una gran importancia delimita
formas, marca modelados, crea ritmos
compositivos.. -         Importancia del
modelado, desde tonos planos al juego de
contraluces -         La luz contribuye a
destacar el volumen, pero en general no es una
luz real y puede tener contenido
simbólico -         El color es un elemento
clave, se utiliza en gamas ternarias, con
frecuencia es un colorido irreal lleno de
contenido simbólico -         El interés por la
perspectiva también evoluciona, aparece la
preocupación por el espacio pictórico a partir
del siglo XIV, con los pintores italianos y el
gótico internacional -         La composición
tiene muy en cuenta el eje de simetría, con los
elementos orientados hacia el centro teórico del
cuadro. -         Las formas de expresión
reflejan un nuevo ideal estético hacia un
naturalismo idealizado individual  y expresivo,
al igual que en la escultura. -         La
temática religiosa, y en menor escala también la
profana -         Tiene un carácter narrativo y
finalidad didáctica y devocional
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LA ESCUELA FLORENTINA GIOTTO (Giotto di
Bondone) 1267-1337.
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Giotto di Bondone, mejor conocido solo por su
nombre de pila (Colle di Vespignano, 1267? -
Florencia, 8 de enero de 1337) fue un notable
pintor, escultor y arquitecto italiano del
Trecento. Se lo considera el primer artista de
los muchos que contribuyeron a la creación del
Renacimiento italiano y uno de los primeros en
sacudirse las limitaciones del arte y los
conceptos medievales. Si bien se limitó
mayormente a pintar temas religiosos, fue capaz
de dotarlos de una apariencia terrenal, llena de
sangre y fuerza vital.
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Giotto precursor de la pintura del
Renacimiento Su revolucionario enfoque de la
forma y su manera de representar el espacio
arquitectónico realista (sus figuras son a
escala en relación con los edificios y los
paisajes que las rodean) marcan un gran salto
hacia delante en la historia de la pintura. Se
considera que la pintura gótica alcanzó su cumbre
con Giotto, quien tan espléndidamente sumó y
revigorizó todo lo que se había hecho antes de
él. Por primera vez tenemos en la pintura europea
lo que el historiador Michael Levey denomina una
gran personalidad creativa. Sin embargo, la
verdadera era de las personalidades fue el
Renacimiento, y no es por casualidad que los
escritores de la época siempre empiecen con
Giotto. Como un gigante, abarca los dos períodos,
ya que era de su época y se adelantó a ella. No
obstante, sus fechas lo sitúan en el período que
llamamos gótico, con su clima de gracia
espiritual y el deleite primaveral en la frescura
del color y en la belleza del mundo visible. Lo
que los artistas góticos consiguieron fue
representar una solidez de forma donde los
pintores anteriores habían mostrado un mundo
lineal, falto de volumen y con poca sustancia, a
pesar de su fuerza espiritual. .
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La Capilla de la Arena de Padua está decorada con
la mejor obra de Giotto que ha llegado hasta
nosotros, un ciclo de frescos pintados alrededor
de 1305-1306 que representan escenas de la vida
de la Virgen y de la Pasión. La Deposición de
Cristo de Giotto (arriba), uno de los frescos
de la pared norte de la Capilla de la I Arena, es
el final de la misma aventura cuyo comienzo vimos
en la Llamada de los apóstoles de Duccio. Giotto
ha reunido todas sus fuerzas para plasmar uno de
los mayores episodios de la vida de Cristo. En
contraste con las remotas alturas de las Madonas
entronadas de Duccio y Cimabue, Giotto sitúa la
acción a la altura del ojo humano, creando así
una sorprendente veracidad y transformando el
hecho conocido en un drama intensamente
conmovedor y real. El gran cuadro vibra de
actividad los santos muestran su dolor, todos
claramente diferenciados y atentos a una acción
específica. La madre, una mujer con una
determinación casi masculina (Giotto siempre la
pinta alta y majestuosa), sujeta el cádaver
contra su cuerpo, controlada y trágica. María
Magdalena, que sujeta humildemente sus pies,
contempla a través de sus lágrimas las marcas de
los clavos. San Juan aparece en un exagerado
gesto de dolor, con los brazos hacia atrás y su
torso inclinado a la terrible realidad. Los
hombres más mayores, Nicodemo y José de Arimatea,
permanecen de pie a un lado, reticentes y
tristes, mientras las compañeras de María, que la
sujetan a los pies de la cruz, sollozan, se
lamentan y derraman las lágrimas que ella no
derrama. Una tierra tan manchada de sangre no es
un lugar para los ángeles, pero éstos bajan en
picado y dan vueltas en el aire con los gemidos
de su dolor. Un árbol solitario y sin hojas en la
árida colina al fondo sugiere el horror de la
muerte sin embargo, el azul oscuro del cielo
tiene una secreta luminosidad. Giotto y sus
contemporáneos sabían, aunque quizá los
apasionados ángeles no lo supiesen, que Cristo
iba a resucitar. La extraña contención de la
VIrgen puede surgir de esa profética certidumbre
interior, y es una medida de la convicción
narrativa de Giotto que nosotros consideremos
estas posibilidades. Los colores y las formas,
tan claros, sólidos y completos, reafirman esta
certeza mística sin otorgar ninguna concesión a
la aparente desesperanza. Seis siglos después, el
artista Henri Matisse dijo que no se necesitaba
conocer la historia del evangelio para captar el
significado del cuadro de Giotto lleva su propia
verdad en su interior. .
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Giotto. Capilla de la Arena. Padua.
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LA ESCUELA DE SIENA DUCCIO Y SIMONE MARTINI
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DUCCIO Duccio di Buoninsegna, 1278-1319).
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DUCCIO Pintor italiano, precursor del estilo
renacentista, que llevó a la cumbre el arte
medieval italiano de tradición bizantina. Nació
en Siena y fue el fundador de la escuela
pictórica de esta ciudad. Sus trabajos, de
carácter religioso, se caracterizan por la
sensibilidad del dibujo, la habilidad de la
composición, la calidad decorativa similar a los
mosaicos y una intensidad emocional mayor que la
del modelo bizantino que seguía. Su obra más
famosa, y la única firmada, es la Maestà
(1308-1311), un gran retablo pintado por ambas
caras en la actualidad la mayor parte de esta
obra se encuentra en el museo de la Catedral de
Siena. La parte frontal muestra a la Virgen
entronizada y rodeada de un gran número de
ángeles, santos y apóstoles, levemente
naturalistas. El reverso del retablo (que fue
separado en 1795) contiene 26 escenas del
magisterio y la pasión de Cristo. En algunas ya
puede verse un tratamiento nuevo, más realista de
la perspectiva. Las escenas de la predela
(pintura de la zona inferior del retablo bajo el
panel central) se hallan dispersas en varios
museos. Otra pieza fundamental de Duccio di
Buoninsegna es la Madonna Rucellai (encargada en
1285). Se trata de un retablo que muestra a la
Virgen sentada en el trono con el Niño Jesús, con
un fondo de oro de tradición bizantina y
flanqueada por ángeles de rodillas. Esta obra la
pintó para la iglesia de Santa María Novella de
Florencia y en la actualidad se encuentra en la
Galería de los Uffizi. Entre todas las obras que
se le atribuyen están algunos paneles pequeños y
polípticos de la Virgen.
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Durante los siglos XIII y XIV , la ciudad de
Siena rivalizó con Florencia en cuanto al
esplendor de sus artes. Si Giotto revolucionó el
arte florentino, Duccio y sus discípulos fueron
responsables de la pequeña, pero importante,
revolución en el sur. Duccio es un pintor de
fuerza tremenda. Su mejor obra es su Maestá,
encargada para la catedral de Siena en 1308 e
instalada allí con gran ceremonia, en 1311. Un
cronista describió las festividades Los
sieneses la llevaron la Maesta a la catedral el
9 de junio con grandes devociones y procesiones
... haciendo sonar campanas de alegría, y ese
día las tiendas cerraron por devoción. Parece
increíble que esta gran obra fuese fragmentada y
vendida, en parte porque ya no se apreciaba. El
único beneficio de esta locura cultural es que
ahora museos de todo el mundo tienen tablas de la
Maestá.Duccio pintó la Maestá por ambos lados
la parte frontal estaba dividida en tres partes.
El panel principal (arriba) mostraba a la Madre y
al Niño sentados en un trono rodeado de ángeles y
santos. En la base había una predela (franja
pictórica situada en la parte inferior) decorada
con escenas de la infancia de Cristo. La franja
de la parte superior estaba decorada con escenas
de los últimos años de la vida de la VIrgen las
dos se han perdido. La parte trasera estaba
pintada con escenas de la vida de Cristo (se
conocen 26). Entre las escenas de la
parte trasera de la Maestá que se conservaron en
Siena se encuentra Las mujeres santas en el
sepulcro (izquierda). Es el momento de la Pasión
en el que las tres Marías descubren la tumba
vacía de Cristo, y el arcángel Gabriel les
comunica que ha resucitado. Esta pintura tiene
una austeridad y una gracia tan poderosas que
hacen que nos demos cuenta de la urgencia del
mensaje cristiano.Lo que interesa a Duccio no es
la psicología de las mujeres (como le interesaría
a Giotto), sino el milagro de la sagrada
influencia recíproca en ese punto tan importante
de la Pasión. Las figuras de la pintura se
acercan unas a otras y sin embargo, no llega a
existir contacto entre ellas. Nos están mostrando
un mundo de espiritualidad que ninguno de
nosotros puede comprender, ni siquiera el mismo
artista. La maravillosa reserva e independencia
de la obra de Duccio es una de sus cualidades más
características.Duccio parece pintar desde la
distancia, mientras que Giotto se identifica
totalmente con sus historias, crea verdaderos
dramas y nos involucra al explicárnoslas. Aunque
la composición rígida y formal de la parte
frontal de la Maestá revela fuertes lazos de
unión con la tradición bizantina, la influencia
del norte de Europa (que Duccio recibió de
segundas a través de la escultura de Nicola y
Giovanni Pisano) puede apreciarse en las formas
agraciadas y onduladas de las figuras -un ejemplo
temprano del encanto refinado que caracteriza a
todo el arte gótico.
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DUCCIO. LA MAESTÁ
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SIMONE MARTINI
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Simone Martini es uno de los más originales e
influyentes artistas de la escuela de Siena, su
ciudad natal. Basándose en las técnicas de
representación tridimensional del espacio
desarrolladas por el maestro sienés Duccio de
Buoninsegna, Simone añadió una refinada línea de
contorno y de gracia y serenidad a la expresión.
Pintó muchos frescos, introduciendo la técnica de
esta pintura en la escuela de Siena. Realizó
también paneles para retablos, como el de La
virgen y el niño (1320) para la iglesia de Santa
Catalina de Pisa. Simone vivió en Asís durante un
tiempo y realizó uno de sus mejores frescos,
ilustrando algunos momentos de la vida de san
Martín para la capilla del mismo nombre. En 1339,
a petición del papa Benedicto XII, fue a Avignon,
donde realizó los frescos del palacio papal y la
catedral. Entre sus obras destacan San Juan
Bautista (Galería Nacional de Arte de Washington)
y La Anunciación (1333, Galería de los Uffizi de
Florencia), considerada como una de las mejores
realizaciones de la escuela de Siena
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El artista gótico por excelencia es Simone
Martini (h. 1285-1344). De los pintores sieneses,
es el único del que se puede decir que rivalizó
con su maestro, el gran Duccio. Puesto que Simone
era, artísticamente hablando, un descendiente
directo de Duccio, su arte todavía tiene nexos de
unión con la tradición bizantina de remota
espiritualidad. También reconoció las
innovaciones espaciales de Giotto y el elegante
estilo gótico de Europa del norte (representado
por Francia), que en aquella época era popular en
Siena. En 1260, el monarca francés Roberto de
Anjou trasladó su corte aNápoles, y antes de
1317, Simone fue llamado a la corte para pintar
un encargo del rey. Simone estaba muy influido
por el arte de la corte de Anjou, con su
característica elegancia y su refinamiento
cortesano que diferenciaba al gótico francés de
las primeras evoluciones italianas. La influencia
del estilo gótico del norte en el arte italiano
es más visible en la obra de Simone su
preocupación por la forma elegante, por las
líneas ininterrumpidas que fluyen libremente y
por el dibujo el manierismo y los gestos
delicados de sus figuras, y la preciosa cualidad
de artesano de sus pinturas lo revelan como el
artista definitivo del estilo gótico italiano y
como un exponente temprano del estilo gótico
internacional.
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Las figuras de Simone tienen una extraordinaria
fluidez física tanto si son angelicales como
humanas, vibran y recorren la escena de una forma
sorprendentemente bella, como sifuesen habitantes
mágicos de nuestro mundo y del cielo. Tienen los
pies, firmemente apoyados en la tierra y, !sin
embargo, todo el ser respira los hechizos de otra
realidad. No hay ningún artista parecido a
Simone, ni en el gran atrevimiento de sus
combinaciones de colores ni en la fuerza
persuasiva con la que nos invita a entrar en el
mundo de su singular imaginación. Su sentido del
drama queda bien claro en El ángel y la
Anunciación (arriba), expuesto en la galería
Uffizi, en Florencia. En este cuadro vemos cómo
María se encoge, casi asustada por la solemnidad
de la petición de que dé a luz al Hijo de Dios.
Pero incluso en este momento de perplejidad
espiritual,
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El ángel de la Anunciación (derecha), otra
versión del mismo tema, se cree que fue un
díptico cuyo panel derecho se ha perdido. En él
se veía a la Virgen a quien el ángel extiende el
brazo en el que lleva una rama de olivo. La
ausencia de la Virgen es casi un felix culpa (un
feliz infortunio), ya que ahora nos vemos
forzados a ponemos en su lugar y a entrar en el
drama silencioso.  
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María vibra con la gracia gótica tan
característica del arte de Simone. Va toda de
azul, color que generalmente simboliza el cielo
el ángel, deslumbrante en tonos dorados. El
observador se da cuenta del encuentro sagrado en
el que el cielo y la tierra se convierten en uno
solo. María y el ángel, que cierran los ojos, se
conmueven el uno al otro.
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