Diapositiva 1

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40 PRINCIPALES
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PINTORES
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Leonardo da Vinci

• Leonardo da Vinci (Leonardo di ser Piero da
  Vinci) fue un pintor florentino y polímata (a la
  vez artista, científico, ingeniero, inventor,
  anatomista, escultor, arquitecto, urbanista,
  botánico, músico, poeta, filósofo y escritor).
  Nació en Vinci el 15 de abril de 1452. Tras pasar
  su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió
  con el célebre pintor florentino Andrea de
  Verrocchio. Sus primeros trabajos de importancia
  fueron creados en Milán al servicio del duque
  Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma,
  Boloña y Venecia, y pasó los últimos años de su
  vida en Francia, por invitación del rey Francisco
  I. Falleció en Amboise el 2 de mayo de 1519, a
  los 67 años, acompañado de su fiel Francesco
  Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y
  pinturas.
• La imaginación sin límite de este artista lo
  llevó a diseñar máquinas que fueron
  perfeccionadas siglos más tarde y que son útiles
  al hombre en la actualidad.
• Entre estas invenciones cabe destacar las
  siguientes El tornillo aéreo, que es considerado
  el antepasado teórico del helicóptero concibió
  la idea del paracaídas e indicó claramente sus
  dimensiones. Inventó el planeador, una especie de
  aeroplano sin motor que volaba sostenido por las
  corrientes de aire diseñó un carro de asalto,
  anticipo del tanque moderno inventó la grúa
  giratoria ideó un cañón de bocas múltiples,
  dotado de 33 caños, con capacidad para disparar
  tres cargas de 11 tiros consecutivos. Creó un
  pedernal para encendido automático de las mechas
  de las minas y cañones. También estudió el mundo
  vegetal, la óptica, la música y la astronomía.
  Con sus estudios se pudo construir la primera
  máquina a vapor.
• Leonardo da Vinci es considerado como uno de los
  mas grandes pintores de todos los tiempos y,
  probablemente, es la persona con el mayor número
  de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha
  existido. También, es considerado como genio
  universal, filósofo humanista y el arquetipo o
  símbolo del hombre del Renacimiento, movimiento
  artístico al que perteneció.

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  Mona Lisa, Gioconda  Autor Leonardo da
Vinci Fecha 1503-6  Museo Museo Nacional del
Louvre  Características 77 x 53 cm.  Material
Oleo sobre tabla Estilo Renacimiento Italiano

• La Gioconda, también conocida como la Mona Lisa,
  es una obra pictórica de Leonardo da Vinci, que
  fue pintada entre 1503 y 1506 y es considerado
  como el cuadro más famoso del mundo. Desde el
  siglo XVI es propiedad del estado francés, y se
  exhibe en el museo del Louvre de París.
• En esta obra, se observa a una mujer con un
  rostro que, dependiendo de cómo se mire, a veces
  parece sonreír y otras refleja cierta amargura.
• Da Vinci dejó un campo a la imaginación de los
  espectadores. Utilizó brillantemente la técnica
  de esfumar y suavizar los colores, quitando
  rigidez a los contornos. Este es el secreto de la
  mona Lisa, cuyos ojos y comisuras de los labios,
  fundidos con suaves sombras, adquieren nuevos
  matices cada vez que los miramos.

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• La Última Cena es una pintura mural original de
  Leonardo da Vinci ejecutada entre 1495 y 1497, se
  encuentra en la pared sobre la que se pintó
  originariamente, en el refectorio del convento
  dominico de Santa Maria delle Grazie en Milán
  (Italia). La pintura fue elaborada para el duque
  Ludovico Sforza de Milán. No es un fresco
  tradicional, sino un mural ejecutado al temple y
  óleo sobre dos capas de preparación de yeso
  extendidas sobre enlucido. Para muchos expertos e
  historiadores del arte, La Última Cena de
  Leonardo es considerada como la mejor obra
  pictórica del mundo.
• En el cuadro, se refleja la última cena de Jesús
  con los apóstoles. Se observa a Jesús en medio
  del cuadro y a los apóstoles, acompañados de
  María Magdalena, junto a él.

Ultima Cena  Autor Leonardo da
Vinci Fecha1495-97  Museo Iglesia de Santa
Maria delle Grazie de Milán Características480
x 880 cm.  Material Fresco Estilo
Renacimiento Italiano
6

• El Homo Cuadratus es un famoso dibujo acompañado
  de notas anatómicas de Leonardo da Vinci
  realizado alrededor del año 1492 en uno de sus
  diarios.
• Representa una figura masculina desnuda en dos
  posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e
  inscrita en un círculo y un cuadrado. Se trata de
  un estudio de las proporciones del cuerpo humano,
  realizado a partir de los textos de arquitectura
  de Vitruvio, arquitecto de la antigua Roma, del
  cual el dibujo toma su nombre.

Homo Cuadratus  Autor Leonardo da
Vinci Fecha 1485-90  Museo Galerías de la
Academia de Venecia  Características 34,2 x
24,5 cm.  Material Dibujo  Estilo
Renacimiento Italiano
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Vincent Van Gogh

• Vincent Willem van Gogh nació en Zundert, Países
  Bajos, el 30 de marzo de 1853 y murió en
  Auvers-sur-Oise, Francia, el 29 de julio de 1890.
  Fue un pintor holandés, uno de los principales
  exponentes del postimpresionismo. Pintó 900
  cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148
  acuarelas) y 1.600 dibujos.
• Un estudio autodidacto y casi obsesivo de la
  Biblia le llevó a Gran Bretaña a ejercer de
  instructor y evangelista en Ramsgate y en la
  Jones Methodist School de Isleworth. De regreso a
  Holanda (1877) se preparó estudios de teología en
  la Universidad de Amsterdam, a los que
  renunciaría un año más tarde. Sin abandonar, sin
  embargo, su idea de dedicarse a la carrera
  eclesiástica, siguió un curso misional en
  Bruselas y marchó como misionero laico.
• Al fracasar como misionero (1880), siguió
  residiendo allí como vagabundo e intensificó la
  práctica del dibujo bajo la influencia de la obra
  de Jean-Francois Millet, uno de los artistas que
  más admiró siempre. Su actividad de artista
  voluntariamente marginado de los gustos
  imperantes y diversas experiencias amorosas y
  sentimentales fracasadas lo llevaron a refugiarse
  junto a sus padres en Nuenen (1883), donde dos
  años más tarde pintó su primer óleo importante
  Aldeanops comiendo patatas.
• Muerto su padre, marchó a Amberes donde se
  matriculó en la Academia de Bellas Artes allí
  estudió a fondo la obra de Rubens. Marchó luego a
  residir con Theo en París (1886), donde, en el
  taller de Cormon, conoció a diversos
  representantes del movimiento impresionista. Dos
  años más tarde se trasladó a Arlés. Su salud
  mental gravemente quebrantada, le llevó a
  cortarse el lóbulo de una oreja y, poco más
  tarde, a recluirse voluntariamente en una casa de
  salud de Saint-Ramy, la cual no abandonaría hasta
  1890, cuando ya en París era reconocido su
  talento. Tras una breve estancia en esta ciudad,
  marchó a Auvers-sur-Oise, donde acudió al doctor
  Gachet, pese a lo cual el 17 el julio de 1890 se
  disparó un tiro en el pecho y murió dos días
  después.
• El Museo Nacional Van Gogh de Amsterdam conserva
  la colección más completa de obras suyas, entre
  las que resulta difícil destacar ninguna sobre
  las demás. Era un artista puro, muy aficionado a
  la lectura preocupado por lo estético y un buen
  conocedor de la historia de la pintura. La
  valoración estética de su obra intensificada en
  la segunda posguerra mundial, después que el
  nazismo proscribiera su arte por decadente, ha
  llevado aparejada una altísima valoración
  económica de sus cuadros.

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• Noche estrellada es una obra maestra del pintor
  postimpresionista Vincent van Gogh. El cuadro
  muestra la vista exterior durante la noche desde
  la ventana del cuarto del sanatorio de
  Saint-Rémy-de-Provence, donde se recluyó hacia el
  final de su vida. Sin embargo, la obra fue
  pintada durante el día, de memoria. Data de
  mediados de 1889, trece meses antes del suicidio
  de van Gogh. Desde 1941 forma parte de la
  colección permanente del Museo de Arte Moderno de
  Nueva York. Considerado como el magnum opus de
  van Gogh, el cuadro ha sido reproducido en
  numerosas ocasiones, siendo una de sus obras más
  conocidas.
• La parte central del lienzo muestra el pueblo de
  Saint-Rémy bajo un cielo arremolinado, una vista
  hacia el norte desde la ventana de su habitación
  en el asilo. Las colinas de Alpilles aparecen a
  lo lejos en el margen derecho, aunque hay poca
  correlación entre la escena y la realidad, ya que
  las colinas intermedias parecen estar
  superpuestas, correspondiendo en realidad a la
  vista meridional del sanatorio. Asimismo, el
  ciprés que aparece a la izquierda fue también
  añadido a la composición.
• Durante su estancia en el asilo, van Gogh se
  dedica a pintar sobre todo los paisajes de la
  región de Provenza. Es en ese período que rompe
  con el estilo impresionista, desarrollando un
  estilo muy personal donde prevalece el amarillo,
  símbolo de la luz y del calor.

 Noche estrellada  Autor Vincent Van Gogh
 Fecha 1889  Museo Museo de Arte Moderno de
Nueva York  Características 737 x 921 cm.
 Material Óleo sobre lienzo Estilo
Neo-Impresionismo
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• Comedores de patatas es un cuadro del pintor
  Vincent van Gogh, terminado en abril de 1885.
  Este tema fue tratado por varios artistas de la
  época en obras como La comida frugal de Jozef
  Israëls.
• Van Gogh tomó nota de las manos gruesas y las
  huellas en las caras de los trabajadores de la
  tierra. En busca de la intensidad en la expresión
  dramática, exploró el potencial de los tonos
  oscuros del barroco y el trazo nervioso. Estas
  características se transformaron radicalmente
  después de su viaje a París, lugar en el que
  vivió durante algunos años. En cuanto a esta
  obra, Van Gogh expresó lo siguiente
• He querido poner conscientemente de relieve la
  idea de que esa gente que, a la luz de la lámpara
  come patatas sirviéndose del plato con los dedos,
  trabajó asimismo la tierra en la cual las patatas
  han crecido este cuadro, por tanto, evoca el
  trabajo manual y sugiere que esos campesinos
  merecen comer lo que honestamente se han ganado.
  He querido que haga pensar en un modo de vivir
  muy diferente al nuestro. Así pues, no deseo en
  lo más mínimo que nadie lo encuentre ni siquiera
  bonito ni bueno.

Comedores de patatas  Autor Vincent Van Gogh
 Fecha 1885  Museo Museo Nacional Van Gogh
 Características 82 x 114 cm.  Material Óleo
sobre lienzo  Estilo Neo-Impresionismo
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• La Italiana es un cuadro pintado al óleo sobre
  tela de Vincent van Gogh realizado en París en
  1887. Esta pintura se encuentra en el Museo de
  Orsay (París, Francia).
• Se representa una mujer sentada, presumiblemente
  Agostina Segatori, antigua modelo y propietaria
  del café del Tambourin, en el boulevard de
  Clichy. Con ella tuvo una breve relación amorosa
  Van Gogh unos meses antes de ejecutar este
  retrato.
• La mujer es retratada frontalmente, vestida con
  trajes folclóricos y con un pañuelo rojo en la
  cabeza que le cubre sus negros cabellos. Se ve
  sólo una esquina del respaldo de la silla azul
  sobre la que se encuentra sentada. El fondo es
  una mancha uniforme de color amarillo, lo que
  recuerda la técnica de la mancha de color puro y
  opaco de las estampas. Esta ausencia de
  referencias de perspectiva da a la tela una
  cierta bidimensionalidad. La cabeza de la figura
  está enriquecida por tonos claroscuros que hacen
  intuir la profundidad y la consistencia. Sobre el
  lado derecho y sobre el superior de la tela está
  pintado un marco cuyos colores recuerdan a los de
  la falda de la modelo.

Italiana  Autor Vincent Van Gogh  Fecha 1887
 Museo Museo de Orsay  Características 81 x
60 cm.  Material Óleo sobre lienzo  Estilo
Neo-Impresionismo
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Salvador Dalí

• Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech,
  más conocido como Salvador Dalí, primer marqués
  de Púbol, nació en Figueras, España, el 11 de
  mayo de 1904 y murió el 23 de enero de 1989. Fue
  un pintor considerado como uno de los máximos
  representantes del surrealismo.
• Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San
  Fernando, de donde sería expulsado años después.
  Sus primeras obras, como "Muchacha en la
  ventana", estaban dentro de una línea naturalista
  y minuciosa que producía una ambigua sensación de
  irrealidad, la que se acentuaría más tarde.
• Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas
  imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas
  se suelen atribuir a la influencia y admiración
  por el arte renacentista. También fue un experto
  dibujante. Los recursos plásticos dalinianos
  también abordaron el cine, la escultura y la
  fotografía, lo cual le condujo a numerosas
  colaboraciones con otros artistas audiovisuales.
  Forjó un estilo marcadamente personal y
  reconocible, que en realidad era muy ecléctico y
  que vampirizó innovaciones ajenas. Una de sus
  obras más célebres es La persistencia de la
  memoria, el famoso cuadro de los relojes
  blandos, realizado en 1931.
• Como artista extremadamente imaginativo,
  manifestó una notable tendencia al narcisismo y
  la megalomanía, cuyo objeto era atraer la
  atención pública. Dalí atribuía su amor por todo
  lo que es dorado y resulta excesivo, su pasión
  por el lujo y su amor por la moda oriental a un
  autoproclamado linaje arábigo, que remontaba
  sus raíces a los tiempos de la dominación árabe
  de la península ibérica.
• En 1928, marchó a París y se adhirió al
  movimiento surrealista, sin embargo, con su
  exposición de 1933 conoció la fama internacional.
  Fue entonces cuando comenzó a llevar una vida
  social llena de povocaciones y excentricidades.
  Tal actitud fue considerada por algunos como una
  forma de comercializar sus cuadros y sumada a su
  falta de postura política, condujeron a su
  expulsión del grupo surrealista. Durante este
  período puso en práctica su "método de
  interpretación paranoico-crítico", basado en las
  teorías del psicoanálisis, asociando elementos
  delirantes y oníricos en un lenguaje pictórico
  realista.
• Durante la Segunda Guerra Mundial, se instaló en
  Estados Unidos, cerca de Hollywood, donde
  colaboró con algunas películas. A fines de la
  década de 1940 regresó a España e inició una
  etapa de carácter místico basada en composiciones
  famosas como "La última cena", sobre la obra de
  Leonardo da Vinci. Posteriormente, alternó la
  pintura con el diseño de joyas y la ilustración
  de libros. Mientras tanto, las exposiciones
  antológicas de su obra se sucedieron (Nueva York,
  1966 París, 1979 Madrid, 1982), y, a medida que
  sus intervenciones públicas decrecían, la
  polémica dio paso a un renacido interés por su
  pintura.
• En 1974 se inauguró en Figueras, su pueblo natal,
  el Museo Dalí. Salvador Dalí fue junto a Pablo
  Picasso y Joan Miró, uno de los grandes
  representantes de la pintura española del siglo
  XX.

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• Muchacha asomada a la ventana es un famoso cuadro
  del artista español Salvador Dalí pintado en
  1925. Está hecho mediante la técnica del óleo
  sobre cartón piedra empleando un estilo realista.
  Se conserva en Madrid, en el Museo Reina Sofía.
• El cuadro pertenece a la etapa formativa de Dalí,
  cuando el surrealismo no había influido todavía
  de manera apreciable en su pintura.
• Representa a la hermana del artista, Ana María, a
  la edad de diecisiete años, asomada a la ventana,
  de espaldas, en la casa de vacaciones que la
  familia poseía en Cadaqués, a la orilla del mar.
  Dalí realiza un trabajo de gran uniformidad
  cromática y sencillez en la composición, donde la
  muchacha nos introduce en el paisaje que ella
  contempla.
• Claramente, los valores cromáticos de la obra son
  azules, al igual que en las obras tempranas de
  Picasso las cuales estaban formadas sólo por
  gamas de azules.
• La muchacha sufre algunas desproporciones
  notables como sus pies, los cuales son muy
  pequeños. La hermana de Dalí aparece en otros
  cuadros contemporáneos y posteriores del pintor,
  pues fue la modelo del pintor hasta que conoció a
  Gala en 1929. La pintura estuvo en la primera
  exposición del autor en la galería Dalmau de
  Barcelona, en noviembre de 1925.

Muchacha asomada a la ventana Autor Salvador
Dalí Domènech Fecha 1925 Museo Museo
Nacional Centro de Arte "Reina Sofía"
Características 103 x 75 cm. Material Óleo
sobre lienzo
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• La persistencia de la memoria, conocido también
  como Los relojes blandos, es un famoso cuadro del
  pintor español Salvador Dalí, pintado en 1931. Es
  de estilo surrealista y fue realizado mediante la
  técnica del óleo sobre lienzo. La pintura fue
  exhibida en la primera exposición individual de
  Dalí en la Galerie Pierre Colle de París, del 3
  al 15 de junio de 1931, y en enero de 1932 en una
  exposición en la Julien Levy Gallery de Nueva
  York. Se conserva en el Museo de Arte Moderno de
  Nueva York, donde llegó en 1934. En una revisión
  posterior del cuadro, Dalí creó La
  desintegración de la persistencia de la memoria.
• El cuadro fue cedido en préstamo por dos meses,
  del 16 de enero al 18 de marzo del 2009, al
  Teatro-Museo Dalí de Figueras, Gerona, siendo la
  primera vez que ha podido verse en España.
• En el cuadro aparece la bahía de Port Lligat al
  amanecer. En el paisaje aparece el mar al fondo y
  una pequeña formación rocosa a la derecha. Hay
  cuatro relojes un reloj de bolsillo y tres
  relojes blandos y deformados. Dalí añadió los
  relojes al cuadro, relacionándolos por su calidad
  de "tiernos, extravagantes, solitarios y
  paranoico-críticos". Uno de los relojes cuelga en
  equilibrio de la rama de un árbol. Más abajo, en
  el centro del cuadro, otro se acopla a modo de
  montura sobre una cara con largas pestañas
  inspirada en una roca del cabo de Creus. El
  tercer reloj blando está, quizás, a punto de
  deslizarse por un muro. Sobre este reloj hay una
  mosca y sobre el reloj de bolsillo, situado sobre
  el muro, hay multitud de hormigas que no están
  ahí por casualidad (este tipo de reloj se lleva
  próximo a los genitales).
• Los relojes, como la memoria, se han reblandecido
  por el paso del tiempo. Son relojes perfectamente
  verosímiles que siguen marcando la hora
  (supuestamente en torno a la seis de la tarde).
  Dalí dijo sobre el cuadro "Lo mismo que me
  sorprende que un oficinista de banco nunca se
  haya comido un cheque, asimismo me asombra que
  nunca antes de mí, a ningún otro pintor se le
  ocurriese pintar un reloj blando".

La persistencia de la memoria Autor Salvador
Dalí Domènech Fecha 1931 Características 24 x
33 cm. Museo Museo de Arte Moderno de Nueva
York
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• Luis Buñuel Portolés fue un director de cine
  español naturalizado mexicano. La gran mayoría de
  su obra fue realizada en México y Francia y es
  considerado uno de los más importantes y
  originales directores de la historia del cine.
• Este director de cine tuvo una amistad con
  salvador Dalí.

Luis Buñuel Autor Salvador Dalí Domènech
Fecha 1924 Museo Museo Nacional Centro de
Arte "Reina Sofía" Características Material
Óleo sobre lienzo Estilo Surrealismo
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Henri de Toulouse-Lautrec

• Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Montfa,
  conde de Toulouse-Lautrec-Montfa, conocido
  simplemente como Toulouse Lautrec o Lautrec,
  nació en Albi el 24 de noviembre de 1864 y murió
  en Malromé el 9 de septiembre de 1901. Fue un
  pintor y cartelista francés que destacó por su
  representación de la vida nocturna parisiense de
  finales del siglo XIX. Se le enmarca en la
  generación del postimpresionismo.
• Nació en el seno de una familia noble que en 1872
  se instaló en París. Dos graves caídas
  consecutivas provocaron el defectuoso desarrollo
  de sus piernas. En 1882, se integró en grupos
  artísticos y se formó al lado de León Bonnat y
  Fernand Cormon. A los veinte años, habiendo ya
  conocido a través de Emile Bernard la obra de
  Cézzanne, abrió su propio taller.
• Conoció más tarde a Van Gogh y en 1888 expuso en
  Bruselas, donde volvería a exponer en 1892 y
  1894. Desde su inauguración en 1889 frecuentó el
  cabaret parisiense Moulin Rouge, al tiempo que,
  junto a su íntimo amigo Maurice Joyant, llevaba
  la galería Goupil desde que se enfermó Theo Van
  Gogh. En 1893 compartió una exposición con
  Charles Maurin.
• Trabajó y expuso en diversas poblaciones de
  Francia, así como en Londres y visitó varias
  ciudades europeas. Su admiración por Goya y el
  Greco arrancan de su estancia en Madrid y Toledo.
  En 1899 se vio obligado a realizar una cura de
  dos meses en una clínica de Neuilly, producto de
  un avanzado alcoholismo. Aprovechó este reposo
  forzado para componer la serie de dibujos
  titulados En el circo. En 1901, estando en
  Toussant, sufrió un ataque de parálisis que le
  acarreó la muerte. A causa de su defecto físico
  Toulouse Lautrec se mantuvo un tanto apartado de
  las relaciones aristocráticas de su familia,
  hallando refugio en el alcohol y en la vida de
  cabarets, donde encontró los principales temas de
  su obra.
• Abundan también en sus dibujos las escenas de
  circo, espectáculo al que era aficionado, así
  como dibujos y caricaturas de artistas de teatro.
  De sus cuadros pintados al aire libre cabe
  destacar Bailarina La dama de la sombrilla
  y La dama del jardín. Como pintor abundan en su
  producción técnica híbridas o poco ortodoxas
  (como los óleos sobre papel o cartón), y a menudo
  las figuras están simplemente encajadas y sin
  acabar. Sobresalen de su obra el impresionante
  retrato Carmen, de frente Baile en el Moulin
  Rouge El paseo del Moulin Rouge El retrato
  de Oscar Wilde, El aseo, etc. Su obra
  patentiza su fervorosa admiración por Degas, de
  quien adoptó, aparte alguna coincidencia de
  temática, la audacia de los encuadres y escorzos
  y el trazo alargado de sus cuadros al pastel.

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• Cha-U-Kao es un cuadro de Henri de
  Toulouse-Lautrec realizado al óleo sobre cartón.
  Fue pintado en 1895, y, actualmente, se encuentra
  en el Museo de Orsay, París, Francia.
• El mundo del circo fascinó siempre a
  Toulouse-Lautrec. Ya lo pintó en los años 1880, y
  vuelvió a ello en la década siguiente, con obras
  como esta. Las payasas son una variación más de
  su tema favorito, que es la representación de las
  mujeres de la noche. Era ya la época de madurez
  de Toulouse-Lautrec y, como es típico de esta
  última etapa, la pincelada resulta más pesada,
  con un empaste más grueso.
• Cha-U-Kao es un nombre onomatopéyico con el
  significado de ruido y caos, que se suponía
  provocado por las actuaciones circenses. El
  pintor la había tomado como modelo en otras
  ocasiones. Es un cuadro realizado en el Moulin
  Rouge, cabaret parisino frecuentado por
  Toulouse-Lautrec.
• Toulouse-Lautrec representa a la payasa en su
  camerino, con una peluca blanca y un vestido
  azul, y poniéndose el tutú amarillo. El intenso
  cromatismo de la pintura (amarillo, morado, rojo,
  turquesa) da una gran vitalidad a la escena. Hay
  rasgos estilísticos que recuerdan las estampas
  japonesas con muy pocos trazos describe el
  ambiente, le da un tratamiento plástico y
  esquemático al busto de la modelo. El tema y la
  técnica recuerdan a un pintor admirado por
  Toulouse-Lautrec, que era Edgar Degas.

Cha-U-Kao  Autor Toulouse Lautrec Fecha 1895
 Museo Museo de Orsay  Características 64 x
49 cm.  Material Óleo sobre lienzo
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• La toilette es un cuadro de Henri de
  Toulouse-Lautrec realizado al óleo sobre cartón.
  Fue pintado en 1896 y se encuentra actualmente en
  el Museo de Orsay, París, Francia.
• Es un cuadro tomado del natural, en uno de
  aquellos prostíbulos que el artista visitaba y en
  los que pasaba muchas horas del día. El encuadre
  es fotográfico, con el punto de vista en
  contrapicado, de arriba hacia abajo.
• La modelo y los pobres objetos de la ambientación
  recuerdan a Degas, del que Toulouse-Lautrec se
  consideraba un continuador ideal. La intimidad
  femenina le atrae del mismo modo que a Degas,
  como puede verse en esta obra y otras análogas de
  la misma época Mujer peinándose (1891), Mujer
  que se estira la media (1894) o En el aseo
  (1898).
• Los colores son utilizados con parsimonia, en
  algunos puntos aflora el color del cartón que
  sirve de fondo. Las intuiciones impresionistas se
  superan en este cuadro, gracias a las sugerencias
  realistas próximas a Van Gogh.
• Los colores son fríos y luminosos. La pincelada
  es vigorosa. Produce la sensación de cuadro
  inacabado.

  La toilette  Autor Toulouse Lautrec  Fecha
1889-91  Museo Museo Nacional del Louvre
 Características 64 x 52 cm.  Material Óleo
sobre cartón
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• En el Moulin-Rouge, el baile o Baile en el Moulin
  Rouge es un cuadro del pintor francés Henri de
  Toulouse-Lautrec. Está realizado al óleo sobre
  lienzo. Fue pintado en 1890 y se encuentra
  actualmente en el Museo de Arte de Filadelfia,
  formando parte de la colección McIlhenny,
  Filadelfia, Estados Unidos.
• El recién inaugurado Moulin Rouge es visto por
  Lautrec en clave casi de caricatura, captado en
  un momento de frecuentación por parte de la
  sociedad parisina. Diversos personajes
  interactúan entre ellos, se apoyan en la barra
  del bar, discuten y observan a las bailarinas.
  Gracias a la línea pictórica que guía el ojo
  hacia los personajes en segundo plano a través de
  una hábil disposición de los elementos sobre la
  tela. Allí se entrevé a un hombre con la cara de
  calavera y a la bailarina Jane Avril, musa del
  pintor. En ese segundo plano están retratados
  amigos del pintor.
• En frente de ellos, a la izquierda del cuadro,
  Valentin-le-Désossé (Valentín el descoyuntado),
  famoso vividor de la época, dirige a otra
  bailarina, anónima. Es pelirroja y fuerte, lo que
  hace pensar en La Goulue en una actuación en
  público. El movimiento de estos bailarines
  contrasta con la quietud del público.
• En el primer plano se sitúa una elegante dama con
  vestido rosa y sombrero.

 En el Moulin Rouge el baile  Autor Toulouse
Lautrec  Fecha 1890  Museo Museo de Arte de
Filadelfia  Características 115 x 150 cm.
 Material óleo sobre lienzo
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Edvard Munch

• Edvard Munch nació en Løten el 12 de diciembre de
  1863 y murió en Ekely el 23 de enero de 1944. Fue
  un pintor y grabador noruego de la corriente
  expresionista. Sus evocativas obras sobre la
  angustia influyeron profundamente en el
  expresionismo alemán de comienzos del siglo XX.
• Munch destacó por pintar cuadros tristes y
  angustiosos, inspirados en tristes sueños y
  situaciones de su vida personal. Sin embargo, fue
  capaz de convertirse en uno de los principales
  precursores del expresionismo.
• Comenzó a pintar a la edad de 17 Años. Una beca,
  concedida en 1885, le permitió proseguir sus
  estudios en París durante un breve período.
  Veinte años después, en las ciudades de París y
  Berlín, Munch desarrolló la mayor parte de su
  producción artística. Tras una influencia de la
  pintura impresionista y postimpresionista,
  desarrolló su propio estilo, en el que son
  frecuentes las imágenes relacionadas con la
  enfermedad y la muerte.
• La exposición de sus cuadros en Berlín en 1892
  impresionó de tal manera, que las autoridades
  decidieron cerrar la muestra. Pero, al parecer
  este hecho le otorgó mayores energías al pintor,
  para en 1890 comenzar a desarrollar el arte
  expresionista alemán.
• Su obra más conocida es "El Grito" (1893, Museo
  Nacional de Oslo) (en la imagen) y el angustioso
  "Niño enfermo" (1881-1886 Museo Nacional de
  Oslo). Amabas reflejan el trauma sufrido por
  Munch en su niñez, al ver a su madre y a su
  hermana morir de tuberculosis. Otros temas
  recurrentes en su pintura se pueden observar en
  el cuadro "El Puente", con figuras pálidas, de
  rasgos y rostros indefinidos. Sus ansiedades
  sexuales también se representan a lo largo de la
  obra con sus retratos de mujeres, las que se
  muestran frágiles o como vampiresas devoradoras.
• En 1908 tuvo que ser hospitalizado por ansiedad.
  En 1909 regresó a Noruega y de ahí en adelante
  vivió con una tranquilidad relativa que le
  permitió pintar los murales de la Universidad de
  Oslo (1910-1916) y paisajes coloridos y
  brillantes. Sus últimos cuadros no son tan
  impactantes como sus primeros trabajos, pero su
  último autorretrato "Entre el reloj y la cama"
  (1940 Museo Munch de Oslo), marca una vuelta a
  sus obras anteriores.
• Munch no sólo pintó al óleo, sino también hizo
  xilografías, aguafuertes y litografías, que en la
  actualidad son consideradas como un valioso
  aporte al arte contemporáneo. Su estilo es
  definido como poderoso, simple, directo y fuerte.

20

• En El Grito, Munch nos habla de sus sentimientos
  cuando pintó esta obra "Estaba allí, temblando
  de miedo. Y sentí un grito fuerte e infinito
  perforando la naturaleza". Estas frases tremendas
  nos hablan de una hipersensibilidad del autor que
  con la realización de este cuadro se convierte en
  altavoz de la angustia existencial que
  caracteriza el pensamiento contemporáneo en
  alguna de sus facetas. La situación personal de
  Munch está íntimamente relacionada con esta obra
  de personalidad depresiva y traumatizado por su
  relación con las mujeres, a quienes odia
  fervorosamente, en el momento de pintar este
  cuadro acababa de sufrir el fallecimiento de su
  madre. Esto le marcó terriblemente y es uno de
  los condicionantes que le impulsaron a emitir
  este grito visceral.
• El simbolismo de la imagen es patente en el
  rostro agitado del protagonista en primer plano,
  que es casi una calavera que se aprieta el cráneo
  con las manos para que no le estalle. El empleo
  de los colores, violentos, arqueados en agresivas
  bandas de color, trata de transmitir al
  espectador el agitado estado de ánimo del autor.
  Esta sensación se refuerza con la presencia de
  dos testigos mudos, lejanos, anónimos, dos
  figuras negras que se recortan al fondo de una
  violentísima perspectiva diagonal. Las formas se
  retuercen y los colores son completamente
  arbitrarios, tan sólo intentan expresar el
  sentimiento del autor. Este rasgo es lo que
  incluye a Munch en la senda de otros pintores de
  simbolismo visionario y expresivo en una
  tendencia intemporal denominada Expresionismo.

El Grito  Autor Edvard Munch  Fecha 1893
 Museo National Gallery (Oslo)
 Características 91 x 735 cm.  Material
Pastel  Estilo Expresionismo
21

• Muchachas en el puente es un cuadro elaborado por
  Edvard Munch en 1901 empleando la técnica del
  óleo sobre lienzo.
• En el cuadro se aprecia a tres mujeres al borde
  de un puente observando un río. Al fondo del
  paisaje, se encuentran algunas casas y árboles,
  el primero de los cuales se refleja en el agua
  del río.
• Munch empezó a explorar las posibilidades del
  color violento y las distorsiones lineales para
  poder expresar las emociones más elementales de
  ansiedad, miedo, amor y odio. Con su angustia,
  fue el punto de partida de los expresionistas y
  ya en 1889 escribió algo que parece la divisa o
  el pistoletazo de salida "Ya no debes pintar
  interiores con hombres leyendo y mujeres
  sentadas. Deben ser seres que respiren y sientan,
  que amen y sufran".

Muchachas en el puente  Autor Edvard Munch
 Fecha 1901  Museo National Gallery
(Oslo) Características 136 x 125, 5 cm.
 Material Óleo sobre lienzo Estilo
Expresionismo
22

• Pubertad es una obra realizada por Edvard Munch
  en 1894, empleando la técnica del óleo sobre
  lienzo.
• En este retrato se puede observar a una
  adolescente desnuda sentada en una cama y
  proyectando su sombra detrás de ella. La figura
  tiene las piernas y las manos juntas. De nuevo,
  Munch emplea colores trágicos y oscuros.
• El pintor noruego realiza un segundo viaje a la
  capital francesa en 1889, donde conoce la obra de
  Signac y Seurat y experimenta la técnica
  pictórica de los puntillistas. Es a partir de
  esta segunda estancia en París cuando Munch
  enuncia las nuevas bases de su pintura,
  alejándose ya de los conocimientos adquiridos de
  los artistas franceses para empezar a representar
  "seres humanos vivos, que respiran, sienten,
  sufren y aman" acercándose así, paulatinamente,
  al expresionismo.

Pubertad  Autor Edvard Munch  Fecha 1894
 Museo National Gallery (Oslo)
 Características 151, 5 x 110 cm.  Material
Óleo sobre lienzo  Estilo Expresionismo
23
Edouard Manet

• Edouard Manet nació en París el 23 de enero de
  1832 y murió el 30 de abril de 1883. Fue un
  pintor francés, reconocido por la influencia que
  ejerció sobre los iniciadores del impresionismo.
  Manet rescató la pintura del academicismo
  realista para darle vida a través de una amplia
  gama de color aplicada en tonos delicados.
• El pintor realizó sus primeros estudios en el
  Colegio Rollin, donde desarrolló su gusto y
  afición por el dibujo. Aunque su padre quería
  para Edouard la profesión de abogado, Edouard
  estaba decidido a realizar estudios de dibujo.
  Ante esta situación tomó la decisión de salir del
  país a cualquier coste, y una vez rechazado en la
  escuela naval, se embarcó hacia Brasil en
  diciembre de 1848.
• A su regreso, tras un nuevo intento fracasado por
  ingresar a la escuela naval, logró vencer la
  oposición de su padre e ingresó al estudio del
  prestigiado maestro pintor Thomas Couture.
• Durante seis años adquirió la destreza y la
  técnica que lo haría sobresalir entre muchos
  otros pintores de su tiempo. Después estudió y
  revisó las obras de los grandes en los museos
  para complementar su instrucción. Hacia 1856,
  junto con otro pintor, Albert De Balleroy, Manet
  estableció su propio estudio, donde empezó a
  despuntar. Poco a poco tomó influencias del
  parnasianismo literario y del arte español.
• En 1863 presentó la obra "Almuerzo Campestre",
  que aunque realizada en una técnica
  revolucionaria, fue rechazada por los
  tradicionalistas por incluir a una mujer desnuda
  en medio de un grupo de hombres vestidos. Aun
  así, la pintura alcanzó notoriedad.
• En 1865, el retrato de una mujer desnuda volvió a
  ser motivo de controversia, y debió ser expuesto
  bajo la protección de guardias armados antes de
  ser colocada a una altura que la alejaba de los
  críticos.
• Molesto por la actitud negativa hacia su
  creación, Manet se trasladó a España donde
  permaneció por un tiempo hasta que decidió
  regresar a Francia. Como el rechazo hacia su obra
  seguía vigente, decidió exhibirla en una plaza
  pública en 1867.
• En 1873 exhibió con gran éxito "El buen Bock", y
  un año después participó en la primera exposición
  del movimiento que fue conocido como
  impresionista. Edouard Manet logró ganar fama y
  reconocimiento durante sus últimos años y murió
  el 30 de abril de 1883.

24

• Almuerzo sobre la hierba es un cuadro realizado
  por Édouard Manet en 1863. Es un cuadro al óleo.
  Se exhibe en el Museo de Orsay de París, Francia.
  Al principio se llamó a este cuadro La merienda
  campestre o, también, Almuerzo campestre.
• La yuxtaposición de un desnudo femenino con
  caballeros vestidos suscitó controversia cuando
  la obra se mostró por vez primera en el Salon des
  Refusés en 1863. Aparte de considerar vulgar el
  que una mujer estuviera desnuda junto a jóvenes
  vestidos, numerosos críticos rechazaron la
  modernidad del estilo.
• No es una pintura realista en el sentido social o
  político del término propio de un Daumier, sino
  que es una afirmación a favor de la libertad
  individual del artista. El escándalo que causaba
  una mujer desnuda desayunando despreocupadamente
  con dos hombres completamente vestidos, ofendía a
  la moralidad de la época.
• El cuadro representa un almuerzo en un bosque,
  cerca de Argenteuil, donde discurre el Sena. La
  mujer desnuda, cuyo cuerpo está crudamente
  iluminado, mira directamente al espectador. Está
  sentada sobre una tela azul, probablemente una
  parte de las ropas que se ha quitado. Los dos
  están vestidos como dandis y parecen estar
  ocupados conversando, ignorando a la mujer. En
  frente de ellos, se muestran las ropas de la
  mujer, una cesta de frutas, y un pan redondo. En
  el fondo, una mujer ligeramente vestida vadea una
  corriente y es demasiado grande en comparación
  con las figuras del primer plano. La
  desproporción entre la mujer del fondo y la barca
  a la derecha se consideraba una impericia de
  parte del pintor en realidad, los mórbidos
  contrastes cromáticos y la utilización de la
  perspectiva aérea en clave moderna inscriben esta
  obra entre las obras maestras del siglo XIX.
• El fondo pintado toscamente carece de
  profundidad. Esta impresión se refuerza por el
  uso de una intensa luz fotográfica de hecho,
  la iluminación de la escena es inconsistente y
  nada natural.
• El estilo de la pintura rompe con las tradiciones
  académicas de la época. Se considera un cuadro
  preimpresionista por usar un motivo del entorno
  inmediato del artista. La hechura es
  conscientemente clásica.

Desayuno en la hierba  Autor Edouard Manet
 Fecha 1863  Museo Museo de Orsay
 Características 214 x 2699 cm.  Material
Óleo sobre lienzo  Estilo Impresionismo
25

• El pífano es una pintura del Édouard Manet
  realizada en 1866. En la actualidad, se conserva
  en el Museo de Orsay, en París.
• Manet lo pintó influido por la manera de los
  retratos de Velázquez que había admirado en el
  Museo del Prado de Madrid. En particular, le
  impresionó Pablo de Valladolid, un retrato de
  un actor de la época en que desaparecen el fondo
  o cualquier objeto que sirva de referencia,
  excepto la propia sombra del personaje.
• Como en el cuadro del pintor español, Manet
  concibe un fondo sin profundidad, en que los
  planos vertical y horizontal son apenas
  distinguibles. En opinión de Peter H. Feist, El
  pífano muestra la atracción de Manet por el
  efecto decorativo de unas figuras individuales de
  gran tamaño, con contornos enfáticos y colocadas
  ante una superficie de fondo. Frente al fondo
  monocromo, resalta la figura enérgicamente
  coloreada en base a una paleta reducida pero de
  colores vivos, en la que predomina la técnica del
  empaste el negro muy nítido de la guerrera y los
  zapatos, el rojo de los pantalones, el blanco de
  la bandolera, etc. Como resultado, la figura
  destaca firme, armoniosa y viva.
• Además, como en Velázquez, Manet retrata también
  a un personaje anónimo, un adolescente, músico de
  la banda de la Guardia Imperial, que fue enviado
  a Manet por el comandante Lejosne.

El pífano, Tocador de pífano  Autor Edouard
Manet  Fecha1866  Museo Museo de Orsay
 Características 161 x 97 cm.  Material Óleo
sobre lienzo  Estilo Impresionismo
26

• El balcón es un cuadro de Édouard Manet. Data de
  1868-1869. Se trata de una pintura al óleo sobre
  lienzo. Actualmente se conserva en el Museo de
  Orsay de París (Francia).
• Manet presentó esta obra en el Salón de París de
  1869. La tela representa principalmente a Berthe
  Morisot (a la izquierda), que se convirtió en
  1874 en cuñada de Manet.
• El cuadro, inspirado por las Majas en el
  balcón, de Francisco de Goya , se realizó en la
  misma época y con la misma intención que El
  almuerzo. Los tres personajes, todos amigos de
  Manet, parece que no están relacionados entre sí
  por nada. Berthe Morisot, a la izquierda, con un
  vestido blanco de gasa y sentada sobre un
  taburete negro, hace la figura de heroína
  romántica e inaccesible. La joven violinista
  Fanny Claus viste igualmente de blanco y tiene
  accesorios de color verde la sombrilla y la
  cofia, blanca pero con una orla verde.
  Finalmente, el caballero que está de pie detrás
  de ellas, con un cigarro en la mano, es el pintor
  paisajista Antoine Guillemet, con una corbata
  violeta sobre camisa blanca. Los tres parecen
  vivir en otro mundo.
• El verde agresivo y audaz del balcón, por otra
  parte, hizo correr ríos de tinta.
• En fondo es oscuro, y en él se puede distinguir
  el contorno de una jarra. Delante, a la
  izquierda, se ve una maceta de porcelana con
  rododendros violetas.1

Muchachas en el balcón  Autor Edouard Manet
 Fecha 1868-69  Museo Museo de Orsay
 Características 170 x 125 cm.  Material Óleo
sobre lienzo  Estilo Impresionismo
27
Diego Velázquez

• Diego Rodríguez de Silva y Velázquez conocido
  como Diego Velázquez nació en Sevilla el 6 de
  junio de 1599 y murió en Madrid el 6 de agosto de
  1660. Fue un pintor barroco, considerado uno de
  los máximos exponentes de la pintura española y
  figura indiscutible de la pintura universal.
• A los once años inicia su aprendizaje en el
  taller de Francisco Pacheco donde permanecerá
  hasta 1617, cuando ya es pintor independiente.
  Pasó sus primeros años en Sevilla donde
  desarrolló un estilo naturalista de iluminación
  tenebrista por influencia de Caravaggio y sus
  seguidores, destacando como obras El Aguador de
  Sevilla o La Adoración de los Magos.
• Se trasladó a Madrid y a los 24 años fue nombrado
  pintor del rey, y cuatro años después fue
  ascendido a pintor de cámara, el cargo más
  importante entre los pintores del rey. A esta
  labor dedicó el resto de su vida. Su trabajo a
  partir de entonces consistía en pintar retratos
  del rey, de su familia, así como otros cuadros
  para decorar las mansiones reales. Su estilo
  evolucionó hacia una pintura de gran luminosidad
  con pinceladas rápidas y sueltas.
• Tras ponerse en contacto con Peter Paul Rubens,
  durante la estancia de éste en Madrid, en 1629
  viaja a Italia, donde realizará su segundo
  aprendizaje al estudiar las obras de Tiziano,
  Tintoretto, Miguel Ángel, Rafael y Leonardo. En
  Italia pinta La Fragua de Vulcano y La Túnica
  de José, regresando a Madrid dos años después.
• La década de 1630 es de gran importancia para el
  pintor, que recibe interesantes encargos para el
  Palacio del Buen Retiro como Las Lanzas o los
  retratos ecuestres, y para la Torre de la Parada,
  como los retratos de caza. Su pintura se hace más
  colorista destacando La Dama del Abanico, obras
  mitológicas como La Venus del Espejo o escenas
  religiosas como el Cristo Crucificado.
• En su madurez, a partir de 1631, pintó grandes
  obras como La rendición de Breda. En su última
  década su estilo se volvió más esquemático y
  abocetado alcanzando un dominio extraordinario de
  la luz. Este periodo se inauguró con el retrato
  del papa Inocencio X, pintado en su segundo viaje
  a Italia y a él pertenecen sus dos últimas obras
  maestras Las Meninas y Las Hilanderas.
• Alcanzó su máxima fama entre 1880 y 1920,
  coincidiendo con los pintores impresionistas
  franceses para los que fue un referente. Manet se
  sintió maravillado con su pintura y lo calificó
  como el pintor más grande que jamás ha existido.

28

• La rendición de Breda o Las lanzas es un óleo
  sobre lienzo, pintado entre 1634 y 1635 por
  Velázquez y que se conserva en el Museo del Prado
  de Madrid desde 1819.
• El cuadro se pintó (junto con otros doce) para la
  decoración del denominado Salón de Reinos del
  Palacio del Buen Retiro. Este gran palacio,
  formado por diversos pabellones entre amplios
  jardines, se construyó anexo al monasterio de San
  Jerónimo el Real.
• El Salón de Reinos era la estancia más relevante
  del conjunto, pues era donde Felipe IV recibía a
  los embajadores y demás autoridades extranjeras.
  A fin de impresionarles con una imagen de poder
  bélico y económico, se decidió a decorar este
  gran salón con imágenes de los principales éxitos
  militares de España. Junto con los cuadros
  relativos a batallas, se colgó otra serie de
  pinturas, debidas a Francisco de Zurbarán, sobre
  los Trabajos de Hércules.
• Para la serie de doce batallas, se convocó a
  Velázquez y a otros artistas, como Vicente
  Carducho, Jusepe Leonardo, Juan Bautista Maíno y
  Antonio de Pereda. Los dos últimos fueron, junto
  con Velázquez, quienes realizaron los cuadros
  actualmente más valorados por los críticos. La
  serie se conserva en el Museo del Prado.
• Velázquez desarrolla el tema sin vanagloria ni
  sangre. Los dos protagonistas están en el centro
  de la escena y más parecen dialogar como amigos
  que como enemigos. Justino de Nassau aparece con
  las llaves de Breda en la mano y hace ademán de
  arrodillarse, lo cual es impedido por su
  contrincante que pone una mano sobre su hombro y
  le impide humillarse. En este sentido, es una
  ruptura con la tradicional representación del
  héroe militar, que solía representarse erguido
  sobre el derrotado, humillándolo. Igualmente se
  aleja del hieratismo que dominaban los cuadros de
  batallas.
• Velázquez representa con realismo al general
  Spínola, al que conocía personalmente, pues
  habían viajado juntos a Italia en 1629. Un
  realismo semejante, y la caracterización
  individual se aprecia en los rostros de los
  soldados, que están tratados como retratos.

Las Lanzas, La Rendición de Breda  Autor
Velázquez  Fecha 1635  Museo Museo del Prado
 Características 307 x 367 cm.  Material Óleo
sobre lienzo
29

• Velázquez sólo pinta cinco al acortar la sala. El
  Cuarto del Príncipe estaba decorado con pinturas
  mitológicas, realizadas por Martínez del Mazo,
  que se pueden contemplar al fondo de la estancia.
  
• En la composición, el maestro nos presenta a once
  personas. La escena está presidida por la infanta
  Margarita y a su lado se sitúan las meninas María
  Agustina Sarmiento e Isabel de Velasco. En la
  izquierda se encuentra Velázquez con sus
  pinceles, ante un enorme lienzo. En la derecha se
  hallan los enanos Mari Bárbola y Nicolasillo
  Pertusato, este último jugando con un perro de
  compañía. Tras la infanta observamos a dos
  personajes más doña Marcela Ulloa y el
  desconocido guardadamas. Reflejadas en el espejo
  están las regias efigies de Felipe IV y su
  segunda esposa, Mariana de Austria. La
  composición se cierra con la figura del
  aposentador José Nieto.
• Las opiniones sobre qué pinta Velázquez son muy
  diversas. Soehner, con bastante acierto,
  considera que el pintor nos muestra una escena de
  la corte. La infanta Margarita llega, acompañada
  de su corte, al taller de Velázquez para ver como
  éste trabaja. Nada más llegar ha pedido agua, por
  lo que María Sarmiento le ofrece un búcaro. En
  ese momento, el rey y la reina entran en la
  estancia, de ahí que algunos personajes detengan
  su actividad y saluden a sus majestades. Esta
  idea de tránsito se refuerza con la presencia de
  la figura del aposentador al fondo, cuya misión
  era abrir las puertas de palacio a los reyes,
  vestido con capa pero sin espada ni sombrero. La
  pequeña infanta estaba mirando a Nicolasillo,
  pero se percata de la presencia de sus regios
  padres y mira de reojo hacia fuera del cuadro.
• Algunos autores piensan que el pintor sevillano
  está haciendo un retrato del Rey y de su esposa a
  gran formato, por lo que los monarcas reflejan
  sus rostros en el espejo. Las dos conclusiones
  más interesantes de Ángel del Campo son las
  siguientes las cabezas de los personajes de la
  izquierda y las manchas de los cuadros forman un
  círculo, símbolo de la perfección. En el centro
  de ese círculo encontramos el espejo con los
  rostros de los reyes, lo que asimila la monarquía
  a la perfección. Si unimos las cabezas de los
  diferentes personajes se forma la estructura de
  la constelación llamada Corona Borealis, cuya
  estrella central se denomina Margarita, igual que
  la infanta. De esta manera, la continuidad de la
  monarquía está en la persona de Margarita. Del
  Campo se basa para apoyar estas teorías en la
  gran erudición de Velázquez.
• Jonathan Brown piensa que este cuadro fue pintado
  para remarcar la importancia de la pintura como
  arte liberal.
• En cuanto a la técnica con que Velázquez pinta
  esta obra maestra, el primer plano está inundado
  por un potente foco de luz que penetra desde la
  primera ventana de la derecha. La infanta es el
  centro del grupo. Las figuras de segundo plano
  quedan en semipenumbra, mientras que en la parte
  del fondo encontramos un nuevo foco de luz,
  impactando sobre el aposentador.
• La pincelada empleada por Velázquez no puede ser
  más suelta y anticipa la pintura impresionista.
  Predominan las tonalidades plateadas de los
  vestidos, al tiempo que llama nuestra atención el
  ritmo marcado por las notas de color rojo que se
  distribuyen por el lienzo la Cruz de Santiago,
  los colores de la paleta de Velázquez, el búcaro,
  el pañuelo de la infantaPero lo que
  verdaderamente impacta es la sensación
  atmosférica creada por el pintor es la llamada
  perspectiva aérea, que otorga profundidad a la
  escena a través del aire que rodea a cada uno de
  los personajes y difumina sus contornos. También
  es interesante la forma de conseguir el efecto
  espacial, creando la sensación de que la sala se
  continúa en el lienzo. Como bien dice Carl Justi
  "No hay cuadro alguno que nos haga olvidar éste".

Las Meninas, La Familia de Felipe IV Autor
Velázquez Fecha 1656  Museo Museo del
Prado Características 318 x 276 cm.  Material
Oleo sobre lienzo  Estilo
30

• La fragua de Vulcano es una obra de Velázquez
  realizada después de su primer viaje a Italia en
  1629, los críticos están de acuerdo en fechar la
  obra en 1630 al mismo tiempo que su cuadro "La
  túnica de José". Actualmente se encuentra en el
  Museo del Prado donde ingresó el 5 de agosto de
  1819.
• El cuadro describe el momento en que el dios
  Apolo, con la corona de laurel, visita el lugar
  donde Vulcano se encuentra fabricando armas para
  la guerra. El dios Apolo comunica a Vulcano el
  adulterio de su esposa Venus con Marte, dios de
  la guerra, por esa razón todos los personajes
  miran con cara sorprendida al dios que acaba de
  presentarse en el estudio, incluso alguno de
  ellos abre la boca y los ojos para indicar este
  gesto de sorpresa.
• Velázquez se inspiró para realizar esta obra en
  un grabado de Antonio Clempesta, modificándolo
  ampliamente y centró la acción narrativa en el
  traje de Apolo, mediante un estilo clasicista
  barroco que no recuerda nada al tenebrismo.
  Destaca el interés por el desnudo, como
  influencia de la estatuaria grecorromana y de la
  corriente clasicista de Guido Reni. De Reni
  podría provenir también la composición a modo de
  friso. A Guercino recuerda, por otro lado, los
  tonos claros de la figura de Apolo.
• Esta obra la realizó en Roma sin mediación de
  encargo a instancias del pintor Pedro Pablo
  Rubens que había visitado España aquel mismo año
  de 1629.

 La Fragua de Vulcano  Autor Velázquez
 Fecha 1630  Museo Museo del Prado
 Características 223 x 290 cm.  Material Óleo
sobre lienzo
31
Francisco de Goya

• Francisco de Goya y Lucientes nació en Zaragoza,
  el 30 de marzo de 1746 y murió en Burdeos,
  Francia, el 15 de abril de 1828 fue un pintor y
  grabador español. Su obra abarca la pintura de
  caballete y mural, el grabado y el dibujo.
  Desarrolló un estilo que inaugura el
  Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo,
  el comienzo de la Pintura contemporánea, y se
  considera precursor de las vanguardias pictóricas
  del siglo XX.
• Goya se desvincula del estilo característico de
  su tiempo. Quizá su figura sea más atrayente por
  lo que supone de ruptura. Sus padres formaban
  parte de la clase media baja de la época. La
  familia se trasladó a Zaragoza. Allí recibió sus
  primeras enseñanzas fue a la escuela del padre
  Joaquín y parece que acudió a la Escuela de
  dibujo de José Ramírez. Con doce años estaba en
  el taller de José Luzán, quien le introdujo en el
  estilo decadente de finales del Barroco.
• En la capital de España se instalará en el taller
  de Francisco Bayeu, cuyas relaciones con el
  dictador artístico del momento y promotor del
  Neoclasicismo, Antón Rafael Mengs, eran
  excelentes. Durante cinco años permaneció en el
  taller.
• Posteriormente, decidió ir a Italia por su
  cuenta. En 1771 se presentó en Parma a un
  concurso en el que obtuvo el segundo premio y a
  mediados de 1771 estaba trabajando en Zaragoza.
• En 1773 Goya contrae matrimonio en Madrid con la
  hermana de Francisco y Ramón Bayeu por lo que los
  lazos se estrechan con su "maestro". Los primeros
  encargos que recibe en la Corte son gracias a
  esta relación. Su destino sería la Real Fábrica
  de Tapices de Santa Bárbara, para la que Goya
  realizaba bocetos que después se transformarían
  en tapices. La relación con la Real Fábrica
  durará 18 años y en ellos realizará sus cartones
  más preciados Merienda a orillas del
  Manzanares, El Quitasol, El Cacharrero, La
  Vendimia o La Boda. También realizó otros
  encargos importantes en 1780 ingresa en la
  Academia de San Fernando para la que hizo un
  Cristo crucificado. Y ese mismo año decoró una
  cúpula de la Basílica del Pilar de Zaragoza.
• Regresó a Madrid para trabajar en la recién
  inaugurada iglesia de San Francisco el Grande por
  encargo de un ministro de Carlos III. En Madrid
  se iniciará la faceta retratística de Goya, pero
  fue en 1783 cuando retrató a toda la familia del
  hermano menor de Carlos III, el infante D. Luis,
  sirviéndole para abrirse camino en la Corte,
  gracias también a su contacto con las grandes
  casas nobiliarias como los Duques de Osuna o los
  de Medinaceli, a los que empezará a retratar,
  destacando la Familia de los Duques de Osuna,
  uno de los hitos en la carrera de Goya.
• En 1789, fue nombrado Pintor de Cámara por Carlos
  IV. Este nombramiento supone el triunfo del
  artista. Durante 1792 Goya cayó enfermo, quedando
  sordo para el resto de sus días. Esta dolencia
  hará mucho más ácido su carácter y su genio se
  verá reforzado. El estilo suave y adulador dejó
  paso a una nueva manera de trabajar. Al fallecer
  su cuñado en 1795 Goya ocupó la vacante de
  Director de Pintura en la Academia de San
  Fernando. Este mismo año se iniciará la relación
  con los Duques de Alba, especialmente con Doña
  Cayetana, cuya belleza y personalidad cautivarán
  al artista. De la relación que mantuvo con ella,
  surge la hipótesis de que Doña Cayetana fuera la
  protagonista del cuadro más famoso de Goya la
  Maja Desnuda.
• En 1798 el artista realiza la llamada Capilla
  Sixtina de Madrid los frescos de San Antonio de
  la Florida. El contacto con los reyes va en
  aumento hasta llegar a pintar La Familia de
  Carlos IV. La Condesa de Chinchón será otro de
  los fantásticos retratos. El estallido de la
  Guerra de la Independencia en mayo de 1808 supone
  un grave conflicto interior para el pintor ya que
  su ideología liberal le acerca a los afrancesados
  y a José I mientras que su patriotismo le atrae
  hacia los que están luchando contra los
  franceses. Este debate interno se reflejó en su
  pintura, que se hizo más triste, más negra, como
  muestran El Coloso o la serie de grabados Los
  Desastres de la Guerra. Al finalizar la
  contienda pinta sus famosos cuadros sobre el Dos
  y el Tres de Mayo de 1808. La Corte madrileña
  sustituciyó a Goya como pintor de moda por el
  valenciano Vicente López. Goya inicia un periodo
  de aislamiento y amargura con sucesivas
  enfermedades que le obligan a recluirse en una
  finca en las afueras de Madrid en la que
  realizará su obra suprema las Pinturas Negras,
  en las que recoge sus miedos, sus fantasmas, su
  locura. Le acompañó su ama de llaves, Dª.
  Leocadia Zorrilla Weis, con quien tendrá una
  hija, Rosario. De su matrimonio con Josefa Bayeu
  había nacido su heredero, Francisco Javier.
• Aunque viajó a Madrid en varias ocasiones, sus
  últimos años los pasó en Burdeos donde realizará
  su obra final, la Lechera de Burdeos, en la que
  anticipa el Impresionismo.

32

• La maja desnuda es una de las más célebres obras
  de Goya. El cuadro es una obra de encargo pintada
  antes de 1800. Luego formó pareja con La maja
  vestida, datada entre 1802 y 1805, probablemente
  a requerimiento de Manuel Godoy.
• En esta pintura se retrata de cuerpo entero a una
  hermosa mujer recostada plácidamente en un lecho
  y mirando directamente al observador. No se trata
  de un desnudo mitológico, sino de una mujer real,
  contemporánea a Goya, e incluso en su época se le
  llamó la Gitana.
• Se ha especulado con que la retratada sea la
  Duquesa de Alba, pues a la muerte de esta en
  1802, todos sus cuadros pasaron a propiedad de
  Godoy, a quien se sabe que pertenecieron las dos
  majas, en forma similar a lo ocurrido con la
  Venus del espejo de Velázquez. Sin embargo no
  hay pruebas definitivas ni de que este rostro
  pertenezca al de la duquesa ni de que no hubiera
  podido llegar la Maja desnuda a Godoy por otros
  caminos.
• En el diseño de este cuadro el dibujo es
  decisivo, por ese motivo y por el predominio de
  una gama cromática fría se nota la influencia del
  neoclasicismo, si bien Goya va mucho más allá.
• Aunque se ubica dentro de la estética del
  neoclasicismo, esta obra de Goya es audaz y
  atrevida para su época, como audaz es la
  expresión del rostro y actitud corporal de la
  modelo, que parece sonreír satisfecha y contenta
  de sus gracias. Más aún, es la primera obra de
  arte (conocida) en la cual aparece pintado el
  vello púbico femenino, lo cual resalta el
  erotismo de la composición.
• Cabe destacar la particular luminosidad que Goya
  da al cuerpo de la desnuda, que contrasta con el
  resto del ambiente, y junto a esa luminosidad la
  típica expresividad que Goya sabe dar a los ojos.
• Si en la cultura occidental hasta Goya y desde
  hacía siglos casi siempre se recurría a
  subterfugios para representar a la mujer desnuda,
  en la Maja desnuda tenemos a una mujer real.
• Es notable que, aún dentro de la típica fuerza de
  las pinceladas que caracterizan a Goya, el
  artista se ha esmerado en el tratamiento de las
  carnaduras y sombreados acompañadas por la
  figuración sutil de las telas, la coloración se
  hace con un minucioso juego de verdes que
  contrasta con blancos y rosados, de este modo la
  maja casi parece suspendida mediante su brillo y
  delicadeza.

Maja desnuda  Autor Francisco de Goya y
Lucientes  Fecha 1800  Museo Museo del Prado
 Características 97 x 190 cm.  Material Óleo
sobre lienzo  Estilo
33

• Saturno devorando a sus hijos es una de las
  Pinturas Negras realizadas por Goya más
  desgarradoras y trágicas.
• Goya, igual que hizo Rubens en su Saturno para
  la Torre de la Parada, ha elegido el momento en
  que el dios del tiempo desgarra el cuerpo de su
  hijo para que ninguno pudiera destronarle. Pero
  Júpiter escapó al rito antropófago de su padre y
  consiguió acabar con su tiranía. Un espacio
  totalmente oscuro rodea la figura del dios, en la
  que destaca su deformidad y su rostro monstruoso.
  Es una magnífica representación de como el tiempo
  lo devora todo, una de las obsesiones del pintor.
  
• La restauración que sufrió la obra al ser pasada
  del muro al lienzo fue bastante libre y
  decepcionante, aunque hay que advertir que había
  perdido grandes zonas de pintura, sobre todo en
  los ojos. La mayor parte de los expertos
  coinciden en plantear que la avanzada edad de
  Goya motivaría una decoración en la que primaba