Title: ESTHER L
140 PRINCIPALES
- ESTHER LÓPEZ ROMERO
- GRADO EN EDUCACIÓN PRIMARIA
2PINTORES
3LEONARDO DA VINCI
- Nació el 15 de abril de 1452 en el pueblo toscano
de Vinci, próximo a Florencia. En sus primeros
años recibió la más exquisita educación en
Florencia. Hacia 1466 acudió a formarse al taller
de Andrea del Verrocchio, figura principal de su
época en el campo de la pintura y escultura. Tuvo
la oportunidad de estudiar las bases de la
química, de la metalurgia, el trabajo del cuero y
del yeso, de la mecánica y de la carpintería, así
como de diversas técnicas artísticas como el
dibujo, la pintura y la escultura sobre mármol y
bronce. - En 1472 entró a formar parte del gremio de
pintores de Florencia, pero siguió siendo
ayudante de Verrocchio, en cuya obra Bautismo de
Cristo pintó el ángel arrodillado de la izquierda
y el paisaje de matices neblinosos. - Uno de sus primeros trabajos conocidos es el
Paisaje del valle del Arno o Paisaje de Santa
Maria della neve (1473), un dibujo hecho con
pluma y tinta. Así comenzó su carrera de pintor
con obras ya destacables como La Anunciación
(1472-1475). Otras obras de su etapa juvenil son
la Adoración de los Magos, Madonna Benois ,el
retrato de Ginebra de Benci, y el inacabado San
Jerónimo. - También destacó como ingeniero. En 1478 se
ofreció para levantar la iglesia octagonal de San
Juan de Florencia, y fue cuando se alejó de lado
de su maestro después de haberlo superado
brillantemente en todas las disciplinas. - En 1482 entró al servicio del duque de Milán como
ingeniero de sus numerosas empresas militares y
como arquitecto. Además, ayudó al matemático
italiano Luca Pacioli en su célebre obra De
Divina Proportione (1509) - La obra más importante del periodo milanés son
las dos versiones de la Virgen de las rocas,
donde aplica un esquema compositivo triangular
que encierra a la Virgen, el Niño, san Juan y el
ángel, y por otro lado, utiliza por primera vez
la técnica del sfumato. - De 1495 a 1497 trabajó en su obra maestra La
última cena, pintura mural para el refectorio del
monasterio de Santa Maria delle Grazie, Milán. Su
mayor encargo fue el monumento ecuestre en bronce
a tamaño colosal de Francesco Sforza. En 1503 en
Florencia, fue miembro de la comisión de artistas
encargados de decidir sobre el adecuado
emplazamiento del David de Miguel Ángel.
Durante su segundo periodo florentino, Leonardo
pintó varios retratos, pero el único que se ha
conservado es el de La Gioconda, uno de los más
famosos de toda la historia de la pintura,
también conocido como Mona Lisa. En 1507 hace la
segunda versión de la Virgen de las rocas y Santa
Ana, la Virgen y el Niño. En 1516 se trasladó a
Francia donde pasó sus últimos años en el
castillo de Cloux, cerca de Amboise, en el que
murió el 2 de mayo de 1519.
4- La Monalisa es una de las obras más importante de
Da Vinci y además el retrato que más literatura
ha generado a lo largo de toda la historia del
arte ha dado origen a cuentos, novelas, poemas y
hasta óperas. Fue una obra famosa desde el
momento de su creación. Su sonrisa ha hecho
correr ríos de tinta. Se ha visto en ella
crueldad y se le ha considerado la sonrisa
despiadada de la mujer que esclaviza al hombre.
Otros se han sentido deslumbrados por su encanto,
por su dulzura. Es considerada como un retrato de
Lisa Gherardini o, por el nombre de casada, Monna
Lisa del Giocondo. - Algunas de sus obras son
- Anciano pensativo
- La última cena
- La dama del armiño
LA MONALISA
5ROBERTO MATTA
- Nació en Santiago de Chile el día 11 de noviembre
de 1911. Cursó sus estudios universitarios en la
Escuela de Arquitectura de la Universidad
Católica de Chile, complementando sus estudios
con trabajos relacionados al arte, trabajó
incluso en la Revista Topaze, en esa epóca pintó
cuadros al óleo, casi todos extraviados, a
excepción del dedicado a su "nana" Mercedes. Su
elección por la arquitectura no fue casual, pues
era la disciplina "tradicional" más cercana al
arte. - Asistía a clases vespertinas de dibujo a mano
alzada en la Escuela de Bellas Artes. Ahí fue
alumno de Hernán Gazmuri, quien venía llegando de
Europa. - En Europa conoció a Breton quien estimuló al
artista chileno, valorando su trabajo e
introduciéndolo en el círculo de los principales
miembros del movimiento surrealista de París.
Matta produjo ilustraciones y artículos para el
periódico surrealista Minotaure. Durante este
período trabó amistad con prominentes artistas
contemporáneos europeos como Picasso y Marcel
Duchamp. - Un momento decisivo en su carrera artística se
produce en 1938 cuando pasa del dibujo a la
pintura en óleo, por la cual es muy famoso. Sus
primeras pinturas, entre las que destaca Invasión
nocturna, dieron una indicación de la ruta
artística tomada por el pintor. - El uso de patrones difusos de luz y gruesas
líneas encima de un fondo particular se
transformaría en uno de sus sellos
característicos. Durante las décadas siguientes
de los 40 y 50 su pintura reflejaría el
perturbador estado de la política internacional,
utilizando imágenes de máquinas eléctricas y
personas atormentadas. Al agregar arcilla a sus
obras desde los años 1960 en adelante, le agregó
dimensión a su distorsión. - Su trabajo agregó nuevas dimensiones a la pintura
contemporánea, pese a su ruptura con el
movimiento surrealista en 1947. Pese a que fue
readmitido en 1959, su fama ganada es
exclusivamente personal. Experimentó distintas
formas de expresión artísticas, incluyendo
producciones de videos como Système 88, la
fotografía y otros medios de expresión. - En 1990 recibió el Premio Nacional de Arte, en
1992 se le otorgó el Premio Príncipe de Asturias
de las Artes y en 1995 obtuvo el Praemium
Imperiale en la categoría de Pintura. Vivió
regularmente desde la década de 1960 en la ciudad
italiana de Civitavecchia, realizando viajes
esporádicos a su país. Fallecio el 23 de
noviembre de 2002.
6- El uso de patrones difusos de luz y gruesas
líneas encima de un fondo particular se
transformaría en uno de sus sellos
característicos. Durante las décadas siguientes
de los 40 y 50 su pintura reflejaría el
perturbador estado de la política internacional,
utilizando imágenes de máquinas eléctricas y
personas atormentadas. Al agregar arcilla a sus
obras desde los años 1960 en adelante, le agregó
dimensión a su distorsión. - Su trabajo agregó nuevas dimensiones a la pintura
contemporánea, pese a su ruptura con el
movimiento surrealista en 1947. Pese a que fue
readmitido en 1959, su fama ganada es
exclusivamente personal. Experimentó distintas
formas de expresión artísticas, incluyendo
producciones de videos como Système 88, la
fotografía y otros medios de expresión. - En 1990 recibió el Premio Nacional de Arte, en
1992 se le otorgó el Premio Príncipe de Asturias
de las Artes y en 1995 obtuvo el Praemium
Imperiale en la categoría de Pintura. Vivió
regularmente desde la década de 1960 en la ciudad
italiana de Civitavecchia, realizando viajes
esporádicos a su país. Fallecio el 23 de
noviembre de 2002. - - Otras de sus obras son
- Morfología psicológicas(1938-1939)
- El primer gol del pueblo
chileno (1971)
La vida Allende la muerte (1973)
7SALVADOR DALÍ
- Nació el 11 de mayo de 1904 en la comarca
catalana del Ampurdán, cerca de la frontera con
Francia. - Se alojó en la célebre Residencia de Estudiantes
de Madrid para comenzar sus estudios en la
Academia de San Fernando de Bellas Artes. Fueron
sus pinturas, en las que Dalí tanteaba el
cubismo, las que llamaron la atención de sus
compañeros de residencia, entre los que se
incluían futuras figuras del arte español, como
Lorca, Pepín Bello o Buñuel. La maestría de sus
recursos pictóricos se refleja en su
impecablemente realista "Cesta de pan", pintada
en 1926. Dalí absorbía las influencias de muchos
estilos artísticos, desde el academicismo clásico
a las vanguardias más rompedoras. Sus influencias
clásicas pasaban por Rafael, Bronzino, Zurbarán,
Vermeer, y Velázquez. Alternaba técnicas
tradicionales con sistemas contemporáneos, a
veces en una misma obra. Las exposiciones de su
obra realizadas en Barcelona en aquella época
atrajeron gran atención, en la que se mezclaban
las alabanzas y los debates suscitados por una
crítica dividida. - Conoció a su futura esposa Gala, una inmigrante
rusa, once años mayor que él. - En 1931, Dalí pintó una de sus obras más
célebres, "La persistencia de la memoria" (Los
relojes blandos), obra en la que según algunas
teorías ilustró su rechazo del tiempo como una
entidad rígida o determinista. Esta idea se ve
apoyada por otras imágenes de la obra, como el
extenso paisaje, o algunos relojes de bolsillo
devorados por insectos.28 Los insectos, por otra
parte, formarían parte del imaginario daliniano
como una entidad destructora natural. - La exposición de algunas obras de Dalí levantó un
enorme revuelo en Nueva York. En 1936 Dalí
participó en una exposición surrealista, esta vez
de índole internacional, celebrada en Londres. El
mecenas de Dalí era el muy adinerado Edward
James, que había colaborado generosamente al
ascenso del artista comprándole numerosas obras y
prestándole dinero durante dos años. Se
convirtieron en buenos amigos, tanto es así que
James aparece en la pintura de Dalí "Cisnes
reflejando elefantes". Colaboraron igualmente en
la creación de dos de los iconos más
representativos del movimiento el
teléfono-langosta y el sofá de los labios de Mae
West. - La posguerra abrió para Dalí una nueva etapa
artística, caracterizada por el virtuosismo
técnico y el recurso a ilusiones ópticas. Su
aproximación al catolicismo se fue haciendo más
marcada, influida quizás por la conmoción causada
por la bomba de Hiroshima y el amanecer de la era
nuclear. Su intención parecía ser la síntesis de
la iconografía cristiana con imágenes en
descomposición relacionadas con la física
nuclear, como se desprende de obras como
"Crucifixión (Corpus Hypercubus)". Bajo la
clasificación de "misticismo nuclear" se incluyen
también "La gare de Perpignan"(1965) y "El torero
alucinógeno"(1968-1970). En 1960, Dalí empezó a
trabajar en un teatro y museo personal,
levantados sobre su casa natal en Figueras.
8- Con 76 años, el estado de Dalí era lamentable, y
su mano sufría constantes temblores que
evidenciaban el progreso de la Enfermedad de
Parkinson. - Gala murió en 1982, y Dalí perdió su entusiasmo
por vivir. En 1988, Dalí fue ingresado a raíz de
un serio fallo cardíaco, y fue visitado por el
Rey Juan Carlos I, quien le confesó que siempre
había sido un fiel admirador de su obra. - El 23 de enero de 1989 murió a causa de una
parada cardiorrespiratoria en Figueras, con 84
años, y cerrando el círculo fue enterrado en la
cripta de Figueras, situada en su casa-museo.
Mural del Teatro en el Museo Dalí de Figueras
9VINCENT VAN GOGH
- Nació en Zundert Brabante Septentrional, el 30 de
marzo de 1853. En mayo de 1875 se fue a París,
donde creció su amor por el arte. - En 1873 se fue a Londres donde tuvo su primer
enamoramiento pero la chica le rechazó. En 1876
le aumentó su fanatismo religioso, probablemente
como un refugio a sus fracasos laborales y
amorosos. Se inscribió en la Academia de Bellas
Artes donde estudió dibujo y perspectiva. En esta
época realizó esbozos y dibujos basados en las
pinturas de Jean-François Millet, representando
personajes de campesinos y mineros, modelos de la
vida cotidiana, y pintándolos muy realistas y con
tonalidades oscuras.En La Haya, su primo, pintor
de acuarelas Anton Mauve, le dio buenos consejos
y le insistió en la importancia del aprendizaje
de la perspectiva y el dibujo. Vincent realizó
las primeras acuarelas y naturalezas muertas,
utilizando tonos apagados, como lo demuestra las
dos acuarelas Los pobres y el dinero (1882) y
Naturaleza muerta con col y zuecos (1881). - Recogió de la calle a Sien Hoornik, una
prostituta alcohólica, embarazada y con una hija,
con la que vivió durante un año tanto la madre
como la hija le sirvieron de modelo. Sien, por la
falta de recursos económicos, había vuelto a
ejercer la prostitución y esto, unido a la gran
presión que padecía Van Gogh por parte de su
familia, hizo que esto fracasara. Luego pintó
temas paisajistas en pintura al óleo y como
quería plasmar todos los detalles, realizó los
óleos con trazos gruesos y pinceladas espesas. - Coincidió con un amigo suyo Anthon van Rappard y
los dos juntos pintaron a los tejedores rurales.
En la pintura El tejedor en el telar, de 1884,
expresa la dureza y el esfuerzo de este oficio,
pero también la dignidad del personaje, aquí Van
Gogh demuestra la solidaridad y su identificación
con el protagonista. En 1884, surgió un nuevo
enamoramiento, ahora con Margot Begemann, diez
años mayor que Vincent, que le acompañaba en sus
salidas pictóricas por el campo. Pensaron casarse
pero la familia de ella se opuso y ella llegó a
intentar suicidarse. Pintó una de sus grandes
obras Los comedores de patatas. Hasta entonces
sus esfuerzos se habían centrado siempre en la
representación de una figura, en esta obra se
encontró con la dificultad de tener que coordinar
cinco personajes y conseguir relacionarlos. Para
ello contrató modelos, y realizó diversos esbozos
de dibujos de las figuras y estudios sobre
detalles. Los colores empleados de tonos terrosos
no contribuyeron a una fusión armoniosa con el
fondo. - El cuadro Naturaleza muerta con biblia, estuvo
pintada antes de su partida hacia Amberes. - Realizó tres retratos de Julien Tanguy, llamado
por todos los artistas Père Tanguy. También
dibujo cuatro pinturas sobre girasoles primero
con tres flores, después con cinco, hasta llegar
a la de los doce girasoles sobre un fondo azul, y
otro con quince girasoles sobre fondo amarillo. - Su amigo Gauguin y el pintaron juntos, además de
pintarse mutuamente, Gauguin pintó de perfil a
Van Gogh y éste pintó a Gauguin de espaldas.
10Con el paso de las semanas, la convivencia de los
dos artistas fue empeorando y en diciembre de
1888, Van Gogh y Gauguin tuvieron un altercado
que dio origen a una de las explicaciones que se
han dado acerca de la pérdida de parte de la
oreja Vicent. Al regresar a su casa Van Gogh
pintó el Autorretrato con oreja vendada,
mostrando toda la parte derecha de la cabeza con
una venda. Los últimos años fue recluido en
sanatorios mentales de forma voluntaria. Uno de
los primeros cuadros allí, fue Iris, donde
muestra una gran vitalidad rítmica y una gran
conjunción de colores. En esta época su pintura
se caracteriza por la presencia de remolinos,
como se puede observar en una de sus pinturas más
conocidas, La noche estrellada. Durante los
últimos treinta meses de vida llegó a realizar
500 obras y en sus últimos 69 días firmó hasta 79
cuadros. Su depresión empeoró y el 27 de julio de
1890, mientras paseaba por el campo, con un
revólver se disparó un tiro en el pecho. No se
dio cuenta de que su herida era mortal y volvió a
la pensión Ravoux, donde murió dos días
después. Otras de sus obras son La casa
amarilla (1888) Melocotonero en flor
(1888) Mujer en el Café de Tambourin (1887)
Acequia (1872-73), dibujo juvenil de Van Gogh (La
Haya).
11HENRI DE TOULOUSE-LAUTREC
- Nació en el castillo de Albi en el seno de una
familia de la nobleza. Su infancia fue feliz
hasta que, como consecuencia de la consanguinidad
de sus padres, Toulouse-Lautrec padeció una
enfermedad que afectaba al desarrollo de los
huesos y que comenzó a manifestarse en él en
1874, y que le impidío crecer más, alcanzando una
altura de 1,52 m. - Toulouse-Lautrec decidió ser pintor, y, con el
apoyo de su tío Charles y unos pintores amigos de
la familia, como Princetau, John Lewis Brown y
Jean-Louis Forain. En París fue alumno de Léon
Bonnat, que era un retratista de moda, y, cuando
se cerró el taller de Bonnat en septiembre de
1882, tuvo que buscar un nuevo maestro, Fernand
Cormon. En el estudio de Cormon se hizo amigo de
Vincent van Gogh. - Todo lo relacionado con la prostitución,
constituyó uno de los temas principales en sus
obras. En los bajos fondos de París pintaba a los
actores, bailarines, burgueses y prostitutas. A
éstas las pintaba mientras se cambiaban, cuando
acababan cada servicio o cuando esperaban una
inspección médica. - Al contrario que los artistas impresionistas,
apenas le interesó el género del paisaje, y
prefirió ambientes cerrados, iluminados con luz
artificial, que le permitían jugar con los
colores y encuadres de forma subjetiva. Fue
reconocido, si bien su popularidad radicó en sus
ilustraciones para revistas y carteles
publicitarios de locales más que en la pintura al
óleo. - Tuvo grandes amigos como la bailarina Jane Avril,
a la cual dedicó varios cuadros, Valentín el
descoyuntado, payasos y demás personajes de las
fiestas y espectáculos por los suburbios. Este
mundillo de vicio y extravagancia fue un refugio
para Lautrec, quien se sentía rechazado por la
nobleza a la que pertenecía por origen. Criticaba
a todos aquellos que reflejaban paisajes en sus
cuadros, ya que él opinaba que lo que
verdaderamente valía la pena eran las personas,
el pueblo. Se consideraba a sí mismo un cronista
social y se mezcló, pintó y fue como el pueblo. - En la década de los 90 viajó hasta Londres donde
conoció y retrató a Oscar Wilde. - El alcoholismo deterioró su salud. Y a partir de
1897 padeció manías, depresiones y neurosis,
además de ataques de parálisis en las piernas y
en un costado, hasta que en 1899 lo internaron en
un sanatorio mental. Allí realizó una colección
de pinturas sobre el circo. - Le dejaron ir a casa de su madre en las
posesiones de ésta cerca de Burdeos, y el 9 de
septiembre de 1901 murió postrado en su cama.
12- Otras de sus obras son
- El joven Routy en Céleyran (óleo sobre tela,
1882) - La gorda Marie (óleo sobre tela, 1884)
- Retrato de Vincent van Gogh (pastel sobre
cartón, 1887)
Baile en el Moulin Rouge (óleo sobre tela, 1890)
13EDVARD MUNCH
- Nació el 12 de diciembre de 1863 en Löten,
Noruega. En el año 1879 comienza la carrera de
ingeniería pero unos años mas tarde lo deja para
empezar su carrera artística que le abrió el
camino al desarrollo del expresionismo, hasta que
en el año 1881 vende dos cuadros y pinta su
primer autorretrato. Christian Krohg, una figura
importante en la redacción de la constitución de
1814 fue un maestro esencial para Munch.
Participó por primera vez en la exposición de
otoño de Oslo donde estableció relaciones con el
circulo de literatos y artistas de Cristiania. - En 1885 participó en la Feria Mundial de Amberes.
Tras una primera influencia de la pintura
impresionista y postimpresionista comienza a
pintar tres de sus obras capitales El día
siguiente, Pubertad y La niña enferma la cual
causa un escándalo en la Exposición de Otoño de
Oslo en el año 1886. - No tardó en crear un estilo sumamente personal,
basado en acentuar la fuerza expresiva de la
línea, reducir las formas a su expresión más
esquemática y hacer un uso simbólico, no
naturalista, del color, y de ahí su clasificación
como pintor simbolista. En su primera exposición
individual con 110 cuadros en Oslo hizo que una
parte del público lo aclamara con entusiasmo. En
el año 1890 la influencia del Neoimpresionismo en
sus obras fue muy notoria. Ese mismo año recibe
su segunda beca estatal. Un año mas tarde comenzó
a desarrollar los motivos del Friso de la vida
ciclo pictórico que incluye muchas de sus obras
más conocidas que en su conjunto pretenden dar
una visión unitaria de la vida, dibuja
ampliamente las memorias personales de Munch. Su
exposición en Berlín tuvo que ser retirada por el
escándalo que suscitó y que dio pie a la creación
de la Secesión Berlinesa, asociación de artistas
dirigida por el gobierno conservador de Berlín.
En 1893 entabla relaciones con la tertulia del
Cochinillo negro lugar frecuentado por los
artistas de la época. Ese mismo año pinta El
grito una de las obras más importantes de Munch,
que refleja la enfermedad, la muerte y la
obsesión religiosa que llenaron su infancia y su
juventud como la gran mayoría de sus obras. - Llega a un estilo completamente nuevo que Munch
desarrollaría en el Friso de la Vida en que
destacaríamos cuadros como Pubertad, que refleja
por primera vez una asociación entre miedo y
sexualidad Melancolía, serie sobre la plenitud y
el fin del amor al igual que Celos. Munch termina
con estos ciclos del Friso de la Vida en el año
1900 y empieza a exponerlos en 1902 y en 1905 en
Praga, intenta plasmar un terreno más
tradicional. Retratos, paisajes y pinturas de
estudio le preocupan cada vez más. - En 1903 realiza su primera exposición en la
Galería Cassirer en Berlín, un año mas tarde cede
los derechos de venta en Alemania a Cassirer de
grabados y a la Galería Cometer de Hamburgo de
óleos con varias exposiciones y toma parte en el
Salon des Indépendants. Este periodo de tiempo
fue cuando Munch empezó a alcanzar su éxito como
artista, realiza numerosas exposiciones como en
Copenhague y en la Galería Cassirer, también La
Academia de Bellas Artes de Weimar pone un
estudio a su disposición. En 1918 publica un
panfleto del Friso de la vida en el que incluye
sus obras maestras.
14- Los siguientes años Munch decide retirarse un
poco, recibe numerosos honores con ocasiones de
su septuagésimo aniversario ya que una enfermedad
de los ojos en el año 1930 le hace casi imposible
trabajar. Tuvo una mala época como pintor ya que
el gobierno nacionalsocialista confiscó 82
cuadros suyos de los museos alemanes. Sus
pinturas fueron consideradas como degeneradas, ya
que la mayoría plasmaban la muerte o temas que en
aquella época resultaban muy polémicos. En 1940
con la invasión del régimen Nazi a Noruega le
retiraron muchos de sus cuadros de las galerías
de arte porque pensaban que escandalizaban a sus
visitantes. - Durante la segunda Guerra Mundial Munch se hace
mundialmente conocido y expone por primera vez
sus cuadros en los Estados Unidos de América. Con
motivo de su 80 cumpleaños es objeto de grandes
homenajes. - El 23 de enero de 1944 muere en Noruega como
había vivido completamente solo. - Sus principales obras son
- El Grito (1893)
- Muchachas en el Muelle (1899)
- Pubertad (1894-1895)
Melancolía,1894-95
15ÉDOUARD MANET
- Nació en París el 23 de enero de 1832, en una
familia acomodada. Hacia 1850, decide dedicarse
al arte y pasa casi seis años como alumno de
Thomas Couture, del que aprendió que para ser un
gran maestro hay que escuchar las enseñanzas de
los que lo han sido en el pasado. Desde 1853
hasta 1856 Manet se dedicó a viajar por Italia,
los Países Bajos, Alemania y Austria, copiando a
los grandes maestros. - El 28 de octubre de 1863 contrajo matrimonio con
la pianista holandesa Suzanne Leenhoff. En agosto
de 1865 emprendió un viaje por España, organizado
por su amigo Zacharie Astruc, en el que descubrió
la pintura barroca española, en particular a
Velázquez, que tendrá una enorme influencia en su
obra. - En 1867 empezó a trabajar en una serie de
pinturas de contenido político, que reflejaban la
ejecución del emperador Maximiliano I de México,
entre ellas una litografía que fue prohibida por
la censura a causa de las ideas republicanas del
pintor. Otra de las pinturas de esta serie fue
presentada al Salón en 1869 a pesar de la
negativa a exponer el cuadro, Manet, que
continuaba buscando para su pintura el
reconocimiento oficial, no retiró del certamen
otra de sus obras, El balcón, que sí había sido
admitida. - Manet empezó a adoptar las técnicas
impresionistas si bien rehusará participar en las
exposiciones colectivas. En cambio, organiza una
exposición de sus obras en su propio taller de la
parisina calle de St. Petersboug, que gozó de
bastante popularidad. - Hacia 1880, su salud empezó a deteriorarse a
causa de un problema circulatorio crónico, que no
mejoró a pesar de someterse a tratamientos de
hidroterapia en Bellevue. En esta época fue
reconocido su talento con una medalla de segunda
clase concedida por el Salón, y fue nombrado
también Caballero de la Legión de Honor. - El 20 de abril de 1883, a causa de su enfermedad,
le fue amputada la pierna izquierda y diez días
más tarde falleció a los 51 años de edad. - En febrero de 1884 se pusieron a la venta todas
las obras de su taller en el Hôtel Drouot a la
venta acudieron los pintores impresionistas, que
adquirieron muchas de las obras se vendieron 159
cuadros por un total de 116.637 francos, quedando
Olympia entre las obras que no fueron compradas.
16- Algunas de sus obras son
- Olympia
- El pífano (Le Joueur de fifre)
- Retrato de Émile Zola
Le déjeuner sur l'herbe (El desayuno sobre la
hierba), 1863
17DIEGO VELÁZQUEZ
- Nació en Sevilla en 1599. Entre 1611 y 1617
trabajó como aprendiz en el taller del que sería
su futuro suegro, Pacheco. Durante sus años de
aprendizaje, Velázquez aprendió el naturalismo
tenebrista imperante en su época, derivado del
realismo italiano y del flamenco.
Las obras más tempranas de Velázquez, realizadas
entre los años 1617 y 1623, pueden dividirse en
tres categorías el bodegón, retratos y escenas
religiosas. Muchas de sus primeras obras tienen
un marcado acento naturalista, como La comida,
que puede considerarse como la primera obra
independiente del maestro. - Fue también un pintor conocido en los círculos
intelectuales de Sevilla, uno de los cuales, la
Academia de Artes, fue dirigida de manera
informal por Pacheco. Pintó un retrato del rey
Felipe IV (1623) y el monarca le nombró su pintor
de cámara. Este lienzo fue el primero de una
serie de retratos soberbios y directos, no sólo
del rey, sino también de la familia real y otros
miembros de la corte, ya que, realmente, su
principal ocupación en la corte era la de
retratar, aunque también abordó temas
mitológicos, como El triunfo de Baco,
popularmente llamado Los borrachos (1628-1629).
Esta escena de bacanal en un paisaje abierto, en
la que el dios del vino bebe junto a los
borrachos, atestigua el interés del artista por
el realismo. - Estudió de cerca el arte del renacimiento y de la
pintura italiana de su tiempo. Algunas de las
obras realizadas durante sus viajes dan muestra
de la asimilación de estos estilos un ejemplo
representativo es su La túnica de José (1639) y
La fragua de Vulcano (1630), que combinan los
efectos escultóricos miguelangelescos con el
claroscuro de maestros italianos tales como
Guercino y Giovanni Lanfranco. - En 1634 llevó a cabo el programa decorativo del
Salón de Reinos en el nuevo palacio del Buen
Retiro. Constaba de 12 escenas de batallas, junto
a retratos ecuestres en los que las tropas
españolas habían resultado victoriosas y incluyó
en este ciclo de batallas el cuadro titulado Las
lanzas o La rendición de Breda (1634), que
retrata al comandante genovés Spínola, después de
sitiar las ciudades del norte en el año 1625,
recibiendo las llaves de la ciudad de manos del
gobernador. La delicadeza en la asombrosa manera
de ejecución la convierte en una de las
composiciones históricas más célebres del arte
barroco español. - Perteneciente a la década de los últimos años de
1630 y principios de 1640 son los famosos
retratos de enanos de corte que reflejan el
respeto y la simpatía con que eran tratados en
palacio. Velázquez pintó pocos cuadros
religiosos, entre ellos destacan el Crucificado,
La coronación de la Virgen y San Antonio Abad y
san Pablo primer ermitaño. - Durante su estancia en Roma (1649-1650) pintó el
magnífico retrato de Juan de Pareja, así como el
inquietante y profundo retrato del papa Inocencio
X. Al poco tiempo fue admitido como miembro en la
Academia de San Lucas de Roma. Su elegante Venus
del espejo data probablemente de esta época.
18- Las obras clave de las dos últimas décadas de la
vida de Velázquez son Las hilanderas o La fábula
de Aracne, composición sofisticada de compleja
simbología mitológica, y una de las obras
maestras de la pintura española, Las Meninas o La
familia de Felipe IV (1656) que constituye un
imponente retrato de grupo de la familia real con
el propio artista incluido en la escena.
Velázquez continuó trabajando para el rey Felipe
IV, como pintor, cortesano y fiel amigo hasta su
muerte, acaecida en Madrid el 6 de agosto de
1660. Su obra fue conocida y ejerció una
importante influencia en el siglo XIX, cuando el
Museo del Prado la expuso en sus salas.
El triunfo de Baco, conocida como los borrachos
(1628-29)
19PABLO PICASSO
- Nació en Málaga el 25 de octubre de 1881. A los
quince años aprobó con brillantez los exámenes de
ingreso en la Escuela de Bellas Artes de
Barcelona, con su gran lienzo Ciencia y caridad,
que representa, dentro aún de la corriente
academicista, a un médico, una monja y un niño
junto a la cama de una mujer enferma ganó una
medalla de oro. - Los temas de la obra de Edgar Degas y
Toulouse-Lautrec ejercieron una gran influencia
sobre Picasso. El cuadro Habitación azul refleja
el trabajo de ambos pintores y su evolución hacia
el periodo azul, así llamado por el predominio de
los tonos azules en las obras que realizó durante
estos años. En ellas reflejará la miseria humana,
con trabajadores extenuados, mendigos,
alcohólicos y prostitutas, representados con
cuerpos y formas ligeramente alargadas,
recordando el estilo de El Greco. - Conoce a su primera compañera, Fernande Olivier,
y cambió su paleta hacia tonos rosas y rojos. Sus
temas se centraron en el mundo del circo creando
obras como Familia de acróbatas. - En 1906, el célebre retrato de Gertrude Stein
revela un tratamiento del rostro en forma de
áscara. La obra clave de este periodo es Las
señoritas de Avignon, tan radical en su estilo
que no fue entendido por los críticos y pintores
vanguardistas de aquel momento. Frente a la
pintura tradicional, rompe en esta obra con la
profundidad espacial y la forma de representación
ideal del desnudo femenino, reestructurándolo por
medio de líneas y planos cortantes y angulosos. - Inspirados por el tratamiento volumétrico de las
formas pictóricas de Cézanne, Picasso y Braque
pintaron una serie de paisajes dentro de un
estilo que un crítico describió después como si
hubieran sido hechos a base de pequeños cubos,
imponiéndose así el término cubismo. Los temas
favoritos de Picasso fueron los instrumentos
musicales, las naturalezas muertas y sus amigos,
entre los que destaca el retrato de uno de sus
marchantes. En 1912 realiza su primer collage,
Naturaleza muerta con silla de paja, combinando
pasta de papel y un trozo de hule sobre un lienzo
pintado sólo en algunas zonas, que representa un
vaso, un periódico, una pipa, una ostra y un
limón. - Dos obras de 1915 demuestran la simultaneidad de
estilos que utilizó Arlequín (1923) es un cuadro
cubista sintético, mientras que un dibujo de su
marchante, Vollard, está realizado dentro de lo
que se conoce como estilo ingrista..
Durante la I Guerra Mundial conoció a la
bailarina Olga Koklova, con la que se casó poco
después. Dentro de un estilo realista,
figurativo, en torno a 1917 Picasso la retrató en
varias ocasiones, al igual que a su único hijo
legítimo, Pablo y a sus numerosos amigos. A
comienzos de la década de 1920 pintó una serie de
cuadros con figuras robustas, pesadas,
escultóricas, como por ejemplo Tres mujeres en la
fuente y obras inspiradas en la mitología, como
Las flautas de pan. - Al mismo tiempo creó también extraños cuadros de
bañistas inflados e informes, con cabezas muy
pequeñas y grandes cuerpos, así como retratos de
mujeres en actitudes violentas, convulsas,
indicando a menudo con ellas sus propias
tensiones vitales.
20- Aunque siempre declaró que no era surrealista, en
muchos de sus cuadros se pueden apreciar
cualidades y características propias de este
movimiento artístico, como en Mujer durmiendo en
un sillón y Bañista sentada. - Varios cuadros cubistas de 1930 reflejan el
placer y la pasión de Picasso por su nuevo amor,
Marie Thérèse Walter, con la que tuvo a su hija
Maya en 1935. Fue la modelo del famoso cuadro
Muchacha ante el espejo. En 1935 Picasso llevó a
cabo la serie de grabados Minotauromaquia,
trabajo en el que mezcla los temas del minotauro
y las corridas de toros en esta obra, tanto la
figura del toro como la del caballo destripado
anuncian las imágenes del Guernica, el gran mural
considerado por la mayoría como una de las obras
artísticas individuales más importante del siglo
XX. - El estallido y posterior desarrollo de la
II Guerra Mundial contribuyeron a que la paleta
de Picasso se oscureciera y a que la muerte fuera
el tema más frecuente en la mayor parte de sus
obras, por ejemplo, en Bodegón con calavera de
buey y en El osario. Conoce a la pintora
Françoise Gilot, con la que tendrá dos hijos,
Paloma y Claude ambos aparecerán retratados en
numerosas obras que recuperan los primeros
estilos de Picasso. Su última compañera
sentimental fue Jacqueline Roque, a la que
conoció en 1953 y con la que se casó en 1961.
También pintó su imagen en bastantes ocasiones,
como en Jacqueline sentada. Desde entonces
residió casi siempre en el sur de Francia. - Muchos de los últimos cuadros de Picasso están
basados en las obras de los grandes maestros del
pasado como Velázquez, Courbet, Delacroix y
Manet. - Hizo también importantes esculturas El hombre
del carnero, un bronce a tamaño natural, y La
cabra, también en bronce, obra de enorme fuerza.
A lo largo de toda su vida la obra de Picasso se
expuso en innumerables ocasiones. La más inusual
de ellas fue la que le dedicó el Louvre en 1971
con motivo del 90 cumpleaños del artista hasta
entonces nunca se había expuesto en el museo
parisino la obra de ningún artista vivo. Picasso
murió el 3 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie. -
Autorretrato (1906) Algunas de sus obras
son Casagemas muerto (1901)
Guernica Las señoritas de Avignon
21BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO
- Nació en 1617 en la ciudad de Sevilla. Se formó
en el taller de su pariente Juan del Castillo,
respetado artista en Sevilla, donde pronto
comenzó a destacar de entre sus discípulos. A los
14 años de edad pintaba pequeños cuadros, o bien
hacía dibujos para las comunidades religiosas. - A los 22 años decidió establecer un taller de
pintura barata que le permitía vender cuadros
sobre todo en las ferias de los pueblos, pero a
pesar de que se vendían bien, esto no terminaba
de satisfacer al artista, tanto es así que tras
conocer copias de Antoon van Dyck, traídas a
Sevilla por Pedro Moya, surgió en él un fuerte
deseo de perfeccionar su pintura. Conoció bien la
pintura flamenca. Su pintura recogió asuntos de
sentido social y de estética naturalista en sus
grandes temas, como los niños mendigos o las
escenas de la infancia de Cristo. También cultivó
una pintura suave de gusto burgués y
aristocrático, como demuestran sus obras
religiosas. - En 1645 pintó trece lienzos para el claustro de
San Francisco el Grande de Sevilla. Se casó ese
mismo año con Beatriz Cabrera, con la que tendrá
nueve hijos. Empezará a especializarse en los dos
temas que más fama le han proporcionado, las
vírgenes con niño y las Inmaculadas. - En 1660 intervino en la fundación de la Academia
de Pintura, cuya dirección compartió con Herrera
el Mozo. Recibió importantes encargos, como el
retablo del Monasterio de San Agustín los
cuadros para Santa María la Blanca, concluidos en
1665 las pinturas para el retablo mayor y los
altares de las capillas laterales de la Iglesia
del Convento de Capuchinos de Sevilla, uno de sus
más importantes conjuntos pictórico, y Santo
Tomás de Villanueva repartiendo limosna también
para los capuchinos de Sevilla o los cuadros
sobre las obras de misericordia para el Hospital
de la Caridad. Murillo destacó también como
creador de tipos femeninos e infantiles del
candor de La muchacha con flores al realismo vivo
y directo de sus niños de la calle, pilluelos y
mendigos, que constituyen un prodigioso estudio
de la vida popular. Después de una serie dedicada
a la Parábola del hijo pródigo, se le encomendó
la decoración de la iglesia del convento de los
capuchinos de Cádiz, de la que sólo concluyó los
Desposorios de santa Catalina, ya que falleció
mientras trabajaba en ella, a consecuencia de una
grave caída desde un andamio, aunque no en el
acto, ya que sobrevivió al accidente unos meses
más. - A petición del propio pintor, el día 4 de abril
de 1682 (un día después de su muerte) fue
enterrado en la primitiva Iglesia de Santa Cruz,
iglesia que desapareció durante la ocupación
francesa y aunque más tarde volvería a ser
levantada una nueva, el solar de la antigua es
ocupado hoy día por la Plaza de Santa Cruz, bajo
la cual, y en lugar ignorado, descansan los
restos de Bartolomé Esteban Murillo.
22- Algunas de sus obras son
- La Virgen del Rosario
- Mujeres en la ventana
- La Anunciación
El mendigo o Joven mendigo (1650)
23CLAUDE MONET
- Nació en París el 14 de noviembre de 1840, aunque
pasó la mayor parte de su niñez en El Havre,
donde estudió dibujo en su adolescencia y pintó
marinas al aire libre con Eugène Louis Boudin.
Hacia 1859 había decidido comenzar su carrera de
artista y para ello pasaba largas temporadas en
París. En 1860 se le asoció con el pintor
pre-impresionista Édouard Manet y con otros
pintores franceses que más tarde formarían la
escuela impresionista Camille Pissarro, Pierre
Auguste Renoir y Alfred Sisley. - Pintaba, trabajando al aire libre, paisajes y
escenas de la sociedad burguesa contemporánea, y
así comenzó a tener éxito en las exposiciones
oficiales. Pero a medida que su estilo
evolucionaba, comenzó un proceso de trasgresión
de los convencionalismos artísticos tradicionales
en beneficio de una expresión artística más
directa. Sus experimentos al aire libre se hacían
cada vez más audaces, buscando plasmar la luz del
día por medio de la aplicación libre de colores
brillantes. De este modo, deliberadamente le dio
la espalda a la posibilidad de una brillante
carrera como pintor convencional en la línea del
arte oficial. - En 1874 Monet y sus colegas decidieron organizar
sus propias exposiciones, denominandose a sí
mismos independientes. Las composiciones de Monet
de este periodo poseen una estructura bastante
libre, aplicando el color con cortas y vigorosas
pinceladas. Esta técnica viene determinada por la
espontaneidad e inmediatez que exige la pintura
al aire libre a la hora de captar una impresión
de la naturaleza. - Para poder pintar sobre el agua, acondicionó su
estudio sobre una barca, como constató Manet en
el cuadro titulado Claude Monet en su estudio
flotante. De esta forma realizó la magnífica
serie de regatas en el Sena, que marcó su
vocación definitiva de pintor de la luz y la
atmósfera en sus aspectos más fugaces. - A mediados de 1880 Monet, considerado el
dirigente de la escuela impresionista, había
alcanzado un reconocimiento importante y una
buena posición económica. A pesar de la audacia
de su colorido y de la extrema simplicidad de sus
composiciones, se le valoró como un maestro de la
observación meticulosa, un artista que no
sacrificó ni las complejidades reales de la
naturaleza ni la intensidad de sus propios
sentimientos. - En 1906 comenzó a pintar las series del estanque
con nenúfares que están expuestas en la Orangerie
de París, en el Instituto de Arte de Chicago y en
el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Durante
estos años también trabajó en otras series de
pinturas, grupos de obras que representan el
mismo tema representando las diferentes luces de
las horas del día o en las distintas estaciones
del año. Monet afirmó en reiteradas ocasiones que
estas series perdían por completo su significado
si los lienzos que las componían se contemplaban
por separado, y que era necesario admirar varias
versiones, diversas y complementarias, de cada
una de ellas.
24- Monet continuó pintando, a pesar de que la vista
le fallaba, casi hasta el momento de su muerte,
ocurrida el 5 de diciembre de 1926 en Giverny.
Las obras realizadas en sus últimos años
supusieron una evolución peculiar de su arte, del
que la serie titulada Ninfeas constituye la
culminación. La figura humana es abandonada y la
naturaleza se recrea con una visión distorsionada
por la enfermedad, dando como resultado obras de
gran formato con un estilo más suelto y un
aspecto abstracto de extraordinaria intensidad
pictórica. - La obra de Claude Monet no sólo domina el
impresionismo sino que se adelanta a las
corrientes más vanguardistas de la primera mitad
del siglo XX. Su importancia ha sido decisiva en
el desarrollo de la abstracción lírica, y su
influencia poderosa en artistas como Kandinsky o
el francés Jean Fautrier. - Algunas de sus obras son
- El Desayuno (1865/1866)
- Mujeres en el jardín (1866)
- La playa de Trouville (1870)
Camille con vestido verde (1866)
25TIZIANO
- Nació en Pieve di Cadore, al norte de Venecia, en
1477. - Realiza en 1511 los frescos de los Milagros de
san Antonio para la Scuola del Santo. Estas
narraciones demuestran su capacidad para dotar a
las figuras de un sentimiento de aflicción
convincente, de vida impulsiva, al tiempo que
ordena los hechos con realismo en el marco de
paisajes de gran viveza. Tiziano poco a poco
enriqueció el idílico estilo de Giorgione. Los
cuerpos y los objetos adquieren progresivamente
una sensual densidad y esplendor, los paisajes se
vuelven más resonantes, la gama cromática gana en
intensidad y profundidad pero también en armonía
como se observa en Las tres edades del hombre y
Amor divino y amor profano. El proceso culminó en
las bacanales que Tiziano pintó para el duque
Alfonso dEste en una estancia de su palacio de
Ferrara entre 1518 y 1522. Estas obras se
consideran las más famosas e influyentes del
renacimiento. - Las dinámicas vibraciones de estas piezas tienen
su paralelo en su obra de temática religiosa
correspondiente al mismo periodo, una de las más
importantes la Asunción de la Virgen (1516-1518)
sobre el altar de Santa María dei Frari en
Venecia, que destaca por la maestría en la
composición y movimientos de un nutrido número de
personajes tratados con un sorprendente sentido
de la monumentalidad. Destaca también su fuerte
colorido y luz dorada. Al destaparse la obra
causó una gran sensación. La misma tónica de
monumentalidad se observa en la Virgen de Pésaro
(1519-1526) del mismo templo, donde Tiziano
realiza un cambio crucial en el modelo
renacentista de sacra conversazione, situando a
la Virgen, tradicionalmente colocada en el centro
de la composición, en la parte derecha del
cuadro, y pintando tras ella dos enormes columnas
en perspectiva que se elevan más allá del espacio
pictórico. Este nuevo esquema abrió el camino del
estilo barroco por su sentido de movimiento y de
infinito. La más dinámica de las obras de Tiziano
de este periodo fue la colosal Muerte de san
Pedro mártir (1530, destruida), en donde la
acción violenta encuentra eco en la convulsión de
los árboles y del cielo. - Sus obras de 1530 están traspasadas por una
relativa serenidad, sutileza y refinamiento
cromático, como se observa en su Venus de Urbino
(1538-1539). Un nuevo ímpetu de energía se plasma
en La batalla de Cadore y en tres grandiosas
pinturas de techos (1543-1544), en las que
escorzos violentos y figuras titánicas indican el
conocimiento del estilo manierista por parte del
pintor. Tiziano es un retratista de primera
calidad. En 1516 había sido nombrado pintor
oficial de la República veneciana, y trabajó
después en las cortes de Ferrara y Mantua. En
1530 y 1540 viajó a Bolonia para realizar los
retratos del emperador Carlos V y del papa Pablo
III. - Tiziano crea como retratista un tipo de
descripción solemne y opulenta, realizando una
síntesis entre la captación de la psicología y
temperamento del personaje y la atención a los
detalles de vestuario y al escenario, que definen
a su vez la categoría social de la persona
retratada.
26- Entre sus numerosos retratos cabe destacar el del
Caballero del guante, el famoso Autorretrato
(1560-1566), Carlos V en la batalla de Mühlberg
(1548), los dos de Felipe II, La emperatriz
Isabel de Portugal (1548), y el del Marqués del
Vasto arengando a sus tropas. - A partir de 1550 su estilo cambia. Sus obras
pierden de forma gradual solidez, diluyéndose
parcialmente en vagas texturas y pinceladas
vibrantes, a la vez que el color se hace más
intenso, como en La ninfa con el pastor y El
rapto de Europa. El punto culminante se alcanza
en la violenta Muerte de Acteón, con su tonalidad
broncínea y texturas espejeantes. De mayor
profundidad es Marsias desollado. Dentro del
capítulo de la fábula pagana llevada a sus
máximos extremos de sensualidad y magnífica
interpretación del desnudo femenino tenemos Danae
recibiendo la lluvia de oro, uno de los más
hermosos desnudos salidos de su pincel Venus y
Adonis, y Venus y la música, pintadas en la
década de 1540 por encargo de Felipe II. - Estas obras son contemporáneas de una serie de
pinturas religiosas en las que se observa la
misma disolución progresiva de las formas a
través del color y la luz. En escenarios
nocturnos, destacan La Anunciación (1560-1565) y
La coronación de espinas. - Tiziano murió en Venecia en 1576. Su obra
proporcionó una alternativa poderosa y atractiva.
Por derecho propio, la obra de Tiziano se
considera en la cima de los logros y éxitos en el
campo de las artes visuales.
La Asunción de la Virgen de Santa María dei Frari
(1516-18)
27PAUL CÉZANNE
- Nació el 19 de enero de 1839 en la ciudad de
Aix-en-Provence, en el sur de Francia. Su padre
era un banquero acaudalado. Fue amigo de infancia
de Zola y, al igual que éste, manifestó interés
por el arte desde muy joven para disgusto de su
padre. En 1862, después de una serie de
encarnizadas discusiones familiares, el aspirante
a artista recibió una pequeña asignación y fue
enviado a estudiar arte a París, hacia donde ya
había partido Zola. Cézanne se sintió de
inmediato atraído por los elementos más radicales
del mundo artístico parisino. Admiraba sobre todo
al pintor romántico Delacroix y, entre los
artistas más jóvenes, a Courbet y a Manet. - Muchas de sus primeras obras estaban pintadas con
pigmentos espesos y en tonos oscuros que
recordaban al expresionismo romántico y
melancólico de generaciones anteriores. Manifestó
un interés progresivo por la representación de la
vida contemporánea, quería pintar el mundo tal y
como se presentaba ante sus ojos, sin preocuparse
de idealizaciones temáticas o afectación en el
estilo. La influencia más significativa en los
comienzos de su madurez artística fue la de
Pissarro que le enseñó a plasmar los efectos de
la luz natural mediante una nueva técnica ideada
por los impresionistas. Junto con Claude Monet,
Auguste Renoir y unos pocos pintores más,
Pissarro había desarrollado un estilo para
trabajar al aire libre de forma rápida y a escala
reducida, que consistía en utilizar pequeños
toques de colores puros, sin recurrir a bocetos
preliminares ni a dibujos, para atrapar los
efectos lumínicos fugaces y su interpretación
visual, también efímera, de la naturaleza. - Cézanne pasó de los tonos oscuros a los colores
brillantes y comenzó a concentrarse en escenas de
la vida rural. - Aunque parecía poseer menos dominio técnico que
los otros impresionistas, Cézanne fue aceptado
dentro del grupo y expuso con ellos en 1874 y
1877. En general los impresionistas contaban con
un éxito comercial limitado, y las obras de
Cézanne tuvieron la acogida más desfavorable por
parte de la crítica. Se distanció de muchos de
sus contactos parisinos a finales de 1870 y en
1880 pasó gran parte del tiempo en su
Aix-en-Provence natal. A partir de 1882 dejó de
trabajar en estrecha relación con Pissarro. En
1886 creyó ver referencias a sus fracasos en una
novela de Zola y rompió sus relaciones con él.
Ese mismo año heredó la fortuna de su padre y con
47 años, consiguió la independencia económica. - El aislamiento y la concentración podrían ser los
responsables de la increíble evolución que
experimentó su estilo en 1880 y 1890. Fue
simplificando de modo gradual la aplicación de la
pintura hasta el punto de que parecía lograr
expresar el volumen con sólo unas cuantas
pinceladas de color yuxtapuestas. Más adelante
los expertos llegarían a afirmar que Cézanne
había descubierto un modo de representar tanto la
luz como las formas de la naturaleza simplemente
mediante el color. Parecía reintroducir una
estructura formal que los impresionistas habían
abandonado, sin sacrificar por ello la sensación
y vivacidad lumínica lograda por ellos. Cézanne
hablaba de modular el color en lugar de modelar
el claroscuro de la pintura tradicional. Para el
la solución a todos los problemas técnicos del
impresionismo radicaba en utilizar el color de un
modo más ordenado y expresivo que el de sus
compañeros impresionistas.
28- Cézanne consideraba que nunca llegaba a alcanzar
plenamente su objetivo, por lo que dejó la mayor
parte de sus obras sin acabar y destruyó muchas
otras. Se lamentaba de su fracaso a la hora de
representar la figura humana y, efectivamente,
las grandes obras con figuras humanas de sus
últimos años, como Bañistas, revelan unas
distorsiones curiosas que parecen dictadas por el
rigor del sistema de modulación cromática que él
mismo impuso sobre sus propias representaciones.
La generación posterior de pintores llegó a
aceptar prácticamente todas las rarezas de
Cézanne. Dicha generación creía que ya se habían
superado los objetivos naturalistas del
impresionismo y que era necesario un estilo nuevo
y original, sin reparar en la dificultad, para
poder devolver al arte moderno sinceridad y
compromiso. - Durante muchos años la obra de Cézanne sólo fue
conocida por sus antiguos colegas impresionistas
y por unos cuantos artistas jóvenes radicales de
la línea del postimpresionismo. Sin embargo, en
1895 Ambroise Vollard, ambicioso marchante
parisino, organizó una exposición de sus obras y
las promocionó con gran éxito durante los años
siguientes. Hacia 1904, Cézanne alcanzó la
consagración en uno de los grandes salones
oficiales de pintura y cuando murió (en su ciudad
natal, el 22 de octubre de 1906) había logrado un
prestigio considerable. Muchos pintores jóvenes
viajaron hasta Aix-en-Provence para verle
trabajar y pedirle consejo durante los últimos
años de su vida. Sin embargo, tanto su estilo
como sus teorías continúan siendo misteriosas y
crípticas, aunque todos están de acuerdo en que
la intensidad de sus colores, unida al aparente
rigor de la estructura compositiva, indican que,
a pesar de la frecuente desesperación del propio
artista, había sintetizado los elementos básicos
de representación y expresividad de la pintura de
un modo muy personal.
Muchacha al piano (La obertura de Tannhäuser), h.
1869, en la que están representadas la hermana y
la madre de Cézanne.
29EDGAR DEGAS
- Nació el 19 de julio de 1834 en París, en el seno
de una acaudalada familia de banqueros. Estudió
en la Escuela de Bellas Artes con un discípulo
del pintor neoclásico francés Jean Auguste
Dominique Ingres allí desarrolló la gran técnica
como dibujante que se convertiría en una de las
características más sobresalientes de su arte. A
partir de 1865, influido por el movimiento
impresionista abandonó los temas académicos para
dedicarse a una temática contemporánea. Pero
prefirió trabajar en su taller y no le interesó
el estudio de la luz natural que tanto fascinó a
aquéllos. A Degas le gustaban los temas del
teatro, por lo que la mayor parte de su obra
representa teatros, cafés, teatros de variedades
o gabinetes y carreras de caballos. Degas fue un
gran observador del ser humano y tanto en sus
retratos como en sus estudios de bailarinas,
sombrereras y lavanderas, cultivó una objetividad
absoluta, intentando atrapar las posturas más
naturales y espontáneas de sus modelos como las
que podían registrarse en las fotografías. - Su estudio de los grabados japoneses le llevó a
experimentar con ángulos de enfoque inusitados y
composiciones asimétricas. Sus obras suelen
presentar los bordes cortados, como en Los
bebedores de absenta (1876) o Ensayo de ballet
(1876). En Mujer con crisantemos (1865), la
figura femenina aparece desplazada en un rincón
del cuadro por la presencia en el centro de un
gran ramo de flores. - En 1880, cuando comenzó a perder visión, Degas
empezó a trabajar con dos medios nuevos que no
requerían gran agudeza visual la escultura y el
pastel. En su escultura, al igual que en su
pintura, intentó atrapar la acción del momento, y
sus bailarinas de ballet y desnudos femeninos
están representados en poses que evidencian los
esfuerzos físicos de las modelos. Sus pasteles
suelen ser composiciones simples con muy pocas
figuras. Se vio forzado a recurrir a los colores
brillantes y a los gestos de gran expresividad,
prescindiendo de la línea precisa y el cuidado
detalle pero, a pesar de esas limitaciones, sus
últimas obras son de una elocuencia, expresividad
y grandiosidad no alcanzadas por ninguna de sus
obras anteriores, como puede verse en la
excelente selección de su obra presente en el
Museo de Orsay de París.
Degas no gozó de gran fama en su época y su
auténtica dimensión artística no habría de
valorarse hasta después de su muerte, acaecida el
27 de septiembre de 1917 en París.
Algunas de sus obras La
familia Bellelli (18601862) El ajenjo
(1876) La estrella (1878)
Clase de baile, 1875
30GUSTAVE COURBET
- Nació en un pueblo próximo a Besançon, en el
Doubs francés, cuyo paisaje refleja en sus
cuadros. Estudió en Besançon y luego en París
(1840). Sus padres deseaban que emprendiese la
carrera de Derecho, pero al llegar a París se
volcó en el arte. - A partir de la revolución de 1848, Courbet fue
etiquetado de revolucionario peligroso. - En 1855 expuso algunas de sus obras en el Palacio
de las Artes de la Exposición Universal de París,
pero al ver el rechazo del jurado hacia algunos
de sus cuadros decidió inaugurar una exposición
individual ubicada en las proximidades del campo
de Marte, a la que bautizó con el nombre de
"Pabellón del Realismo". Entre las obras que
exhibió en dicho lugar cabe mencionar El taller
del pintor, en el que retrataba a todas las
personas que habían ejercido cierta influencia en
su vida. - Tuvo fama de arrogante y efectista. Algunos le
achacaban que provocaba escándalos sólo para
entretener a las clases bienpensantes y que su
arte se mantenía fiel a cierta exquisitez formal.
Otros como Delacroix lamentaban que Courbet
malgastaba su habilidad, al elegir temas sin un
contenido elevado. - A pesar de sus polémicas, llegó a disfrutar de
éxito. Se le otorgó la medalla de la Legión de
Honor, pero la rechazó. De él, el filósofo
Proudhon, padre del anarquismo, quiso hacer un
pintor proletario. Creía que el arte podría
subsanar las contradicciones sociales.
Durante la Comuna se le encargó la administración
de los museos de París. Tras caer dicho gobierno,
el gobierno posterior le responsabilizó de la
destrucción de la columna Vendôme dedicada a
Napoleón Bonaparte. Un consejo de guerra lo
condenó a seis meses de prisión y a pagar 300.000
francos. Al salir de la cárcel escapó a Suiza
(1873) para evitar que el Estado le obligara a
pagar la multa era tan alta que debía ser
liquidada a lo largo de 30 años. Murió en La Tour
du Peilz, localidad próxima a Vevey, víctima de
una cirrosis producida por su consumo abusivo de
alcohol. Algunas de sus obras Autorretrato
(1849) El hombre del perro negro
(1842) Entierro en Ornans, (1850)
El estudio, detalle, 1855
31PIERRE-AUGUSTE RENOIR
- Nació en Limoges en febrero de 1841. En 1845,
Renoir y su familia se mudaron a París. Allí
Pierre-Auguste continuó sus estudios hasta la
edad de 13 años. Ya como adolescente, trabajó en
el taller de los hermanos Lévy donde pintó
figuras decorativas sobre porcelana hasta los 17
años. En 1858, Renoir realiza pintura sobre
abanicos. En esa actividad adquirió el gusto por
las piezas de gran luminosidad y de pinceladas
rápidas. - En 1862, Renoir, al captar atención por las
pinturas que tuvo que hacer en unas misiones
religiosas, postuló a la Escuela de Bellas Artes
y entró al taller de Gleyre, donde conoció a
Monet, Bazille y Sisley. Sus primeros cuadros de
estilo clásico, romántico y realista no fueron
inicialmente bien criticados. La primera obra que
expone en la galería lEsméralda en 1864 recibió
una muy buena acogida, pero después de la
exposición la destruyó. Pintó gran cantidad de
paisajes y de cuerpos humanos, principalmente
femeninos (sobre todo el de Lise Tréhot quien fue
su amante). Esta joven tuvo una importancia vital
en la obra del pintor, dado que al romperse la
relación, hubo un cambio en el estilo del autor.
La carrera de Renoir realmente se inicia en 1867
con la exposición de la Lise à lombrelle. - El período impresionista de Renoir dura entre
1870 y 1883. Pinta gran cantidad de paisajes pero
sus obras más características tiene por tema la
vida social urbana. En todos sus temas el énfasis
lo pone en la juventud y la vitalidad. Su más
grande obra durante este período es Déjeuner des
canotiers la mujer que juega con el perrito en
este cuadro será su esposa, Aline Charigot. De
esta época data su Retrato de Madame Charpentier
con sus hijos, aún impresionista. Le fue
encargado por el editor Charpentier, quien le
ayudó en años difíciles. Gracias a él, fue
convocado a colaborar en las ilustraciones para
un libro de Émile Zola. - Entre 1883 y 1890, Renoir entra en su período
ingresco. En busca de las fuentes clásicas de
Ingres marcha a Italia y contempla la obra de
Rafael in situ decide revisar su estilo. Los
contornos de sus personajes se vuelven más
precisos. Dibuja las formas con gran precisión,
los colores se vuelven más fríos. Al convertirse
en padre por primera vez deja la pintura por un
tiempo. Al regresar al trabajo realiza la más
imp