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ESTILOS ESCULTÓRICOS
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Así lo manifestaban dichos escritores para poner
de relieve el contraste entre escultura y
pintura, ya que esta última consiste, por el
contrario, en añadir. En la eliminación de la
masa sobrante estriba la dificultad de la
escultura, Se trata de una operación conceptual y
técnica a la vez. Para poder extraer la figura
del claustro en que está recluida, el escultor
tiene previamente que verla, y después, valerse
del oficio. Un escultor que no haya previsto
cabalmente la imagen que desea expresar puede,
con todo, llevar a cabo una escultura, pero el
resultado apenas convencerá al contemplador. Ya
la inversa, de poco le servirá la idea si
desconoce los medios para convertirla en objeto
artístico.
En esa esfera de la expresión humana que
denominamos creación artística, la actividad
específica de la escultura es el proceso de
representación de una figura en tres dimensiones.
El objeto escultórico es por tanto sólido,
tridimensional y ocupa un espacio.     El
procedimiento para generar dicho objeto nos
remite a las variedades técnicas de la escultura.
Según los tratadistas italianos del Renacimiento
(Alberti, Leonardo, Miguel Ángel), un escultor es
aquel que quita materia de un bloque hasta
obtener una figura. Por consiguiente, esculpir o
tallar es quitar, y es escultor quien sabe quitar
lo que sobra en un bloque, de material sólido,
que contiene un objeto escultórico en potencia.
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Pueden hacerse esculturas con casi todos los
materiales orgánicos o inorgánicos. Los procesos
específicos para su elaboración se remontan a la
antigüedad y han experimentado pocas variaciones
en su evolución hasta el siglo XX. Estos procesos
pueden clasificarse según el material empleado
sea piedra, metal, arcilla o madera los métodos
que se utilizan son la talla, el modelado y el
vaciado. En el siglo XX el campo de la escultura
se ha ampliado enormemente y se ha visto
enriquecido por técnicas nuevas, como la
soldadura y el assemblage, y por la utilización
de nuevos materiales, como el tubo de neón.
La Captura es Inminente Paola Zamorano
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El modelado consiste en añadir o elaborar formas.
Se utilizan para ello materiales blandos y
flexibles a los que se puede dar forma sin
dificultad, lo que permite una ejecución rápida.
Así el escultor puede captar y registrar
impresiones en un tiempo aproximado al que un
pintor necesitaría para hacer un boceto. Los
materiales utilizados desde la antigüedad para
modelar una escultura han sido la cera, la
escayola y la arcilla o sustancias de tipo
parecido a ésta que, en ese caso, se cuecen para
incrementar su resistencia.
Modelado
El único método para conseguir la perdurabilidad
de una obra modelada es vaciarla, es decir,
fundirla en bronce o en cualquier otra sustancia
imperecedera. Existen dos métodos de vaciado a
la cera perdida y a la arena. Ambos métodos se
han venido utilizando desde la antigüedad, aunque
el proceso a la cera perdida es el más corriente.
El vaciado a la arena es un proceso más
complicado en el que se utiliza una clase de
arena muy fina y de gran cohesión, mezclada con
una pequeña parte de arcilla para obtener un
modelo positivo y un molde negativo algo más
grande que el original del artista, y entre ambos
se vierte el metal y se deja que al enfriarse
endurezca.
Vaciado
Aunque se siguen utilizando técnicas
tradicionales, en muchas obras del siglo XX
consideradas como esculturas se han utilizado la
construcción y el assemblage. Estos métodos
tienen como punto de partida el collage, técnica
pictórica creada por Pablo Ruiz Picasso y Georges
Braque en 1912, que consiste en pegar papeles y
otros materiales diferentes sobre una pintura.
Picasso realizó también objetos tridimensionales,
como instrumentos musicales, de papel y trozos de
otros materiales diversos, a los que se denominan
construcciones. Ejemplos de escultura
constructivista abarcan desde las cajas
surrealistas de Joseph Cornell hasta las obras
con chatarra de automóviles y partes de máquinas
de John Chamberlain, ambos estadounidenses. El
término assemblage, que en la actualidad se
utiliza de manera indistinta al de construcción,
fue acuñado por el pintor francés Jean Dubuffet
para referirse a su propia obra, surgida del
collage.
Construcción y ensamble
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Los objetos escultóricos conocidos más antiguos,
tallados en marfil, asta, hueso o piedra, tienen
entre 27.000 y 32.000 años de antigüedad. Entre
ellos podemos citar un caballito de marfil de
líneas ondulantes y delicadas, que fue hallado en
una cueva de Alemania. De los detritos
(fragmentos rocosos) acumulados en los suelos de
cuevas prehistóricas también se han extraído
figurillas femeninas en piedra que enfatizan la
representación de los órganos reproductores, los
pechos y las nalgas. Se cree que representaban a
diosas de la fertilidad y por ello se las llama
Venus. Una de ellas, la llamada Venus de
Willendorf (c. 30.000-25.000 a.C., Museo de
Historia Natural, Viena), de formas muy abombadas
a pesar de medir sólo 11,5 cm de altura, estaba
pintada de color rojo. Hace unos 9.000 años, en
Jericó, se realizaban representaciones de
calaveras humanas cubiertas de yeso, con un gran
naturalismo.
Venus de Willendorf
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Entre las esculturas egipcias más antiguas se
cuenta un fragmento de pizarra tallado en
bajorrelieve, conocido como la Paleta del rey
Narmer (3100 a.C., Museo de El Cairo), que
rememora la victoria del Alto sobre el Bajo
Egipto. En ella aparecen representados faraones,
ejércitos, sirvientes y diversos animales. Los
faraones fueron también motivo de
representaciones conmemorativas con magníficas
estatuas a tamaño natural, que se ubicaron en
tumbas y templos funerarios. Estas esculturas no
eran auténticos retratos sino representaciones
idealizadas, con rasgos predeterminados y mirada
al frente, siempre se les representaba en una
pose frontal. El cuerpo recibía un tratamiento
marcadamente geométrico, con hombros y pecho
planos que recuerdan la forma de un triángulo
invertido, como se aprecia en una escultura de
diorita tallada del faraón Kefrén (c. 2530 a.C.,
Museo de El Cairo). Durante el reinado de Ajnatón
se alcanzó un mayor naturalismo
Ajnatón y Nefertiti La estatua en piedra caliza
policromada de Ajnatón, soberano de Egipto
durante el periodo Amarna (c. 1350-1334 a.C.)
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El arte mesopotámico es producto de varias
civilizaciones la sumeria, la acadia, la
babilónica y la asiria. Alrededor del 2600 a.C.
los sumerios ya tallaban estatuillas de dioses en
mármol, caracterizadas por sus ojos grandes y su
mirada fija. Otros detalles como el pelo, la
expresión facial, el cuerpo y el ropaje muestran
un tratamiento esquemático y denotan que se
prestaba poca atención al parecido con el modelo.
Dichas características se mantienen en la
escultura mesopotámica posterior. Las culturas de
Mesopotamia también muestran una inclinación
hacia la representación de animales fantásticos,
maestría que ejecutaban con gran arte como puede
verse en las entradas de los palacios y en los
relieves realizados en las paredes durante el
periodo asirio (1000 a.C.-612 d.C.
Escultura sumeria
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Dentro del arte egeo se incluye la escultura
minoica, con sus estatuillas de diosas en
terracota y marfil, y las obras micénicas, entre
las que se cuentan tallas pequeñas de divinidades
esculpidas en marfil. Los griegos, maestros de la
escultura tanto en piedra como en bronce, crearon
algunas de las piezas escultóricas más
importantes de todos los tiempos. Entre los
siglos VII y I a.C. alcanzaron la perfección en
la representación de la figura humana a escala
monumental. En el periodo más antiguo, el
arcaico, las figuras eran rígidas y los cuerpos
presentaban una esquematización geométrica, como
en el arte egipcio. Sin embargo, en la época
clásica, entre los siglos V y IV a.C., su arte se
tornó más naturalista, buscando la perfección en
la representación del cuerpo humano. Las figuras
estaban bien proporcionadas y expresaban
movimiento, aunque los rostros continuaban siendo
estáticos. Los temas preferidos durante este
periodo fueron los dioses y los atletas.
Los escultores más famosos eran Fidias,
Policleto, Praxíteles y Lisipo. Entre los grupos
escultóricos realizados como decoración
arquitectónica los más apreciados son los del
Partenón de la Acrópolis de Atenas, como Las tres
diosas (Museo Británico), cuyo ropaje
arremolinado de manera rítmica, técnica
denominada de paños húmedos, se ciñe a sus
cuerpos reclinados. Durante el periodo
helenístico (siglos IV a I a.C.) aumenta la
expresividad en las obras, como puede apreciarse
en los gestos faciales y en la contorsión de las
poses. La Victoria de Samotracia o Victoria alada
(c. 190 a.C., Louvre, París) es una obra maestra
de gran dramatismo de este periodo.
Victoria de Samotracia ,realizada en mármol
hacia el 190 a.C
El Apolo Strangford, estatua de mármol de Limnos,
Grecia, fechado hacia el 500 a.C.,
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Los romanos fueron ávidos coleccionistas e
imitadores de la escultura griega. Los
historiadores modernos conocen los originales
griegos perdidos gracias a las copias realizadas
por ellos. La contribución característica de los
romanos al arte de la escultura fue el retrato
realista, en el que registraron hasta los
detalles faciales menos atractivos. El sentido de
la importancia de los hechos históricos que
poseían los romanos queda reflejado en las
esculturas exentas y en los relieves. Entre los
monumentos conmemorativos de Roma se pueden citar
el arco de Tito (81 d.C.), la columna de Trajano
(c. 106-113) y la estatua ecuestre de Marco
Aurelio (c. 175). Ésta última se convirtió en
prototipo de la mayoría de las esculturas
ecuestres posteriores.
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Los ejemplos que se conservan de la escultura
paleocristiana datan del siglo IV y, por su
estilo, estas obras ya no se corresponden con el
ideal clásico de belleza. En el sarcófago de
mármol de Junio Basso (c. 359, Grutas Vaticanas,
Roma) se representan diez escenas bíblicas los
personajes tienen proporciones extrañas y llevan
ropajes que caen en pliegues con una excesiva
monotonía. Este estilo, llamado a veces antiguo
tardío, es tal vez el resultado de las
influencias de las invasiones germánicas y del
trabajo de artistas menos cualificados.
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Durante los siglos XI y XII el románico recuperó
la escultura monumental en piedra, arte que en la
práctica había desaparecido desde la antigüedad.
Las iglesias del sur de Francia tienen en el
exterior abundantes esculturas, destinadas a
atraer e instruir a los fieles. Estas imágenes no
eran exentas sino que solían realizarse sobre el
propio muro de piedra, convirtiéndose en parte
integral de la arquitectura y adaptándose al
diseño del lugar en el que se colocaban puertas,
tímpanos o jambas. El tema favorito era el Juicio
Final que incluía ángeles y demonios de gran
expresividad. Aparecen diferentes estilos que se
manifestaban en algunas iglesias, como las de
Moissac, Autun o Vézelay donde se alcanza una
gran intensidad y en otras, como las de Toulouse
o Saint-Gilles-du-Gard lo que se evidencia es un
sereno clasicismo.
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Durante el periodo gótico se da una producción
escultórica excepcional en Francia, Alemania e
Italia. Al igual que en el románico, gran parte
se realizó en combinación con la arquitectura
religiosa, aunque también se encuentran figuras
esculpidas en tumbas, púlpitos y demás mobiliario
eclesiástico.
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La escultura del Renacimiento en España tiene una
clara influencia italianizante, a la que no son
ajenas al relación entre Aragón e Italia. A pesar
de su marcado clasicismo, la gran influencia
católica española hace que los temas mitológicos
sean superados por los religiosos y los
funerarios, desapareciendo casi por completo el
desnudo. Salvo para la escultura funeraria en que
se usa el mármol, lo más empleado es la madera
policromada, sobre todo en los retablos. A
partir de la entrada del Renacimiento en Aragón,
la escultura conoce un extraordinario desarrollo,
y desbanca en las iglesias a la pintura como arte
decorativo por excelencia. La representación
plana de los murales y retablos medievales deja
paso a la tridimensionalidad de la nueva
narrativa escultórica
El David Miguel Ángel
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La escultura barroca es heredera directa del
manierismo. Se trata de una escultura realista en
la que aparecen composiciones de gran dinamismo.
Un dinamismo que no es ordenado, sino espontáneo,
en el que predominan los escorzos. Utiliza el
mismo tipo de material, mármol, bronce y madera.
Los temas tienden a ser más profanos,
mitológicos, en donde el desnudo adquiere
particular importancia. Los retratos, bustos,
recobran su importancia, continúan haciéndose
monumentos funerarios, en los que se exalta la
fama y la virtud. Sin embargo, predominan los
temas religiosos. Se acude frecuentemente a las
fuentes mitológicas. Pero, además, la escultura
se vuelve urbana, aparecen en las calles, plazas
y fuentes, integradas con la arquitectura. La
escultura barroca se caracteriza por su fuerza y
monumentalidad, su movimiento compositivo, su
dinamismo, proyectado hacia fuera, sus
composiciones diagonales, su expresividad y su
tratamiento de la ropa. Pretende resaltar las
virtudes políticas y humanas de los personajes,
sobre todo en las tumbas. Todo el barroco está
inundado de un fuerte naturalismo figurativo que
a la vez expresa las pasiones.
Éxtasis de Santa Teresa - Bernini
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Las esculturas neoclásicas se realizaban en la
mayoría de los casos en mármol blanco, sin
policromar, porque así se pensaba que eran las
esculturas antiguas, predominando en ellas la
noble sencillez y la serena belleza que
Winckelmann había encontrado en la estatuaria
griega. En este mismo sentido habían ido las
teorías de Gotthold Efrain Lessing (1729-1781)
que en su libro Laocoonte o de los límites de la
pintura y de la poesía (1766) había tratado de
fijar una ley estética de carácter universal que
pudiera guiar a los artistas sus concepciones
sobre la moderación en las expresiones y en la
plasmación de los sentimientos son reglas que
adoptará el modelo neoclásico.
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La mayor parte de las esculturas realizadas en el
siglo XX difieren radicalmente en forma y
contenido de las de épocas anteriores. En algunos
casos son producto de investigaciones en la misma
dirección que las de la pintura y comparten la
misma denominación, como en el caso del cubismo,
el futurismo, el constructivismo, el dadaísmo y
el surrealismo, por mencionar sólo algunas. Entre
las influencias dominantes que recibieron los
escultores europeos de comienzos del siglo XX
pueden citarse la del arte primitivo y la
escultura de África y Oceanía, pues muchas de
dichas obras se exponían en los museos de
Ciencias Naturales de Francia y Alemania.
Mademoiselle Pogany Constantin Brancusi
Caballo Símbolo de la potencia y el poder de la
máquina, el tema del caballo es una constante en
la obra de Raymond Duchamp-Villon. Pieza en
bronce, de inspiración futurista.
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Futurismo
Cubismo
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Modernismo o Art Noveau
Surrealismo
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Pop
Expresionismo Abstracto
20
Constructivismo
Óptica
21
Contemporánea
Conceptual
22
Amor aguerrido II Juan Egenau
Pachamama Marta Colvin
Rapto de Europa Lily Garafulic
23
Bloque Humano Mario Irarrázabal
Amor Conyugal Samuel Román
24
IBM Carlos Ortuzar
Cielo de truenos Sergio Castillo
25
Pablo Neruda
26
Salvador Allende
27
Maradona
Pelé
28
"Che" Guevara
John Lennon
29

• Encarta 2003.
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