M

1
Música, Historia e Ideas.

• Dr. Sc.Rigoberto Pupo.
• (Tomado de la obra homónima de Hugo
  Leichtentritt.)

2
Sumario.

• 1. La música de los griegos.
• 2. Canto gregoriano y arte romanesco.
• 3. El período gótico.
• 4. El Renacimiento.
• 5. La Reforma.
• 6. El barroco del siglo XVII.
• 7. Bach y Händel.
• 8. Tendencias clásicas del siglo XVIII.
• 9. La Revolución francesa y la era napoleónica.
• 10. El movimiento romántico.
• 12. La música del futuro.
• 13. El siglo XX.

3
El comienzo de la historia de la música.
(Introducción necesaria)

• Lo que denominamos historia de la música comienza
  con la música de la Iglesia cristiana de fines de
  la Edad Media.
• Nuestro conocimiento de música de la Antigüedad,
  de Egipto, Palestina, Persia, Grecia y Roma es
  demasiado fragmentario e inconexo para ser
  llamado histórico, y, además carece totalmente de
  documentos musicales.
• No había representación gráfica. Se carecía de un
  sistema de notación musical. Se transmitía de
  generación en generación.

4
La música de los griegos.

• Todo el tesoro de la música griega, en tanto arte
  perdido, se juzga por los fragmentos que nos han
  llegado.
• Podría sintetizarse en un librito de pocas
  páginas, con el siguiente índice
• 1. El comienzo de la primera oda pítica de
  Píndaro.
• 2. Tres himnos cortos de Mesomedes.
• 3. Unos pocos fragmentos de études instrumentales
• 4. La tumba de Seikilos, en Asia Menor, con una
  melodía popular en la lápida de mármol.
• 5. Dos himnos de Apolo, encontrados en Delfos y
  bastante bien conservados.
• 6. Un fragmento de Orestes de Eurípedes.
• 7. Un papiro de Egipto, con un himno a Apolo.
• 8. Un himno cristiano del siglo III d. n. e,
  escrito en notación griega.

5
Los tratados teóricos de música de la antigüedad.

• Se poseen interesantes informes en materia
  musical en escritos de filósofos griegos como
  platón y Aristóteles, historiadores como
  Plutarco, Boecio y Casiodoro. Es así que tenemos
  una idea bastante clara acerca de la teoría y
  estética de la música griega, a pesar de la
  pérdida casi total de sus monumentos.

6
Importancia de los estudios teóricos, históricos
y estéticos griegos antiguos.

• Sin ellos resulta imposible entender el
  desarrollo de la música medieval. Aún más
  nuestra propia teoría de la música está basada en
  las leyes derivada de la música griega y
  transmitida hasta nuestra época por la Edad
  Media. Se posee, al menos, una parte con grandes
  aportes para el futuro devenir de la música.

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Tratados, teorías y capítulos de la música griega
antigua.

• Tratados de Anitoxenos de Tarento, el más grande
  exponente de la teoría griega del ritmo.
• Paunasanias. Escribió importantes capítulos
  acerca de la música de los Juegos Píticos,
  realizados todos los años en Delfos, en honor a
  Apolo, incluyendo canciones populares griegas.
• Ptolomeo, el gran geógrafo y astrónomo, nos legó
  una teoría de la música griega.
• Los enciclopedistas alejandrinos, Atheneo y Julio
  Póllux, hicieron valiosos extractos de música y
  tratados antiguos desaparecidos, y compilaron una
  especie de diccionario musical.

8
Significación de estas fuentes antiguas.

• Sobre la base de sus aportes es posible extraer
  datos fundamentales, necesarios para entender la
  posición de la música en la vida cultural de
  fines de la Antigüedad y del Medioevo. Los
  comienzos de la música griega fueron míticos. El
  Monte Olimpo, era la sede, según la mitología, de
  las nueve musas, una de las cuales dio su nombre
  a la música (Euterpe).
• Un tratado atribuido a Plutarco, nos da un
  esquema del desarrollo histórico de la música
  griega, pero sin las ilustraciones, que por sí
  solas, podrían dar vida real a la investigación
  histórica y fertilizar la búsqueda.

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Las nueve musas.

• Se les llama musas a cada una de las nueve
  diosas de la Fábula que presidían las diversas
  artes liberales y las ciencias. Estas son
• Clío (Historia) Euterpe ( Música)Talía
  (Comedia) Melpóneme (tragedia) Terpsícore
  (Danza) Erato ( Elegía) Caliope (Elocuencia )
  Polimnia (Poesía lírica) Urania (Astronomía)

10
Influencia del norte y del Asia Menor

• El culto a Dionisio dio extraordinaria
  importancia a la música. Desde Pieria, cerca del
  Monte olimpo, llegó Orfeo, el cntor incomparable,
  maestro de la lira que se convirtió en el
  instrumento favorito del pueblo griego.
• La flauta frigia, así como la cítara se convirtió
  en un instrumento nacional. Estos dos
  instrumentos representan dos diferentes de la
  música griega.- rasgos.

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Culto al Dios Apolo y Éxtasis dionisíaco.

• Se dice que la cítara era la favorita de de Apolo
  y tuvo una gran intervención en el culto del
  Dios. De este culto se deriva lo que se
  denominaba el aspecto apolíneo del arte griego,
  ese maravilloso sentido de la proporción, esas
  formas de claridad cristalina, esa belleza
  serena, esa pureza inmaculada, ese perfecto
  equilibrio que distingue las manifestaciones del
  arte clásico griego. Al intelectualismo refinado
  y a la moderación superior atribuida a Apolo,
  patrono del arte y la ciencia, se opone un
  elemento bien diferente el éxtasis dionisíaco,
  la pasión, el frenesí, la sensualidad. La aulós o
  flauta frigia, era el instrumento favorito del
  culto del Dios Dionisio y llegó a representar en
  la música, la parte oscura, desatada, apasionada
  del arte griego, sus arrebatos románticos, sus
  explosiones sensuales.. Esta oposición devino
  legado del conocimiento griego de la psicología
  del arte, como una expresión de la conciencia de
  los griegos acerca de los profundos misterios de
  la psiquis humana.

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La música griega traspone el estado mitológico en
las cercanías del siglo VIII a. n. e.

• Los poemas épicos de Homero y Hesíodo, contienen
  referencias ocasionales sobre la música. La
  poesía épica ni se leía ni se recitaba, se
  cantaba. Una práctica similar se usó en el siglo
  XIII d. n . e, en el que la poesía narrativa
  francesa, como la historia de Aucassin y
  Nicolette, era cantada con ciertas melodías
  repetidas una y otra vez.

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Música, poesía y armonía.

• La música griega tuvo una estrecha relación con
  la poesía. Así con el transcurso del tiempo la
  poesía griega desarrolla un plan métrico de forma
  variada, complicada y sorprendentemente sutil,
  también la música griega, de sus modelos
  poéticos, puso énfasis especial en los problemas
  rítmicos. Lo más probable es que la música
  griega, en su aspecto rítmico, estuviera más
  adelantada que la música europea posterior,
  incluyendo la nuestra, pero que, por otra parte
  le faltaban ciertas cualidades indispensables
  para los tiempos modernos. Así, por ejemplo, los
  griegos no tenían una concepción de la armonía,
  el sonido conjunto de varios tonos y, en
  consecuencia, no podían crear música polifónica,
  que está basada en la idea de la armonía.
• No se ha encontrado en los tratados griegos, nada
  que se refiera a la armonía, ni algo que se
  parezca a ella, conducción de voces, polifonía.
• La música griega fue siempre entendida, como
  música para una voz. Los acordes, la armonía y el
  contrapunto no existieron en los tiempos antiguos.

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La armonía.

• Aunque parezca extraño, hasta una fecha tan
  tardía como el siglo XX, la idea de armonía,
  contrapunto y polifonía, era completamente
  desconocida, no sólo para toda la música oriental
  y exótica (incluyendo la del Lejano Oriente, la
  de los hebreos, árabes, egipcios y tribus negras
  primitivas), sino también para la de los indios
  norteamericanos y los pueblos que habitaban los
  círculos polares. La armonía y el contrapunto
  tuvieron su origen en la Europa Central,
  alrededor de unos mil años después de la música
  griega, y han seguido siendo una característica
  de la música europea.

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Heterofonía y polifonía.

• Para algunos, en la música griega posterior se
  notan rastros débiles de polifonía, al emplear
  con sus instrumentos una especie de variación que
  disuelve la línea melódica en un florido trabajo
  de pasaje ornamental.
• Pero esta heterofonía no es en realidad una
  polifonía, sino solamente una variación de la
  música para una voz. Y aún más nunca fue tratada
  sistemáticamente por los teóricos griegos. Y
  siempre que aparece es como un rasgo accidental,
  improvisado, como un efecto basado en la
  casualidad más que en cualquier sistema artístico.

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El sistema de intervalos, escalas o modos.

• Pero esta heterofonía no es en realidad una
  polifonía, sino solamente una variación de la
  música para una voz. Y aún más nunca fue tratada
  sistemáticamente por los teóricos griegos. Y
  siempre que aparece es como un rasgo accidental,
  improvisado, como un efecto basado en la
  casualidad más que en cualquier sistema
  artístico.
• Lo que ha influido en la música posterior, y aun
  en la música moderna, más que en cualquier otra
  cosa tomada de la música antigua, es el sistema
  de intervalos, escalas o modos, descubierto y
  perfeccionado en la música griega.

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Pitágoras y los cimientos acústicos y matemáticos.

• . Pitágoras, el gran matemático, fijó para la
  música los indispensables simientos acústicos y
  matemáticos. Sus investigaciones acerca de la
  naturaleza y cualidades de los tonos e intervalos
  musicales aún tienen vigencia. Él conserva la
  distinción de haber sido el primero en formular
  claramente las leyes de la proporción en la
  música, esto es, la explicación de cómo el
  cambio de longitud de una sonora afecta al
  intervalo. Encontró que las proporciones
  elementales de los intervalos son las siguientes
• octava 12
• quinta 23
• cuarta 34
• doceava 13
• doble octava 14
• En épocas posteriores se añadió, entre otras
• tercera mayor 45
• tercera menor 56

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El acto de ejecución y la acústica práctica.

• Todo violinista aplica constantemente estas
  proporciones elementales. Y el arte de construir
  y ejecutar los instrumentos de cuerda nunca
  podría haberse desarrollado sin el conocimiento
  de estos datos básicos de la acústica práctica.
  Así como no se puede construir la casa más
  insignificante sin tener un conocimiento de las
  1eyes de la estática, la mecánica y el
  equilibrio, tampoco se puede escribir una pieza
  de música, por insignificante que sea, sin un
  conocimiento del sistema de intervalos, escalas,
  tonalidades. Todas estas concepciones elementales
  sobre música fueron formuladas con un alto grado
  de exactitud por Pitágoras y sus sucesores.

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Pitágoras, la escala pentatónica.

• Ellos desarrollaron un sistema de escalas, que,
  con algunas modificaciones, prestó utilidad hasta
  mil quinientos años después, por lo menos, y aún
  en nuestra época no ha perdido mucho de su
  validez. No sólo la música griega, sino toda la
  subsiguiente, deben a Pitágoras su base teórica,
  sistematizada, práctica e indispensable en rigor.
  Aun antes de Pitágoras los relatos mitológicos
  nos hablan de una escala con base pentatónica, es
  decir, una escala de cinco sonidos, en lugar de
  la posterior de siete sonidos, una escala que
  omite dos notas, saltando en dos lugares el
  intervalo de una tercera. Este fragmentario
  sistema pentatónico es casi universal en la
  infancia de la música. Se le encuentra en todas
  partes en la música primitiva y exótica los
  chinos, los indios norteamericanos, los
  escoceses, los noruegos, los celtas, los egipcios
  y los siameses, basaron toda su música en alguna
  especie de escala pentatónica.

20
Pitágoras y la escala de siete notas.

• Los escritores griegos posteriores atribuyen a
  Pitágoras el hecho de haber llenado los huecos de
  la antigua escala griega y de haber introducido
  la escala de siete notas que fue adoptada
  universalmente y que, desde entonces, ha sido
  retenida por la música europea. La concepción
  griega de la escala de siete notas o de ocho
  notas, si se añade la octava, repitiendo la
  primera nota como toque final, era algo diferente
  de la nuestra. Cuando pensamos en la escala,
  tenemos una imagen visual de ocho teclas del
  c1ave, órgano o piano, y todo nuestro sistema
  tonal es una multiplicación de este espacio de
  siete u ocho notas.

21
Sistema de intervalos y esquemas de modos
rítmicos griegos.

• Los griegos no tenían instrumentos con teclado y
  su imagen visual de la escala estaba fundada en
  las cuerdas de la lira o la cítara. Su sistema
  tonal no estaba dividido como el nuestro en
  espacios de octavas, sino en grupos de cuatro
  notas, llamados tetracordios, que habrían tenido
  su origen en la idea de cuatro dedos pulsando las
  cuerdas.
• La música medieval, y, en un sentido modificado,
  también, la moderna, heredaron de Grecia, además
  de este sistema de intervalos, su esquema de
  modos rítmicos y de escalas. Los modos rítmicos o
  leyes prosódicas de la música medieval son
  derivados de los refinamientos métricos y de las
  complejidades de la poesía griega. Nuestra
  concepción de los compases regulares se remonta a
  la interpretación musical de los metros usados en
  los himnos pindáricos y en las obras de los
  grandes dramaturgos griegos.

22
La música sacra cristiana y la influencia griega.

• La música sacra cristiana del primer milenio tomó
  de la música griega las escalas jónica, dórica,
  frigia, lidia, mixolidia y eólica -los modos
  eclesiásticos, como se los llamó más tarde- con
  sus distintas derivaciones, transposiciones,
  etcétera. Y aunque este sistema medieval de los
  modos eclesiásticos fue abandonado en el siglo
  XVII en favor de los modos modernos mayor, el
  antiguo sistema modal conserva vigencia y ha sido
  revivido y aplicado nuevamente, como un
  refinamiento especial, un condimento de la
  melodía tanto como de la armonía, por artistas
  como Brahms, los rusos modernos, César Franck,
  Debussy, Respighi y muchos otros.

23
Los nombres de las escalas y las diferencias.

• Aunque los nombres de los modos eclesiásticos
  medievales son idénticos a los de las escalas
  griegas clásicas, el significado de estos nombres
  no es el mismo en ambas épocas. Lo que se
  denominaba dórico en la música griega, tenía el
  nombre de frigio en la música medieval, y las
  antiguas escalas lidia y jónica fueron más tarde
  confundidas de igual manera. Esta confusión
  apareció mil años después de la declinación de la
  música griega cuando ya sólo quedaban ínfimos
  restos del antiguo arte, la ciencia y la cultura
  griegas, y a pesar de que estos errores de
  interpretación han sido corregidos, conservamos
  en la música moderna los nombres medievales de
  los modos eclesiásticos. El error se ha arraigado
  tan profundamente a través de un milenio de
  constante comunicación oral, que cualquier
  intento de corregirlo serviría únicamente para
  aumentar la confusión.

24
La música moderna y la herencia griega.

• Aparte de los nombres de los modos eclesiásticos,
  la música moderna ha heredado de Grecia una
  cantidad de términos como diatónico, cromático y
  enarmónico. El significado de estos términos
  también ha cambiado en tiempos recientes, como en
  el caso de las escalas antiguas y los modos
  eclesiásticos medievales.
• El sistema diatónico es el orden original de los
  distintos tetracordios dentro de los límites de
  las dos octavas empleadas en la música griega.
  Los géneros cromáticos y enarmónicos se obtienen
  por las variaciones artificiales de 1os
  tetracordios diatónicos originales.

25
Auge y apogeo de la música clásica griega.

• La gran época clásica de la música griega parte
  de los alrededores del 525. En esa época comienza
  el predominio de Atenas en la música. Lasos, la
  primera celebridad de quien hemos tenido
  noticias, causó sensación con su audaz uso
  orquestal del acompañamiento instrumental y
  Píndaro agregó al acompañamiento de instrumentos
  de viento la lira o forminx. La música de la
  primera oda pítica de Píndaro existe en un
  fragmento que fue descubierto por el erudito
  padre jesuita Atanasio Kircher e el año 1650.
• El apogeo de la época clásica de la música griega
  fue alcanzado con los grandes poetas Esquilo,
  Sófocles y Eurípides. Ello no sólo fueron poetas,
  sino compositores que unieron ampliamente la
  música a sus tragedias, de las cuales nada ha
  sobrevivido desgraciadamente, excepto un trozo
  del drama Orestes de Eurípides, representado en
  Atenas en el año 403 y descubierto en Viena, en
  1892, en un papiro manuscrito.

26
Dificultades para estudiar la música griega.

• . La trascripción moderna sólo puede dar del
  mismo una idea aproximada, en par te por la
  imposibilídad de escribir en nuestra notación los
  frecuentes cuartos de tono y en parte por lo
  deteriorado del papiro y sin embargo, se percibe
  en esta noble pieza de recitado la nota trágica
  de agitación, Es bien conocida la importancia
  atribuida a la música del drama griego en las
  comedias de Aristófanes, así como en las
  tragedias de otros poetas. Aún hoy la
  representación de un drama sin música es
  considerada casi imposible, y los compositores
  modernos han escrito nueva música coral,
  orquestal y solista para los dramas griegos. Los
  humanistas griegos estudian con tanta asiduidad
  todos los refinamientos de la poesía griega, con
  su maravillosa versificación, su riqueza rítmica
  y métrica, sus alternativas de coros y solos y
  sus bellos diálogos, por lo que lamentamos, aún
  más, el que no haya sobrevivido nada de la música
  original.

27
Declinación de la música griega.

• Inmediatamente después de la época de los grandes
  dramaturgos, la música griega comienza a
  declinar. En 1893, en las excavaciones francesas
  en Delfos, fueron encontrados dos himnos a Apolo
  correspondientes a la segunda centuria a.n.e. La
  música había sido grabada en la piedra, en un
  muro de la Tesorería ateniense de Delfos, y se ha
  traducido a la notación moderna tanto como se
  pudo descifrar

28
El ataque de los galos.

• Poco tiempo antes, en 280, Delfos había sido
  atacada par los galos, que fueron expulsados por
  terremotos y hundimientos adjudicados a Apolo, y
  Kleochares le dedicó sus himnos en señal de
  agradecimiento.

29
Los himnos de Mesomedes.

• Hay que mencionar tres himnos de Mesomedes de
  Creta, que fue un favorito del emperador Adriano
  y famoso músico de su tiempo. Vivió en el segundo
  siglo de nuestra pero aún trescientos años
  después sus canciones eran conocidas como lo
  atestiguan las distintas referencias que de él se
  hacen en los escritos de los primeros patriarcas
  cristianos. Otro signo de su fama es que los tres
  himnos en cuestión han sido conservados en muchos
  manuscritos, seis de los cuales todavía son
  conocidos en Nápoles, París, Munich y Florencia.
  Vincenzo Galilei, padre del gran astrónomo y, en
  su tiempo, músico de rango, descubrió estos
  himnos de Mesomedes en 1581. Sin embargo, no pudo
  leer la notación y estas preciosas piezas recién
  fueron correctamente descifradas en el siglo xix.
  Su primer himno es una invocación a la Musa, una
  melodía noble, impresionante, aun de acuerdo con
  el temperamento moderno, escrita en una pura
  tonalidad dórica, la, si b, do, re, mi, fa, sol,
  la. El segundo himno de Mesomedes a Helios, el
  dios del sol y a Selene, la diosa de la luna,
  está igualmente escrito en escala dórica. Es una
  pieza vocal sumamente efectiva, con una hermosa
  culminación y una expresiva interpretación del
  texto en ritmo anapesto. Su tercer himno dedicado
  a Némesis y Diké, escrito en la escala jónica, es
  una oda a la justicia y asimismo una valiosa
  pieza en estilo completamente similar al de sus
  compañeros.

30
Épocas y restos de música.

• Aunque estos restos de la música griega son
  extremadamente escasos, tenemos, por un golpe de
  buena suerte, un pequeño ejemplo de cada una de
  las principales épocas. El himno homérico nos
  demuestra el estilo arcaico la oda de Píndaro
  representa el estilo clásico primitivo y el
  fragmento de Eurípides el estilo clásico
  posterior el himno délfico a Apolo viene de la
  época alejandrina la canción de Seikilos es
  producto de la cultura helénica de la primera
  época de Augusto y los himnos de Mesomedes
  representan la fase final de la música griega en
  el tiempo de los emperadores romanos Adriano y
  Antonino.

31
Diferencia entre los contenidos de la música
griega y la Medieval.

• En el capitulo precedente se ha señalado hasta
  qué punto el folclor, la poesía, el drama, la
  filosofía y las matemáticas, con tribuyeron a dar
  a la música su elevada posición en la vida
  cultural de los griegos. Cuando nos acercamos al
  nuevo mundo que se eleva lentamente en la Edad
  Media sobre las desgarradas ruinas de la cultura
  antigua, encontramos un gran cambio en las
  condiciones de las cuales dependen la música y
  otras artes para su desarrollo. La poesía y el
  drama, la filosofía y las matemáticas han perdido
  su existencia independiente como artes y
  ciencias han caído bajo la potente férula de la
  nueva Iglesia cristiana, que extiende sus
  dominios, casi podría afirmarse, sobre todos los
  acontecimientos políticos, sociales, culturales y
  artísticos. Todas las actividades de la vida
  están ahora inseparablemente unidas al nuevo y
  único poder eclesiástico que mil años más tarde
  debe dar a toda Europa un aspecto completamente
  nuevo. No se puede comprender el desarrollo de la
  música en la Edad Media sin un conocimiento
  profundo del nacimiento, desarrollo y propagación
  de la fe cristiana por toda Europa, ya que la
  música en ese tiempo tenía como única patrona y
  muy poderosa por cierto a la Iglesia cristiana.

32
La música cristiana y su relación con el pasado.

• Y a pesar do ello, esta nueva música cristiana
  estaba unida por mil raíces al pasado, a la
  antigüedad pagana y a la tierra natal judía, de
  la cual la fe recién nacida trataba de
  emanciparse con todas sus fuerzas. Puede decirse,
  en general, que la primera música cristiana
  medieval tomó su forma y su orden litúrgico del
  servicio religioso judío y su base teórica y
  sistema musical de los modelos griegos. Su
  material musical melódico y rítmico, se derivaba
  al mismo tiempo, de fuentes judío-orientales y
  grecorromanas. Las influencias de países
  conversos -la Galia, los países germánicos,
  Inglaterra e Irlanda- se manifiestan sólo mil
  años más tarde. No fue sino hasta el siglo xx que
  estos asuntos fueron comprendido con claridad, y
  las más recientes investigaciones realizadas
  acerca de estos problemas constituyen un adelanto
  considerable en nuestros conocimientos del arte y
  sus aspectos históricos primitivos.

33
El imperio romano y la cultura griega.

• Durante la época de Jesucristo, el imperio romano
  estaba dominado espiritualmente por la cultura
  helénica Grecia se había convertido en una
  provincia del imperio, pero la cultura, el arte,
  la literatura, la filosofía y aun el idioma
  griego habían conservado su influencia dominadora
  sobre todo el mundo romano.
• Así corno en los siglos XVII y xviii el idioma,
  la literatura y la literatura de Francia fueron
  considerados el ejemplo superior de su especie y
  celosamente estudiados e imitados por las clases
  superiores de la sociedad, así también en el
  tiempo de los emperadores romanos la cultura
  griega fue considerada casi generalmente como
  superior a cualquier otra cultura, la romana
  inclusive.

34
La música cristiana y sus dos componentes
originarios.

• . El Nuevo Testamento no fue originalmente
  escrito en hebreo, pero tampoco en latín, sino en
  griego. La traducción latina de la Biblia, la
  Vulgata, que más tarde se convirtió en la base
  del servicio religioso de la Iglesia Católica
  Romana, fue escrita mucho después, cuando la
  cristiandad hubo rebasado los límites del pequeño
  territorio de Palestina y se convirtió en un
  poder siempre creciente en el mundo romano de
  Europa. Y en Palestina, el país de los judíos,
  donde la religión cristiana tuvo su origen, esta
  cultura grecorromana o helénica se mezclaba con
  la cultura judío-oriental, más antigua aún. En
  consecuencia, es perfectamente natural que el
  arte cristiano de la música haya retenido tanto
  de sus dos componentes originales.

35
La música como parte indispensable del servicio
religioso cristiano.

• En la primitiva iglesia cristiana, la música era
  el único arte que se admitía en los servicios.
• Los cristianos primitivos no tenían catedrales
  magníficas como lugares de adoración la morada
  más humilde era convertida en templo. Pero desde
  el comienzo, la música fue considerada como una
  parte indispensable del servicio religioso. Ya
  que los primeros cristianos fueron los judíos, es
  completamente natural que hubieran introducido en
  la nueva religión gran parte de lo que poseían y
  a lo que estaban acostumbrados en el oficio
  religioso judío, y por la Biblia sabemos qué
  importancia tuvo la música en este servicio en
  Palestina.
• A partir del siglo XVII puede citarse todo un
  conjunto de libros que tratan sobre la música en
  la Biblia. Los escritores teológicos protestantes
  alemanes y especialmente los literatos
  holandeses, contribuyeron a estos abultados
  volúmenes literarios ya olvidados hoy.

36
La salmodia y la iglesia católica romana.

• La salmodia acompañó a Roma a las congregaciones
  cristianas, más tarde a otros países europeos, y
  la Iglesia Católica Romana las ha conservado
  hasta la fecha. La música tradicional de la
  Iglesia católica es denominado canto gregoriano,
  y hasta hace muy poco se creía generalmente que
  éste había sido enviado y escrito por músicos
  romanos de las primeras épocas de la Edad Media.

37
La música y su reflejo en el Imperio romano.

• La división del Imperio Romano se refleja en
  forma en forma extraña en la historia de la
  música. En tanto que en Roma y los países de
  occidente puede percibirse un crecimiento lento
  pero constante de la música religiosa, que
  culminó con el canto gregoriano.

38
Vicisitudes de la cultura antigua.

• Desde el año 450, aproximadamente, hasta el 850,
  hay una gran laguna en lo que respecta a
  documentos musicales. No encontramos, en ese
  sentido, en una de las épocas más oscuras. Hasta
  el siglo V se percibe un débil eco de la cultura
  y el arte griegos. Pero después, los
  temblorosos cimientos de la cultura y la
  sabiduría antiguas son derribados, juntos con el
  imperio romano, por los violentos asaltos de los
  bárbaros del norte, los teutones, los germanos,
  los francos y, más tarde, por los hunos mogoles y
  los vándalos.

39
Los grandes estudiosos de la música en su
historia.

• En lo que respecta a la historia, toda la
  actividad musical de estos cuatro siglos
  estériles se reduce a los nombres de cuatro
  hombres, que mil años más tarde conservaban una
  celebridad casi única. Dos de ellos, Boecio y
  Casiodoro, están relacionados con el estudio de
  la música griega clásica los otros dos, el papa
  Gregorio el Grande y San Benedicto, concibieron
  nuevos propósitos para el arte musical. Todos
  ellos desarrollaron su actividad en la Italia del
  siglo VI. Boecio y Casiodoro están en relación
  con Ravena, y el rey Teodorico el Grande,
  fundador del reino ostrogodo en Italia el papa
  Gregorio y San Benedicto trabajaron en Roma.

40
Las dos ramas de la música religiosa.

• En los alrededores del año 1100, la música
  religiosa se divide en dos ramas. La polifonía
  recién había nacido. Era aún demasiado tosca en
  sus primeras etapas, inmadura. No era todavía un
  patrimonio seguro sino, más bien, una dudosa
  especulación con miras al futuro. Pero la otra
  rama de la música, el canto gregoriano, había ido
  creciendo y madurando durante quinientos años se
  había convertido en un arte firmemente
  establecido, fuerte, claro, expresivo y con un
  dominio de la construcción que no admitía
  comparación alguna. Todo lo que las ideas de la
  primitiva música medieval tenían de sano y fértil
  encontró aquí cabida conveniente y definitiva, y
  la monumental estructura del canto gregoriano es
  no sólo la más perfecta expresión de los
  sentimientos religiosos de su tiempo, sino,
  además, una de las más grandes consecuciones de
  la música. Se le puede igualar a la arquitectura
  románica del 900 al 1200, como un monumento de
  arte eclesiástico.

41
El canto gregoriano.

• El canto gregoriano comprende una inmensa
  cantidad de melodías, miles de piezas, una vasta
  colección de composiciones. Toda esta música ha
  sido concebida para una sola voz, sin armonía,
  sin acompañamiento instrumental. Por lo tanto,
  toda la atención y el interés están concentrados
  en la construcción y expresión de la melodía en
  su relación con las palabras, en su dicción
  rítmica. La solemne tranquilidad del canto
  gregoriano, sus pro- porciones sensitivas y
  apropiadas, sus amplios contornos melódicos, su
  contención aun en la agitación, su construcción
  altamente interesante e ingeniosa, su simplicidad
  aparente, todas estas características son
  paralelos musicales de las ideas arquitectónicas
  del estilo románico. Aquel que tenga cierta
  visión y cierto sentido de la belleza
  arquitectónica, que haya observado frecuentemente
  y con comodidad las catedrales románicas,
  comprenderá fácilmente la notoria similitud de la
  posición expresada por estas dos artes diferentes.

42
El canto gregoriano y sus premisas.

• Todo da la impresión de una gran simplicidad
  aunque el canto gregoriano y la arquitectura
  románica están muy lejos de ser simples,
  analizados profundamente. En ambos casos, se ha
  reducido gran parte, constructivo y altamente
  refinado, a los términos más simples posibles,
  los que, aun así, son adecuados para la expresión
  acabada de su contenido espiritual. Hay mucho
  menos despliegue de lo intrincado, lo fantástico,
  lo estático que en la música polifónica posterior
  y en la arquitectura gótica. No obstante, todos
  estos caracteres excitantes y apasionados existen
  en el arte románico y gregoriano, pero
  simplemente no se les permite adquirir
  preponderancia. Son contenidos como una tendencia
  oculta, por así decirlo, quedan en la sombra y,
  aun cuando aparezcan, lo hacen como simples
  insinuaciones. Las tradiciones latina y oriental
  produjeron, conjuntamente, el estilo románico, y
  la misma combinación de orígenes dio forma al
  canto gregoriano.

43
La polifonía y la historia de la música.

• La época que vio la consumación de estos dos
  magníficos monumentos del arte eclesiástico había
  alcanzado alturas de perfección más allá de las
  cuales era imposible seguir. Surgieron nuevas
  tendencias alrededor del año 1200, un nuevo
  sistema de arte y pensamiento que inauguró lo que
  se conoce con el nombre de período gótico. Su
  equivalente musical, la polifonía, marca el
  comienzo de uno de los capítulos más ricos de
  toda la historia de la música.

44
EL PERIODO GÓTICO.

• El más importante de todos los cambios
  experimentados por la másica es, sin duda alguna,
  el desarrollo y nacimiento de la polifonía que
  comenzó, más bien toscamente, por el año 1000 y
  transformó el arte de la música, dándole un
  aspecto completa mente nuevo e inaugurando para
  él nuevas posibilidades de fantásticos
  horizontes, que aún están en vigencia. Si nos
  preguntamos qué clase de situación podía haber
  configurado y desarrollado estas ideas musicales
  e incomparablemente fértiles y de largo alcance,
  nos vemos obligados a examinar las fuerzas
  espirituales actuantes desde el año 1100 hasta el
  1400 y a considerar lo problemas políticos de la
  época y sus consecuencias en teología filosofía,
  literatura y arte. Posiblemente la idea
  fundamental de la polifonía, la idea de cantar o
  producir varios sonidos diferentes al mismo
  tiempo, viniera de las naciones paganas de Europa
  septentrional, los escandinavos, los germánicos,
  los bretones y los celtas de Inglaterra e
  Irlanda. Pero el mérito de haber cosechad las
  posibilidades de esta primitiva concepción de la
  armonía debe ser reconocido a los estudiosos y
  artistas cristianos de los monasterios
  benedictinos de Francia, Inglaterra y Alemania.
  La polifonía como principio artístico está
  inseparablemente unida, no sólo a la música de la
  Iglesia Católica, sino también al espíritu
  eclesiástico de la misma en sus varias
  manifestaciones artísticas y de otros géneros.

45
La polifonía, el arte gótico y el espíritu
escolástico.

• La analogía de la arquitectura románica con el
  canto gregoriano ha sido puntualizada en el
  capítulo precedente. El canto gregoriano, como la
  arquitectura románica, representa la primera fase
  del gran arte medieval de la construcción. La
  polifonía musical corresponde, en su base
  espiritual, a la segunda fase del arte
  constructivo medieval, el estilo gótico. El arte
  de la polifonía sólo podía haber sido creado en
  una época capaz de concebir la fantástica
  magnificencia de la estructura gótica. Tanto el
  arte gótico como la polifonía son el resultado
  del espíritu escolástico que predominaba en la
  teología, filosofía y poesía de fines de a Edad
  Media.

46
La tendencia espiritual de la época y sus
mediaciones artísticas.

• Las imponentes catedrales góticas de Reims, Ruán,
  Amiens y Colonia las audaces estructuras
  polifónicas de la escuela parisiense de Leonino y
  Perotino en el siglo xiii y más tarde las de las
  primeras escuelas inglesas y holandesas la
  teología y la filosofía escolásticas de Tomás de
  Aquino, Alberto Magnus, Bonaventura y Duns Scott
  el misticismo germano de Meister Eckhart la
  magnífica concepción poética de la Divina Comedia
  de Dante todas estas distintas consecuencias son
  productos de la misma tendencia espiritual. La
  música polifónica de esta época parece primitiva
  y hasta tosca. No podía ser de otro modo, puesto
  que la música era un arte nuevo y muy joven, que
  comenzaba su camino por un sendero desconocido en
  tanto que la filosofía, la poesía y la
  arquitectura estaban ya asentadas y en posesión
  de la opulenta herencia de la Antigüedad. No
  obstante, el espíritu escolástico es tan
  evidente en las concepciones elementales del
  primitivo motete francés -la primera gran
  consecuencia del arte polifónico, como en la
  acabada e ingeniosa música creada doscientos
  cincuenta años más tarde por los grandes maestros
  holandeses.

47
La música y el orden matemático.

• La música llega, decididamente, más allá de los
  confines de las matemáticas tendiendo a inspirar
  emociones, y aun cuando todavía no puede expresar
  los sentimientos con precisión, todos estos
  poderosos efectos emocionales se deben al orden
  matemático de la música. Percibimos así ese
  extraño acoplamiento de lo fantástico con la
  facultad es fríamente constructiva, tan
  característica del espíritu de fines del Medioevo
  y especialmente gótico. Estos dos rasgos opuestos
  no se manifiestan siempre en la misma persona
  algunos autores representan al tipo escolástico,
  otros al místico. Pero apenas existe un solo
  teólogo, filósofo, estadista, historiador, poeta
  de rango que no considere su deber es peculiar en
  sus trabajos sobre la naturaleza de la música.

48
El arte musical y las emociones.

• Uno de los más grandes problemas del arte
  musical, es el de las emociones es resuelto
  elementalmente por Casiodoro, según una regla
  previamente elaborada en que se asigna una escala
  determinada a cada uno de los distintos
  sentimientos. En épocas posteriores se crearon
  sistemas más altamente diferenciados del sistema
  de expresión emocional... Pronto se pide ayuda a
  todos los elementos constitutivos de la
  composición. En los madrigales italianos
  posteriores se buscan pintorescas asociaciones de
  palabras por medio de recursos melódicos y
  rítmicos. Monteverde recurre al acento
  declamatorio y a la armonía cromática llena de
  colorido en las fórmulas simbólicas o motivos de
  Bach y Händel se explota el tiempo, el corte
  melódico y el ritmo la armonía, el color tonal y
  las complicaciones sinfónicas son sumadas a la
  expresión de los distintos affetti hasta llegar
  en Beethoven a la culminación de la expresión
  emocional. Wagner y los compositores románticos
  modernos utilizan su genio inventivo en
  expresiones más y más sutiles y diferenciadas,
  hasta que en el siglo xx el impresionismo y el
  expresionismo, hasta entonces casi idénticos,
  evolucionan como estilos separados.

49
La música como disciplina de las Universidades.

• A través de toda la Edad Media y en el siglo xv,
  las grandes universidades de París, Oxford,
  Bolonia, Padua y Praga indican en especial el
  estudio de la música, no sólo para los músicos
  profesionales, sino para todo candidato al grado
  de magíster artium. La música es entonces
  considerada como un arte en el sentido
  escolástico, es decir, una ciencia, y no un arte
  en el sentido moderno.

50
La música de los grandes maestros holandeses y el
espíritu gótico.

• Pero es en la música de los grandes maestros
  holandeses donde el espíritu gótico, con toda su
  grandeza y su sutileza escolástica de
  especulación, encuentra su expresión más adecuada
  y completa. Para llegar a esta cima fueron
  necesarios casi trescientos años para poder
  entender la naturaleza de un desarrollo
  progresivo de esta clase, es necesario volver
  ahora a algunos de los senderos que llevarán a
  otras cimas aún distantes. Hasta ahora hemos
  tratado exclusivamente la música eclesiástica,
  inspirada por el sentido religioso cristiano y
  escrita para las necesidades del servicio
  religioso por compositores que eran casi siempre
  sacerdotes. El motete de la ars antiqua es una
  tentativa de combinar la antigua severidad
  eclesiástica con un rasgo completamente nuevo, el
  encanto de las canciones de amor, las melodías de
  danza de caballería.

51
Aparición de una nueva música.

• Una nueva clase de música hizo su aparición hacia
  el año 1200, una música secular que no se había
  originado en los conventos y que no gozaba de la
  protección de la iglesia las canciones de los
  trovadores de Francia e Italia, de los minne-
  singers de Alemania. Poseemos miles de estas
  melodías, a menudo atractivas y aún hermosas,
  llenas de lirismo y de una frescura juvenil
  completamente diferentes de las frases solemnes
  del canto gregoriano. Esta nueva música lírica
  amorosa es el producto de una nueva cultura, de
  una nueva clase social es la música de la era de
  caballería. Hasta el siglo x la educación
  superior y la cultura eran monopolizadas por las
  órdenes clericales pero lentamente, los nobles
  privilegiados adquirieron cierta cultura
  intelectual y después de siglos de guerras
  bárbaras tomaron interés en las artes más suaves
  de la paz. Alrededor del año 1200, la poesía
  surgió en profusión en todas las naciones
  europeas una literatura fértil en romance y
  canción se fue acumulando, y al mismo tiempo hizo
  su aparición un nuevo estilo de música.

52
Los dramas musicales de Richard Wagner y la
aprehensión del espíritu caballeresco medieval.

• La vía más accesible al espíritu de la sociedad y
  la cultura caballeresca medieval no se encuentra,
  sin embargo, en los pergaminos manuscritos del
  siglo XII y en la vasta literatura moderna a
  ellos dedicada, sino en los dramas musicales de
  Richard Wagner Tannhäuser y Lohengrin, Tristán e
  Isolda y Parsifal. Con genial percepción Wagner
  sabe cómo animar en su música el alma de esa
  época distante, aún sin la ayuda de un espíritu
  anticuario.

53
Los trovadores y la canción lírica de amor.

• En esta literatura apreciamos los florecimientos
  tempranos de la canción lírica de amor, uno de
  los más valiosos frutos de la música primitiva.
  Las canciones de los trovadores no han perdido su
  fragancia, frescura y encanto melódico, aún
  después de setecientos años. La alta perfección
  del estilo lírico de esta literatura no puede
  haber nacido, por supuesto, repentinamente los
  trovadores deben de haber tenido una larga cadena
  de predecesores, de los cuales no existe
  referencia alguna en los anales históricos.

54
Cultura caballeresca y espíritu romántico.

• En la cultura y literatura caballerescas vemos
  por primera desde la Antigüedad el nacimiento de
  un espíritu romántico, en oposición al espíritu
  clásico del arte gregoriano. Existe la noción
  común, pero errónea, de que el romanticismo es
  una característica moderna que aparece por
  primera vez en el siglo X pero las tendencias
  clásicas y románticas son tan antiguas como el
  arte, y aun el arte más antiguo muestra una
  constante oscilación de lo clásico a lo
  romántico, y vuelta a lo clásico, con todas las
  variedades de las etapas intermedias.

55
La presencia de lo clásico y lo romántico.

• Lo clásico y lo romántico son como los polos
  norte y sur, y ciertas secciones del arte han
  estado durante generaciones enteras bajo la
  influencia de ambos. El espíritu romántico es uno
  de los principales elementos de la arquitectura
  gótica, con su juego de luz y sombra, sus líneas
  fantásticas, sus cualidades místicas, sus pilares
  de alto vuelo y espirales que conducen al ojo y
  al espíritu hacia arriba, hacia el ciclo, lejos
  de la monotonía de la vida cotidiana. También la
  gran poesía épica de la Edad Media se anima en el
  romance de Tristán e Isolda., la mística piedad
  de la leyenda de Parsifal, grandes partes del
  Nibelugenlied y, en menor grado, se filtra en las
  canciones de los trovadores, cuya poesía lírica
  tiene como punto central el tema erótico, la
  glorificación que hace el joven caballero de su
  amada. Por primera vez desde la Antigüedad
  aparece la mujer en la canción lírica y en la
  música el eterno misterio de los sexos surge en
  los confines del arte. La imaginación es puesta
  en juego, instintos profundos son excitados y
  puestos en libertad, en resumen, el elemento
  romántico es introducido. Se puede llegar hasta
  declarar que el problema erótico en el arte es
  quizá el punto central de todo el romanticismo.

56
La música y el culto a la Virgen María.

• El culto a María es el ideal femenino de aquella
  época. Si hay algo romántico, lo es este nuevo y
  apasionado culto de la Virgen María. Y la misma
  María es completamente diferente del austero
  Cristo, el severo juez del mundo, descrito en el
  arte bizantino. La poesía mariánica es lírica,
  romántica y musical al mismo tiempo. Uno de los
  más preciados temas religiosos de la poesía,
  pintura y música, tiene su origen en esta
  concepción de San Francisco de Asís la reina del
  cielo elevándose por encima de los huéspedes
  celestiales, rodeada del coro de ángeles y,
  debajo, los infortunados mortales rogándole con
  lamentos la paz espiritual. Hasta la poesía
  erótica y la música de los trovadores,
  ministriles y minnesingers, refleja esta nueva
  idealización de la feminidad.
• Hasta entonces la música había sido seria,
  ferviente, austera y aun extática. Ahora se le
  agrega una nueva cualidad de dulzura, gracia,
  ternura, delicadeza, es decir, una nota femenina.
  La música que había sido hasta esa época de
  carácter exclusivamente masculino, se transforma
  con la adición de nuevos tonos líricos,
  románticos y eróticos.

57
La música lírica y la contrapuntística.

• Se descubre un nuevo mundo de expresividad y
  aunque estas canciones de trovadores, tomadas
  separadamente, son cortas y sin mayores
  pretensiones, las nuevas posibilidades tomadas
  por sus frescos espíritus son inmensas no han
  sido agotadas todavía, y hasta el arte de la
  música está inmensamente en deuda con ellas.
• Esta nueva música lírica es una reacción contra
  la música religiosa contrapuntística proclama
  los derechos del individuo contra la
  fiscalización frecuentemente tiránica, ejercida
  por la Iglesia. Supremacía y universalidad eran
  las aspiraciones de la Iglesia exigía del pueblo
  completa obediencia y se mantenía firme contra
  las manifestaciones individualistas.

58
El espíritu romántico y la aurora del
Renacimiento.

• El fresco espíritu romántico del siglo XII marca
  la aurora del Renacimiento italiano y es el
  precursor inmediato de este gran movimiento. El
  espíritu franciscano rejuvenece a la Iglesia,
  acerca más al hombre, da a la religión un aspecto
  más humano amistoso, y los intereses
  eclesiásticos y los terrenales, tan hostiles
  entre sí en esos tiempos, son reconciliados. La
  música también recibe de este nuevo espíritu
  lírico y romántico su primera primavera. Así el
  arte secular conquista un puesto, hace valer su
  poder y será, para siempre, una fuerza en el
  campo de las artes. En adelante la historia de la
  música tratará con un problema de fundamental
  importancia el antagonismo entre la música
  eclesiástica y la secular y sus relaciones
  mutuas.

59
El espíritu gótico y el nacimiento de la música
lírica.

• El espíritu gótico, esa peculiar combinación de
  la lógica más fría y la ley más severa con el
  fantástico vuelo de la imaginación, condujo al
  descubrimiento de posibilidades no soñadas
  entonces al nacimiento de la música lírica y
  romántica tal como la encontramos en las
  canciones de trovadores y en la fascinante música
  amorosa de la ars nova italiana del siglo XIV y
  la maravillosa estructura de la polifonía
  holandesa, aplicación a la música de las ideas
  arquitectónicas en gran escala, llena de grandes
  actos de ingeniería musical y, no obstante, del
  desarrollo más estrictamente lógico.

60
Nuevos continentes de la música.

• Ambas consecuencias, la construcción polifónica y
  la introducción del espíritu romántico, son algo
  así como nuevos continentes de la música,
  descubrimientos comparables, por su trascendencia
  artística, al descubrimiento de América. Su
  importancia no es simplemente local y
  temporaria por el contrario, se han convertido
  en propiedad eterna del arte de la música. En
  todas las épocas han sido variadas miles de
  veces, cambiadas en sus proporcione y relaciones
  mutuas, pero, desde su primera aparición, jamás
  han estado ausentes de la música, a la que han
  enriquecido ilimitadamente. La música moderna
  tiene una deuda inmensa con el espíritu gótico,
  ya que los rasgos característicos de éste,
  traspuestos a la música, son los verdaderos
  elementos y cimientos de la música sinfónica.
  Ninguna influencia posterior es comparable en
  perdurabilidad y vitalidad, y todas las
  revoluciones e innovaciones artísticas
  posteriores, por fascinantes que sean, se reducen
  a lo insignificante comparadas con el poder
  enorme y afianzado de de estas contribuciones
  góticas al arte de la música.

61
EL RENACIMIENTO.

• El período conocido generalmente como
  Renacimiento italiano es el comprendido entre los
  años 1400 y 1600. Es uno de 1os más brillantes de
  toda la historia de la humanidad, y, en el
  terreno artístico por lo menos, no tiene igual
  desde la época de Pendes en Atenas, dos mil años
  antes. El Renacimiento fue sumamente fértil,
  tanto en música corno en otras artes, y alguna de
  sus ideas aún gobiernan nuestra vida espiritual y
  artística.
• El propósito original del Renacimiento fue el
  restablecimiento de la Antigüedad clásica en las
  artes y en las ciencias, pero, en la persecución
  de este propósito, el término Renacimiento
  adquirió un nuevo significado, más amplio y de
  mayor importancia. Tenía por idea sustentatoria
  el rejuvenecimiento del espíritu y el intelecto
  humano. Para el futuro, su rasgo más importante
  fue revalorización del individuo y sus poderes.
  La cultura medieval no había reconocido el
  individualismo la iglesia, rectora indiscutida
  de todos los aspectos espirituales, exigía la
  creencia de sus dogmas y la obediencia a sus
  regias la ciencia, la filosofía y las artes eran
  admitidas solamente dentro de estrechos límites.

62
El Renacimiento y la música.

• Durante el Renacimiento, el arte se desligó de
  gran parte de estas ataduras. La impersonalidad
  de lo épico y el deseo de expresar los
  sentimientos de un pueblo o una clase, no eran ya
  la raíz del arte ahora, por primera vez desde la
  Antigüedad, adquirió primerísima importancia la
  expresión lírica de los sentimientos personales
  del artista individual. Apenas es necesario
  explicar la importancia que esta posición tiene
  para la música. Toda concepción moderna de la
  música como arte está basada en el reconocimiento
  del valor e importancia del individuo y de la
  expresión personal, fundamental punto de vista
  estético por el que está hasta cierto punto en
  deuda con el Renacimiento italiano.
• Esta actitud produjo en la música una impresión
  marcada y perdurable, aunque por vías
  curiosamente entrecruzadas Naturalmente, afectó a
  la música secular más que a la religiosa, aunque
  también esta última fue profundamente influida y
  cambiada Sus primeros reflejos pueden ser notados
  en la ars nova italiana del siglo XIV, ya
  descripta en sus características principales.
  Desde e1 año 1450, el desarrollo de este tipo
  musical fue perturbado desviado por la
  introducción de la música holandesa en Italia,
  que con su contenido y su técnica, su expresión y
  su estilo, tienen mayor afinidad con el espíritu
  gótico que con el Renacimiento.

63
Transformación del arte musical.

• La transformación del arte musical bajo la
  influencia recíproca de los rasgos
  septentrionales y meridionales, holandés e
  italiano, gótico y renacentista, confiere un
  extraordinario interés a todo el siglo XVI. Este
  antagonismo es comparable no a una batalla, a una
  lucha a muerte, sino a una contienda amistosa, al
  cabo de la cual ninguno de los combatientes es
  derrotado ambos quedan ilesos, pero diferentes
  de los que eran antes. O bien podría decirse que
  la música del siglo XVI es el resultado del
  parentesco holandés- italiano y que sus
  características se asemejan a las de ambos
  parientes. .A medida que se acerca el año 1600
  puede parecer para el observador superficial que
  el espíritu del Renacimiento es el vencedor final
  de la larga lucha. Sin embargo, observando más
  atentamente, encontramos que la sólida base
  holandesa se ha tornado indispensable para la
  música italiana posterior y que el arte
  polifónico y la habilidad constructiva holandesa
  están profundamente arraigados y tienen un futuro
  promisorio

64
La música italiana y el arte holandés.

• La música italiana del siglo XVII sólo podía
  haber eliminado las características básicas
  holandesas a riesgo de perder su propia
  vitalidad, su valor artístico permanente En
  Italia se hicieron varias tentativas audaces de
  eliminar el arte holandés, pero fueron todas
  efímeras y terminaron agotándose corno ríos en el
  desierto. Uno de los problemas más fascinantes de
  la investigación moderna sobre los estilos, tiene
  relación con las distintas fases de este proceso
  de transformación que tuvo lugar en Italia entre
  los años 1450 y 1600.

65
La música, la impresión y la publicación.

• La música experimentó muy pronto el beneficio de
  la impresión y la publicación. Los grandes
  maestros holandeses tuvieron suerte en ser los
  primeros en sacar provecho de la nueva invención,
  puesto que nunca hubiesen podido obtener una
  victoria tan rápida, completa y arrolladora sin
  la valiosísima ayuda de la imprenta.
• La música comenzó a imprimirse en los alrededores
  del 1500 y fue en principio una especialidad
  italiana. El perfeccionamiento de la impresión no
  fue gradual ni tuvo comienzos insignificantes
  como las otras artes. Los libros más antiguos,
  los incunables, impresos antes de 1500, no han
  sido nunca sobrepasados en su exquisita belleza
  de artesanado y en la durabilidad y excelencia
  del papel. Ottaviano Petrucci comenzó su carrera
  como editor con la Odhecaton, una colección de
  casi cien obras de distintos compositores, la
  primera colección impresa de música polifónica,
  publicada en Venecia en el año 1501.

66
Grandes tesoros musicales producidos por la
imprenta.

• Las treinta publicaciones de su imprenta son
  ahora tesoros incomparables de algunas de las
  mayores bibliotecas del mundo y se pagan por
  ellas enormes precios. Estas publicaciones
  italianas impusieron en el mundo musical las
  nuevas obras de los famosos maestros holandeses
  Josquin Deprés, Jacob Obrecht, Heinrich Isaak,
  Ghiselin, Brumel, Japart, Ockeghem, Pierre de la
  Rue y muchos otros. Antes de transcurrido mucho
  tiempo, las sensacionales publicaciones de
  Petrucci fueron imitadas por otros impresores y
  alrededor de 1525, la impresión musical se
  establece firmemente como una profesión
  floreciente, no sólo en Venecia, sino también en
  Roma, Florencia, París, Amberes, Nuremberg,
  Augsburgo, y otros lugares. Una consecuencia
  importante de la impresión de obras musicales fue
  que los trabajos de los maestros comenzaron a
  ejecutarse, no sólo en las grandes catedrales y
  en los palacios de los cardenales y los
  príncipes, sino también en las casas de los
  ciudadanos, en las iglesias y escuelas de
  pequeñas ciudades y hasta en los villorios.

67
La cultura musical y su divulgación.

• En resumen, la cultura musical se difundió en una
  medida que anteriormente hubiera sido imposible.
  Y como el trabajo de los grandes artistas
  aumentaba las ganancias de las casas impresoras,
  éstos fueron impulsados por su éxito y su fama
  creciente a crear nuevas obras que sorprendieran
  a los amantes de la música con nuevos efectos
  bellos e ingeniosos.

68
Música, poesía y cultura .

• El maravilloso desarrollo de la música italiana
  del siglo xvi constituye sólo una fase de la gran
  consecución espiritual y cultural del
  Renacimiento italiano. En la vida social, la
  música está inseparablemente unida a la poesía y
  a la cultura. Este tópico ha sido hermosamente
  ilustrado en un libro famoso en la literatura
  italiana del cinquecento, el Libro del cortegíano
  (El cortesano) de Baldassare Castiglione,
  publicado en 1528. El autor describe en detalle
  el comportamiento que generalmente se esperaba de
  un cortegiano, de un noble de la sociedad de la
  corte, y nos da una descripción muy interesante y
  completa de la vida y modales en la misma.
  Citaremos aquí unos párrafos relacionados con
  nuestra materia, extraídos de la traducción
  inglesa de este libro, hecha en 1561 por el noble
  inglés Sir Thomas Hoby. Al enumerar las prendas
  de una dama Castiglione habla de la danza y la
  música. Es decoroso para una dama, dice
• No utilizar pasos rápidos en su danza.
• No acostumbrarse a introducir en sus cantos o en
  la ejecución artificios o fantasías que reclaman
  más habilidad que dulzura.
• Acceder a bailar o a demostrar sus conocimientos
  musicales después de permitir que se pida y se
  la obligue a ello.

69
La música como alimento del espíritu.

• Castiglione, hombre muy del Renacimiento, indica
  también una razón muy importante del motivo por
  el cual la música practicaba tanto y tan
  hábilmente por los aficionados cultos de su
  época. Dice
• Y principalmente en la corte, donde (además del
  alivio a las penas que la música trae al hombre
  se consideran muchas cosas con las cuales
  complacer a la mujer, cuyos tiernos y suaves
  pechos son bien pronto traspasados por la dulce
  melodía. Por lo tanto no es de maravillarse que
  en los tiempos antiguos y actuales hayan tenido y
  tengan inclinación por los músicos y conceptuado
  la música como un adecuado alimento del espíritu.
• Se hace notorio en estos ejemplos el origen
  erótico del madrigal italiano y de toda la música
  italiana de cámara, cantada, ejecutada, bailada o
  representada teatralmente. La canción moderna y
  la música de cámara son, hasta cierto punto de
  carácter erótico, pero no en tan alto grado corno
  la música del Renacimiento italiano. Las mujeres
  (de la clase superior de la sociedad que vivían
  en una atmósfera artística de gran distinción se
  habían vuelto tan exigentes en sus gustos que un
  joven que intentara ganar el favor de su dama
  debía ser un músico experto y hábil un
  aficionado habría sido considerado ridículo en
  esa sociedad.

70
La Escuela veneciana.

• Aunque hasta el 1550 aproximadamente Roma fue el
  baluarte de la música eclesiástica holandesa en
  Italia, Venecia transformó esa polifonía
  holandesa en un estilo característicamente
  italiano. La música estrictamente lineal de los
  maestros holandeses, su semejanza con la
  arquitectura gótica, no era en modo alguno ni
  natural ni agradable para los músicos italianos.
  Estos aprendieron a la perfección de sus maestros
  holandeses la técnica del contrapunto, pero su
  sentido innato para la melodía, para el efecto
  pictórico, para la claridad de construcción, los
  llevó a agregar una melodía y un color
  típicamente italianos. En el caso de Palestrina
  en Roma observamos una combinación
  maravillosamente armoniosa del dibujo lineal y
  la sutileza de construcción holandeses con la
  belleza del sonido y el sentido melódico
  italiano, pero los compositores venecianos
  atacaron el problema de modo diferente. El centro
  de la actividad musical de Venecia había sido
  San Marcos. No estamos bien informados acerca de
  los maestros que había allí en el siglo xv en
  primera instancia encontramos con un nombre de
  gran celebridad el compositor holandés Adrián
  Willaert, que fue nombrado director principal de
  San Marcos, en 1527, La escuela veneciana, que
  sesenta años más tarde fuera universalmente
  reconocida en toda Europa, actuando como una
  especie de contrapeso del antiguo sistema
  holandés, data de esa época.

71
Especificidad del estilo veneciano.

• El estilo veneciano de composición está basado en
  la técnica holandesa de construcción, pero fueron
  añadidos nuevos rasgos que, hasta cierto punto,
  relegan al olvido la construcción lineal
  holandesa estrictamente contrapuntística,
  comparable a un dibujo en blanco y negro. Este
  dibujo lineal y el juego finalmente equilibrado
  de tres o cuatro voces separadas recibe entonces
  menos atención que el efecto acústico general.
  Los maestros venecianos están fascinados por el
  ideal de un sonido lleno, rico, brillantemente
  coloreado. Con sus experimentos tendientes a
  obtener esta calidad, dominaron con éxito
  sorprendente un nuevo arte de riquísimo colorido
  sonoro. No hay duda que el genio nativo de
  Venecia se había adentrado profundamente en esos
  sensibles artistas holandeses, Adrián Willaert y
  sus discípulos. Dondequiera que dirigieran la